Schlagwort-Archive: The Cure

Typisch Großstadt-Mode-Hipster…


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(gefunden bei Facebook)

 

Typisch Großstadt-Mode-Hipster – erkennen das populärste Covermotiv von den Smiths nicht. Was wohl deren Frontmann Bono dazu sagen würde? Süße Tattoo-Sleeves auch…

 

Rock and Roll.

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Monsterparty – ANEWFRIENDs Playlist zum All Hallows‘ Eve


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Allerorten findet man in den digitalen Weiten seit einigen Tagen die wahlweise „tollsten“, „besten“ oder „gruseligsten“ Songs zum heutigen All Hallows‘ Eve, der „Rolling Stone“ etwa präsentiert seine „13 besten Songs zu Halloween„. 

Da will sich ANEWFRIEND freilich nicht lumpen lassen, legt noch zwei oben drauf und schickt seinerseits eine 15 Stücke starke Musikvideo- und Song-Playlist ins Rennen – ganz spontan und daher ohne Garantie auf Vollständigkeit. Und wem der ein oder andere Song fehlen sollte, der darf gern (s)einen süß-sauren Kommentar direkt hier oder via Facebook abgeben…

 

 

Michael Jackson – „Thriller“

Der Klassiker. Das dazugehörige Musikvideo ist beinahe süße 33 Jahre jung, und noch immer kommt da nix ran. Isso.

 

The Cure – „Lullaby“

Wo wir grad bei „Klassikern“ sind, sind Robert Smith und seine Jungs von The Cure, welche in diesem Jahr tatsächlich ihr Vierzigjähriges feiern dürfen, natürlich nie weit weg. Ebenso wie ihr spookiges Musikvideo zum Albtraum-Schlaflied „Lullaby“ von ihrem auf ewig besten Album „Disintegration“.

 

Patrick Wolf – „The Child Catcher“

Klar mögen spätere Werke von Patrick Wolf wie „The Magic Position“ weitaus bunter daher schunkeln als etwa das 2003 veröffentlichte Debüt „Lycantrophy“, das seine schaurig-verqueren kleinen Hymnen ja schon im Titel trägt. Besser war der Wolf-Junge nur auf dem Nachfolger „Wind In The Wires“…

 

The Faint – „Help In The Head“

Innerhalb der „Saddle Creek“-Mischpoke waren (und sind) die vier Typen von The Faint, welche unlängst mit „CAPSULE:1999-2016“ eine feine und durchaus repräsentative Werkschau auf den Markt geworfen haben (für alle, die die Band um Frontmann Todd Fink noch nicht kennen sollten), stets so etwas wie der war gewordene Halloween-Fiebertraum für die Indiedisco. Übrigens war selbst Indie-Darling Conor Oberst eine kurze Zeit lang Teil der Band…

 

Gus Black – „(Don’t Fear) The Reaper“

Im Original von den AOR-Rockern Blue Öyster Cult, kommt diese Coverversion von Singer/Songwriter Gus Black, welche seinerzeit passenderweise (auch) auf dem „Scream“-Soundtrack erschien, um Einiges schauriger daher…

 

Marilyn Manson – „Sweet Dreams (Are Made Of This)“

Jedes Jahrzehnt hat so eine personifizierte Schockgestalt. Was Alice Cooper für die Siebziger und Achtziger war, war Marilyn Manson für die Neunziger, in denen er mit Alben wie „Antichrist Superstar“ oder immer noch großen Coverversionen wie dieser (der Song stammt ja im Original von den Eurythmics) noch für handfeste Skandale sorgen konnte. Heutzutage lässt Mr. Brian Warner eher den dandyhaften Elder Statesman of Grusel raushängen, den seltsamen Onkel, von dem man jedoch noch immer seine Kinder fern halten möchte…

 

Black Sabbath – „Sabbath Bloody Sabbath“

Und was Marilyn Manson für die Neunziger war, waren Ozzy Osbourne und Black Sabbath für die Siebziger. Ganz klar: Heavy Metal wäre, so wie er später (und auch heute) gespielt wurde und wird, ohne die Band aus Birmingham undenkbar gewesen.

 

Metallica – „Enter Sandman“

Von daher haben James Hetfield und Co. Black Sabbath eine Menge zu verdanken. Die Inspiration zu „Enter Sandman“ in jedem Fall…

 

Foo Fighters – „Everlong“

Klassiker. Die mittlerweile auch nicht mehr ganz so jungen Jungs um Frontmann Dave Grohl schaffen es bis heute, dass jedes ihrer Musikvideos zu einer visuellen Augenweide wird.

 

Deftones – „This Place Is Death“

Die Band aus Sacramento, Kalifornien hat wohl als einzige das heute im besten Fall milde belächelte Nu-Metal-Genre unbeschadet überstanden. Eben, weil sich Chino Moreno und Mannen immer selbst treu geblieben sind, ohne jedoch Innovationen im Sound außer Acht zu lassen.

 

My Chemical Romance – „Welcome To The Black Parade“

Jüngst feierte „The Black Parade“, das dritte Album der Band aus New Jersey, sein zehnjähriges Jubiläum. Nie waren die mittlerweile aufgelösten My Chemical Romance größer, cineastischer (und wohl auch: besser)…

 

Nick Cave & The Bad Seeds – „Where The Wild Roses Grow“ (feat. Kylie Minogue)

Mordstyp, dieser Nick Cave. Aber Wortspielspaß beiseite, der Mann ist wohl der besteste Mörderballadenschreiber der Welt (falls es diesen Titel braucht) – siehe das 1996 veröffentlichte Meisterwerk „Murder Ballads“ (sic!).

 

The Dresden Dolls – „Coin Operated Boy“

Kein Halloween ohne meine heiß geliebte Crossdresserbande um Pianistin und Sängerin Amanda Palmer und Drummer Brian Viglione. Und ich gebe die Hoffnung nicht auf, dass uns das Duo irgendwann noch einmal mit einem gemeinsamen Album beglücken wird…

 

David Bowie – „Lazarus“

Kurz vor seinem Tod hat der große David Bowie mit „Blackstar“ noch einmal ein enigmatisches Großwerk rausgehauen. Allein seinem von Krankheit gezeichnetem Mienenspiel im Musikvideo zu „Lazarus“ noch einmal zuzusehen, lässt einen in Ehrfurcht erstarren. Legende.

 

Die Ärzte – „Monsterparty“

Muss ein.

 

Rock and Roll.

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Das Album der Woche


Pianos Become The Teeth – Keep You (2014)

Keep You (Cover)-erschienen bei Epitaph-

Wenn eine Band drei Alben innerhalb kürzerer Zeit veröffentlicht, dann sind thematische Gemeinsamkeit (slash persönliche Überschneidungen) nur allzu gut möglich. So auch im Hause Pianos Become The Teeth. Drehten sich die Vorgänger zum aktuellen Album „Keep You“ – „Old Pride“ von 2009 und „The Lack Long After“ von 2011 – noch um das Zurechtkommen mit der Nachricht der Multiple-Sklerose-Erkrankung des Vaters von Sänger Kyle Durfey (auf „Old Pride“) beziehungsweise die unmittelbare Verarbeitung des Todes des Familienoberhauptes (auf „The Lack Long After“), wird „Keep You“ zum fragmentarischen Tagebuch der Schritte Durfeys zurück ins Leben. Und doch könnte man meinen, dass hier eine komplett andere Band in die Saiten und Felle haut…

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Noch vor kurzer Zeit zählten Pianos Become The Teeth zu eben jenen Bands, die, von Fans wie Musikpresse simplifiziert unter dem „The Wave“-Banner zusammenfasst, unter welches auch die befreundeten La Dispute, Touché Amoré, Defeater oder Make Do And Mend zählten, es, ihrem jugendlichen Alter zum Trotz (oder genau deshalb), vortrefflich verstanden, persönliche wie gesellschaftliche Schieflagen in lauthals heraus geschrieene Lyrik, begleitet von nicht weniger brachialer Musik, umzumünzen. Die einen steckten all das in die „Screamo“-Schublade, die anderen kritzelten verschmitzt lächelnd „Post Hardcore“ übers Plattencover. Nun jedoch macht die Band aus dem US-amerikanischen Nordosten (Baltimore, Maryland) allen Sortierwütigen einen Strich durch die Rechnung. Derb geschredderte Akkorde? Gibt’s von Pianos Become The Teeth im Jahr 2014 höchstens noch auf Konzerten zu hören, wenn das ein oder andere „ältere“ Stück gespielt wird. Aggressiv ins Mikro geschrieene Lyrik aus Durfeys Kehle? Auch die – und das dürfte wohl für Kenner der Band die größte Überraschung darstellen – gehört auf „Keep You“ wohl endgültig (definitiv jedoch vorerst) der Vergangenheit an. Denn anstatt weiterhin seine Stimmbänder zu malträtieren, singt der Frontmann nun. Und der Hörer fragt sich, wieso zur Hölle er damit nicht schon früher begonnen hat.

Nun hat ein derart umfangreich vollzogener Richtungswechsel durchaus auch seine Tücken, denn das Ganze könnte durch den Abzug der Härte auch gut und gern zum lahmarschigen Trauerkloszug mutieren. Das Gute: das tut es zu keiner der knapp 44 Albumminuten. Stattdessen baut die fünfköpfige Band gemeinsam mit dem zur Zeit für Kapellen dieser Art scheinbar unverzichtbaren Produzenten Will Yip (u.a. auch La Dispute, Title Fight) zehn sorgsam arrangierte Songs auf, deren Schönheit sich zwar nicht immer sofort mit dem ersten Hördurchgang erschließt, dafür jedoch mit jedem weiteren tiefer und tiefer ins Hörerherz gräbt. Klar gibt es auch auf „Keep You“ noch allerhand Dynamik (etwa bei „Lesions“), doch die Band lässt ihren Stücken nun die Zeit und Ruhe, um sich zu entfalten, schichtet Gitarrenspur nicht mehr über- sondern nebeneinander, während das rhythmisch versiert aufspielende Schlagzeug von David Haik die Songs voran trägt und etwas übergelegter Hall sein Quäntchen zur Gesamtatmosphäre beiträgt. Und auch wenn dem Hörer bei all den Zeilen aus der Feder von Kyle Durfey, wie „I’m still always slowly waiting for what follows / For what I’ve learned about being so defined by someone dying“ (aus dem Albumopener „Ripple Water Shine“) das eigene Herz so schwer zu werden droht, wie anno dazumal zu Hochzeiten von Emocore-Bands wie Thursday, so merkt man doch, dass der Sänger ehrlich bemüht ist, die Trauer abzuschütteln: „I’m tied by the way of church keys, missed weddings /I’m tied by the way everyone talks about everything / I’m breathing easy / I’m breathing sharp / I’m all sand and heat / I’m keeping you / I leave nothing behind but traces for myself to find“ (aus „Traces“). Alles auf „Keep You“ ist vergänglich, ist längst vergangen, lange bevor die Strahlen der Nachmittagssonne sich wie zarte Hoffnungsschimmer aufs heimische Fensterbrett gelegt haben. Alles auf „Keep You“ ist Trauer aus den Büchern – und die Gewissheit, nicht allein damit zu sein. Jede Note erzählt vom Gefühl, geliebt zu werden oder geliebt worden zu sein. Und am Ende aller zehn Episoden steht auf „Keep You“ mit „Say Nothing“ noch einmal ein Monolith von Song, bei dessen Zeilen sich Durfeys Stimme noch ein letztes Mal fast überschlägt, bevor das Stück Saiten- für Saitenschwung zur Ruhe kommt: „A lack of noise isn’t a lack of life / And that’s the way I think it’s always been / Because, ‚I say it all, when I say nothing at all,‘ / So let’s say nothing some more / And let the words burn their way across the floor / Because if these walls could talk / I still couldn’t get over a God damned soul / And I can’t hold smoke / So let’s say nothing some more / Because the sand stays with me / Because the sand keeps you“. Der Sand, der zurückbleibt, den raubt uns die Zeit. „Keep You“ erzählt mit Herz und Seele davon, was von einem Leben bleibt…

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Enttäuscht von „Keep You“ dürften wohl nur diejenigen sein, die von Album Nummer drei ein nahtloses Anknüpfen an dessen Vorgänger erwartet haben – also einen weiteren Rundumschlag aus Schnelligkeit, Lautstärke und (emotionaler) Härte. Allen anderen bieten Pianos Become The Teeth mit ihrem neusten Werk eine derart schöne Ansammlung von Trauerweidenstücken, dass man beinahe geneigt ist, „Keep You“ auf eine Ebene mit Meisterwerken wie The Cures 25 Jahre jungen Geniestreich „Disintegration“ zu stellen, während Pianos Become The Teeth im Jahr 2014 rein musikalisch Atmosphärekönige wie die instrumental knietief im Postrock musizierenden Texanern von Explosions In the Sky wahnsinnig nahe zu stehen scheinen. Dass das Abziehen brachial harter Strukturen nicht automatisch zu Lasten der Dringlichkeit und überzeugend-einnehmenden Atmosphäre gehen muss, haben ja unlängst schon die „The Wave“-Kollegen von La Dispute eindrucksvoll bewiesen, als sie mit „Rooms Of The House“ mehrfach einen Gang zurück stellten. Ganz klar: Für die, die dem neusten Album der Band um Frontmann Kyle Durfey eine ehrliche Chance geben, wird es in diesen kalt-grauen keine schönere Decke geben, unter der man all seine Herbstgefühle warm schlummern lassen kann. VISIONS-Redakteur Matthias Möde schrieb über in seiner Review über „Keep You“: „Die besten Platten sind zwar nicht die, die wirklich traurig machen, aber die, die unter die Haut gehen, deren Essenz man sich aber nicht mit wenigen Wörtern tätowieren lassen kann.“ Das darf man getrost so stehen lassen. Und den Rest ganz dem Herzen überlassen…

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Wie auch die Vorgänger kann man sich „Keep You“ in Gänze auf der Bandcamp-Seite von Pianos Become The Teeth anhören…

 

…sich zum Song „Repine“ gleich zwei Musikvideos zu Gemüte führen…

 

…sowie hier der Making Of-Kurzfilme zum Album anschauen:

 

Rock and Roll.

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Das Album der Woche


 Foals – Holy Fire (2013)

Foals - Holy Fire (Cover)-erschienen bei Warner Music-

Man stelle sich bitte einmal folgende Szene vor dem geistigen Auge vor: da steht der Wahl-Engländer Herbert Grönemeyer als Gastdozent vor den studentischen Reihen der Oxford University, Kurs „Musiktheorie“, und gibt seine Losung in feinstem Ruhrpott-Schnodderdeutsch zum Besten: „Stillstand ist der Tod / Geh‘ voran, bleibt alles anders“. Das in Oxford heimische Foals-Quintett aus Yannis Philippakis (Gesang, Gitarre), Jimmy Smith (Gitarre, Keyboard), Walter Gervers (Bass), Jack Bevan (Schlagzeug) und Edwin Congreave (Keyboard) sitzt begehrlich lauschend in der ersten Reihe, notiert Zeile um Zeile mit Graphitgriffel auf ihre Collegeblöcke und setzt die Losung alsbald in die Tat um. Denn tatsächlich lässt sich seit ihrem 2008 erschienenen Debüt „Antidotes“ kaum eine Wiederholung feststellen. Waren es anfangs noch die tendenziell hypernervösen NuRave-PostPunk-AftroBeat-Knaller wie „Mathletics“ oder „Hummer“, die Kritiker schier ausflippen ließen und nicht wenige mehr oder minder intellektuelle Indieanistas auf die Tanzflächen unterhalb der speckig-abgeranzten Diskokugeln zogen, erhoben die Foals bereits mit dem zwei Jahre darauf veröffentlichten Nachfolger „Total Life Forever“ süffisant einen Mittelfinger an die Erwartungshaltung und stellten ein Album in die Plattenläden, das keineswegs „nur“ mehr von diesen Rock tragenden Funk-Biestern lieferte, sondern weiter ausholte und reifere Tiefen ebenso zuließ wie clever austarierte Höhen, und mit dem Sieben-Minuten-Miniepos „Spanish Sahara“ mindestens einen dieser Songs, deren man wohl nie überdrüssig wird, in Petto hatte. Das Tolle: trotz aller Neuerungen, trotz allem Wachstum, trotz aller Steigerung behielten die Foals ein paar ihrer Trademarks bei… Nun, gerade genug, damit alle, die dem Vorgänger etwas abgewinnen konnten, sich in den neuen Songs ebenso wiederfanden. Zwei Top-Ten-Alben und einer Nominierung für den ehrwürdigen „Mercury Prize“ (für „Total Life Forever“) waren die Belohnung. Dass „Holy Fire„, das dritte Album der britischen Kritikerlieblinge, mit Vorschusslorbeeren bedacht werden würde, war abzusehen. Dass es diesen auch gerecht werden würde, stellte jedoch keine Selbstverständlichkeit dar…

Foals #1

Und doch muss man zugeben: Foals haben es wieder einmal geschafft. Ihre Trademarks – die leicht nervösen Rhythmen, die Frickelgitarren, Philippakis‘ hoher Gesang – wurden auch aufs neue Werk „gerettet“, ansonsten macht sich so einiges an bandeigener Innovation in den elf neuen Songs breit. Und als „Großes und Ganzes“ machen die auch noch Sinn! Es fängt bereits beim Opener „Prelude“ an, bei dem mit Knistern, Knacken und einem entfernten Dröhnen Frickelgitarre, Percussion, Keyboard und Schlagzeug ins Studio marschieren und sich die Band mit einem kleinen Jam warm spielt, und setzt sich mit dem ersten vorab veröffentlichten Song „Inhaler“ fort, der wie eine Walze aus Rockinstrumentarium plus Keyboard alle Kritik nach mehr Eingängigkeit gen Tanzschuppenboden drückt. „Sticks and stones don’t break my bones“, stellt Philippakis klar, und warnt vor: „I can’t get enough space“. Da will’s einer wissen! „You don’t have my number / We don’t need each other now / We don’t need the city / The creed or the culture now / ‚Cause I feel / I feel alive / I feel, I feel alive / I feel that the streets are all pulling me down“ – „My Number“ ist gleich darauf der eventuell poppigste, (im gängigen Sinne) tanzbarste Moment der Platte, und erinnert nicht nur einmal mit „Uh-hu“-Chören ohne fremde Scham an The Cures „The Lovecats„. Überhaupt: The Cure! Das Vermächtnis der großartigen Dunkel-Waver um Frontmann Robert Smith lässt sich auch auf „Holy Fire“ wieder aus jeder Ritze der Studiowände kratzen, denn nicht nur ein Mal lassen Melodiegespür sowie Keyboard- und Gitarrenlinien hier die klaren Vorbilder erkennen – was ja an sich nichts Schlechtes heißen mag… „Bad Habit“ besticht mit metallischer Percussion als ein sich im Refrain öffnender Song, ab dessen Mittelteil hymnische Gitarren die Führung übernehmen und Philippakis sich zur eignen Verletzlichkeit, aber auch innerer Stärke, bekennt: „I’ve made my mistakes / And I feel something’s changed / And I know what’s at stake / Wash the stains away /…/ And I feel quite okay“. In „Everytime“ fügen sich elektronische Elemente gekonnt in den Gesamtsound ein, während der Text einen zarten Anflug von emotionalem Eskapismus probt („Every time I see you I wanna sail away“). Das klare Herzstück auf „Holy Fire“ ist, ähnlich wie 2010 „Spanish Sahara“ auf dem Vorgänger „Total Life Forever“, zweifellos „Late Night“: „Oh, I hoped that you were somebody / Someone I could count / To pull me to my feet again / When I was in doubt / Oh now mama, do you hear me / Calling out your name? / Now I’m the last cowboy in this town / Empty veins and my plastic, broken crown“. Philippakis gibt den fragilen Bluesboy, während die Gitarre sich deep und soulful eingroovt, um dann mit der gesamten grandios aufspielenden Band und einer Horde an (Konserven?)Streichern zu Philippakis‘ Worten „Stay with me!“ den emotionalen Klimaxgipfel zu stürmen, dort weiter zu grooven und langsam – und noch immer höchst soulful – in einem Pianoakkord zu verklingen. „Out Of The Woods“, die wohl deutlichste 2013er Foals-Referenz an die Achtziger (The Cure!), ist eine luftige Eskapismushymne von Wäldern, Freunden, Wolken und Weltverzicht, „Milk & Black Spiders“ bietet Konservenstreicher, die am Ende ihre Wand hochfahren, Frickelgitarren und einen eng geschnürten Rhythmus, und scheint textlich das Ziel des Sehnens gefunden zu haben („I’ve been around two times and found that you’re the only thing I need“). Wer auf der im letzten Jahr erschienen Bloc Party-Platte „Four“ vor allem die „härteren“ Gangarten am ansprechensten fand, der wird auch auf „Holy Fire“ einen neuen Liebling finden, denn „Providence“ entpuppt sich ohne Umscheife als tighter, aggressiver New Wave-Tanzflächenfüller, an dessen Ende sich die Band in einem wahren kleinen kakophonischen Inferno austoben darf, und in dem sich Philippakis zu den eigenen animalischen Wesenzügen bekennt („I know I cannot be true / I’m an animal just like you“). Dass manch einer nach solch‘ einem Dezibelbrecher erst einmal Ruhe braucht, ist nur all zu verständlich. Und die gönnt die Band dem Hörer in „Stepson“, einer schwebenden, dezent elektronischen Ballade, bei welcher – in trügerischer Manier – alles im Reinen zu sein scheint. Das abschließende „Moon“ wartet mit meditativer Atmosphäre auf, die zu einem immer bedrohlicher werden Dröhnen anwächst, um am Ende zu verglühen: „The world is quiet / There is nothing left unsaid / A million image, million capture, million dead / And all the birds fall out of the sky in two by two’s / And my teeth fall out my head into the snow / I am you now / And you are me instead / Then I see there is blood on your wedding dress / And all of the old walk down and I’m feeling unsure / When I’m sleeping in my own place / I’m not home /…/ It is coming now, my friend / And it’s the end…“. Die Foals proben zum Abschied von „Holy Fire“ noch einmal die Apokalypse. Und wenn diese wirklich so schön dröhnt, so ist die Frage, ob man gern dabei wäre, eventuell einen zweiten Gedanken wert – insofern man denn eine „Repeat“-Taste in die Hand bekommt…

Foals #2

Mission accomplished. Auch mit „Holy Fire“ schaffen Foals den Spagat zwischen Altbewährtem und – für sie – gänzlich Neuem. Mehr noch: unter der Ägide der beiden Erfolgsproduzenten Alan Moulder und Flood (u.a. U2, Depeche Mode, Smashing Pumpkins, Nine Inch Nails) erfahren die neuen Songs – im Vergleich zum Albumvorgänger – noch einmal eine Straffung und angenehme Komprimierung. Auf den neuen knapp 50 Minuten steht nun keine Songidee mehr über, werden alle losen Ende bündig groovend verknüpft. Und doch haben die elf Songs noch massig Raum zum Atmen, stellen dem verspielten Indierock-Gerüst des Fünfers kleine Elemente aus Funk, Dance, New Wave oder Post Punk zur Seite, zeigen die Band mit noch mehr gesundem Selbstbewusstsein als noch drei Jahre zuvor, und bieten Philippakis eine Basis für endlich weniger kryptische Texte, die sich auf „Holy Fire“ mit Grundthematiken wie Schuld, Sühne, Vergangenheitsbewältigung, Eskapismus und Heimatfindung beschäftigen und ein ums andere Mal fein prickelnde Gänsehautmomente hervorrufen.

Dass die Foals mit „Holy Fire“ als Jahrgangsbeste in Richtung Semsterferien und Konzertbühnen abschließen, ist noch nicht in die Indierock-Steine gemeißelt. Den Abschluss des „Musiktheorie“-Kurses haben die fünf Klangtüfler-Strebern aus Oxford aber definitiv in der Tasche.

(Chapeau übrigens zum tollen Albumcover, wie ich finde…)

Foals (name)

 

Hier die sehenswerten Videos der ersten beiden aktuellen Albumauskopplungen „Inhaler“…

 

…und „My Number“…

 

…einer Live Session-Version des Albumhighlights „Late Night“…

 

…sowie zu „Spanish Sahara“, welches 2010 bei mir auf Heavy Rotation lief…

 

…und zu „Blue Blood“ (wie „Spanish Sahara“ auf „Total Life Forever“ zu finden):

 

Rock and Roll.

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Rocks and Rolls and Danish Dynamite? So war das Roskilde Festival 2012!



1971 gegründet und damals noch unter dem Namen SOUND FESTIVAL stattfindend, ruft ein kleiner, verschlafener Ort auf der dänischen Insel Seeland alljährlich Festivaljünger aus Skandinavien, Europa und der ganzen Welt zusammen, um gut eine Woche lang dem Erleben von mehr oder minder lauter, lebensfroher und tanzbarer Musik, dem gemeinsamen – meist feuchtfröhlichen – Feiern sowie dem Beisammensein in Zeltstädten bei Dosenravioli und Campingkocher zu frönen. In besten Zeiten invadierten 115.000 Musikbegeisterte das ländliche, etwa 30 Kilometer von der Hauptstadt Kopenhagen entfernte Roskilde, 2012 waren es, auch den Sicherheitsbestimmungen nach dem tragischen Zwischenfall 2000 geschuldet, bei der 42. Ausgabe immerhin gut 77.000.

Und beim Blick auf das Line-Up überraschen solche Zahlen kaum: Rock in allen Spielarten, Pop, Metal, elektronische Klänge, Bluegrass, Blues, Reggae, Singer/Songwriter… – für praktisch jeden war auch in diesem Jahr etwas dabei. Und wer nicht vorrangig der auftretenden Bands und Künstler wegen da war, der konnte auf dem nicht eben kleinen Gelände dem bunten Treiben der vor allem aus Dänemark kommenden Besucher,  von denen etwa 20% aus dem Ausland anreisten, beiwohnen.

Doch genug zur Historie und zu Allgemeinplätzen. Hier nun das, was mir von Roskilde 2012 in Erinnerung geblieben ist, in Form eines kleinen Festivaltagebuchs:

 

Tag 1 (Dienstag, 3. Juli 2012):

Die Reise beginnt in der sächsischen Provinz uns führt mich und meine zwei Begleiter (zum Ende des Festivals werden wir zu fünft sein, die anderen zwei stoßen später von Schweden aus zu uns) per Road Trip und mit sorgfältig ausgewählter Musik bei durchgängig freien deutschen Autobahnen bis nach Rostock. Da wir weit vor Abfahrt der Fähre zum dänischen Gedser ankommen, bleibt noch Zeit, um der unterbeschäftigten Imbissfrau bei Fischbrötchen, Bulette, Kaffee und Rostocker Pils ein wenig Gesellschaft zu leisten und Trost zu spenden.

Bei untergehender Sonne und mit einer Horde portugiesischer Schüler an Bord laufen wir beinahe pünktlich auf die Ostsee aus und kommen im Dunklen in Gedser an Dänemarks Küste an. Den Weg nach Roskilde zu finden ist nicht schwer: wir müssen einfach nur immer den Hauptstraßen geradeaus folgen. Gegen 23.30 Uhr kommen wir am Festivalgelände Roskildes an, müssen jedoch noch einen kurzen Trip in die „Innenstadt“ der Gemeinde unternehmen, um dänische Kronen für den Autostellplatz zu besorgen. Nachdem dies erledigt und das Auto abgestellt wurde, heißt es, sich die offiziellen Festivalbändchen am Arm festzurren zu lassen und nach einem geeigneten Zeltplatz für die kommenden Tage Ausschau zu halten. Letzteres stellt sich jedoch als Kraftakt von kaum vorstellbarer Schwere heraus, da das Gelände bereits am vergangenen Samstag geöffnet wurde und bereits so ziemlich alle Plätze belegt sind (wie wir später bemerken sollten, hatten wir jedoch damit auch Glück um „Unglück“). So wandern wir also, nach über 12 Stunden Anreise, durch spärlich beleuchtete Zeltstädte und vorbei an bereits allerhand Müll, Alkoholleichen und einer Jugend, die scheinbar den Aufstand des Leichtsinns probt. Am hintersten Eck (das sich bezeichnend „Silent Area“ schimpft) finden wir noch ein wenig Platz, beschließen diesen alsgleich zu besetzen und schaffen unter Aufbietung unserer letzten Kraft- und Wachreserven unser Zeug herbei. Als unsere Zelte aufgestellt und die Heringe im Festivalboden verankert sind, beginnen bereits die ersten Vögel den Anbruch des Festivalmittwochs zu begrüßen. Bei aufgehender Sonne stoßen wir gemeinsam mit dem höchst verdienten ersten Festivalbier an und sinken danach erschöpft in unsere Schlafsäcke.

 

Tag 2 (Mittwoch, 4. Juli 2012):

Der erste komplette Tag in Dänemark steht, auf besonderen Wunsch der „besten Freundin“, und da die „offiziellen“ Konzerte erst am nächsten Tag beginnen (vorher konnte, wer wollte, bereits kleineren dänischen/skandinavischen Bands beim Musizieren auf die Finger schauen), unter dem sonnigen Stern eines Sightseeing-Ausflugs in die dänische Hauptstadt, die mit dem Zug etwa 30 Kilometer oder 50 Minuten Fahrt entfernt liegt. Gegen Mittag kommen wir bei besten Temperaturen dort an, laufen vom Hauptbahnhof aus am beliebten „Tivoli“-Vergnügungspark vorbei durch’s Zentrum bis zur Vor Frelsers Kirke, die wir über eine im 18. Jahrhundert gebaute Wendeltreppe besteigen, um uns in 93 Metern Höhe einen Überblick über die etwa 540.000 Einwohner zählende Stadt zu verschaffen. Danach geht’s weiter nach Christiania, welches quasi das „alternative Zentrum“ Kopenhagens darstellt.  Gibt’s doch überall? Nun, besonders an diesem in einem verlassenen und seit 1971 von Hippies besetzten Militärgelände ist, dass der Stadtteil von den Bewohnern zur (mehr oder minder autarken) Freistadt ernannt wurde. Und „Besonderes“ sieht der Besucher, dem Fotografieren unter Androhung von Gewalt strengstens untersagt ist, auf jeden Fall. Oder zumindest mehr offen und frei angebotene bewusstseinserweiternde Substanzen als sonstwo (und ich wohne in den Niederlanden!). Und in beinahe allen Gassen Christiania strömen einem denn auch dementsprechende Gerüche entgegen… Toll hingegen ist es zu beobachten, dass hier Anzugträger und Rastafari im friedlichen Nachmittagssonnenplausch gemeinsam ihr Entspannungstütchen rauchen…

Nach diesem etwas abseitigen Trip geht’s per Wassertaxi weiter zu der Sehenswürdigkeit Kopenhagens: der „kleinen Meerjungfrau“. Gesehen. Abgehakt. Weiter. Nach dem Rückweg zum Hauptbahnhof geht’s zurück nach Roskilde. Ein schöner, entspannter Tag, um Energie für die nächsten vier kraftraubenden Tage im musikalischen Herzen Dänemarks zu sammeln.

 

Tag 3 (Donnerstag, 5. Juli 2012):

Der erste offizielle Konzerttag beginnt für die Einen von uns (wir sind mittlerweile zu fünft) mit den aus dem heimischen ehemaligen Karl-Marx-Stadt stammenden Kraftklub, für die Anderen mit The Shins. Ich entscheide mich für letztere Band…

Doch alsbald beschleicht mich in der Mitte des Auftritts das Gefühl, dass ich doch besser die Chemnitzer Neo-Sprech-Rock-Hipster hätte wählen sollen, denn irgendwie kommen James Mercer und Band nicht recht aus der Hüfte, was sich auch auf die dementsprechend mäßige Stimmung im Publikum auswirkt. Was soll’s. Dann halt zuhören und im Hinterkopf noch die Planung für die nächsten Tage durchgehen.

Weiter geht’s danach ins Gloria, eins von insgesamt sieben (!) Venues auf dem Festivalgelände, und zusammen mit der Orange Stage (der Hauptbühne) wohl das in seiner Gestaltung und Akustik beste, um dem Songwriter Sam Amidon zu lauschen. Ist nicht aufregend, das Ganze, jedoch sehr, sehr schön…

Auf der eben erwähnten Orange Stage betreten mit Robert Smith und seinen nicht minder gealterten Mitmusikern The Cure die Hauptbühne und werden diese für die nächsten gefühlt 50 Stunden nicht mehr verlassen. Stoisch und beinahe ohne Publikumsinteraktion (doch wer hätte das beim größten Trauerklos des Musikbusiness auch erwartet?) ziehen die Goth-/Wave-Rocker ihr Ding durch, spielen sich – beileibe nicht unvirtuos – durch den gewaltigen Backkatalog, lassen immer mal wieder Evergreens wie „Just Like Heaven“, „Lovesong“ oder „Lullaby“ mit einfließen, und wandeln gegen Ende gar auf Pink Floyd’schen Soundscape-Spuren. Mammutauftritt einer Band mit großer Spielfreude, und gegen Ende lassen sich Smith’s Lippen sogar das ein oder andere Lächeln entlocken – sensationell. Und die Geduld der Zuschauer wird bereits am ersten Tag geprüft…

Wir jedenfalls halten’s der Langatmigkeit wegen nicht bis zum Ende aus (und dabei ist „Disintegration“ eins meiner All-Time-Fav’s!) und statten Perfume Genius noch einen kurzen Besuch ab. Fazit: armer, schüchterner Kerl, traurige Songs, klagendes Stimmchen. Man reiche ihm einen warmen Kakao!

 

Tag 4 (Freitag, 6. Juli 2012):

Am Morgen werden wir vom Regen geweckt. Unbeugsam öffnen sich die Himmelsschleusen und verwandeln einen Großteil des Festivalgeländes sowie der Zeltstadt in eine müllbedeckte Schlammlandschaft. In unserem hintersten Eck des Zeltplatzes haben wir das Glück, noch Wiese als Untergrund zu haben, welche einen guten Teil der Nässe rasch aufnimmt und uns ein „Absaufen“ erspart. Mein Begleiter und ich (von ihm stammt auch ein guter Teil der Festivalfotos, welche er ANEWFRIEND großzügigerweise zur Verfügung stellte) entschliessen uns, das Festivalkino als trockenen Ort aufzusuchen. Gespielt wird gerade „Play“, ein schwedischer Film mit dänischen Untertiteln, dessen Handlung sich wohl vor allem über die Dialoge erschliesst. Wir sprechen leider keine der beiden Sprachen. Und können uns bei den Stellen, bei welchen das anwesende Publikum lacht, nur ungläubig anschauen. Die Stelle mit dem scheißenden asiatischen Jungen einmal außen vor…

Gegen Nachmittag legt sich der Regen so langsam und ein kurzer Abstecher zu Baroness, welchem im Odeon spielen, steht auf dem Plan. Ordentlich, die Jungs. Ordentlich laut. Werden wohl zurecht (hoch)gelobt. Ich bin angefixt.

Weiter geht’s zu Gossip an die Orange Stage, und da noch Plätze direkt vor Bühne frei sind, entschliessen wir uns für dieses Erlebnis. Und das ist es durchaus: ruckzuck finden wir uns in einem ausgelassen feiernden und tanzenden schwul-lesbischen Moshpit wieder und sehen einen Band, die ordentlich rockt und ganz zu meiner Freude auf einen Großteil der Elektronik- und Synthie-Spielereien der letzten Studioalben verzichtet. Frontwuchtbrumme Beth Ditto gibt die sympathische Rampensau und darf wohl, insofern man bei ihr noch Vergleiche benötigt, als eine barfuss tanzende und Drinks kippende „Adele in Rock“ gesehen werden. Auf ihren Alben mögen Gossip dem Punk abgeschworen haben, jedoch nicht auf der Bühne. Tolle Show, perfekte Festivalband. Und mindestens für „Standing In The Way Of Control“ sollte jeder Indie-DJ Dittos voluminösen Arsch küssen.

Nach einer Verschnaufpause und einem Rundgang entlang der vielen Festivalstände, ein welchem man Snacks, Fast Food, Drinks, Shirts und ähnliches erstehen kann, geht’s zur besten Spielzeit wieder zur Orange Stage, auf welcher der Ex-White Stripe sowie Teilzeit-Raconteur und -Dead Weather Jack White und seine aus sechs (!) bildhübschen (!!) und höchst talentierten (!!!) Damen bestehende Backing Band groß aufspielen. Natürlich, rein stimmlich ist es bei dem aus Detroit, Michigan stammenden Musikvirtuosen nicht weit her, doch hat man sich einmal an sein Organ gewöhnt, erschließt sich sein gleichzeitig vor- und rückwärts gewandter Klangkosmos auf wundersame Weise, an deren beiden Enden White scheinbar mit seiner Gitarre verwachsen scheint. Wie sonst könnte er ihr solch‘ große Klänge entlocken? Der Mann lebt den Blues nicht, nein, er ist Blues! Insgesamt bietet er einen gut zweistündigen Querschnitt durch sein nicht eben geringes Schaffen, sei es anhand von Songs der White Stripes, der Raconteurs oder aus seinem kürzlich veröffentlichten Solodebüt „Blunderbuss„, an dessen Ende das beinahe orgiastische gefeierte (und auch irgendwie unvermeidliche) „Seven Nation Army“ steht. Stadionatmosphäre beim Festival. 60.000 – und du mittendrin. Geil.

Mein Begleiter besteht nach diesem Höhepunkt noch auf einem kurzen Abstecher zu Gentleman & The Evolution. Ich kann Gentleman nicht ausstehen. Dieser Auftritt ändert daran nichts: ein Pothead, der in gefaktem Englisch mit jamaikanischem Einschlag plakativ über das „ach so arme“ Afrika schwadroniert, zur „Love“ aufruft und im hip-rheinischen Köln residiert. In welcher Welt passt das zusammen? Zumindest nicht in meiner. Manche mögen’s. Ich definitiv nicht.

 

Tag 5 (Samstag, 7. Juli 2012):

Tag fünf ohne Dusche stellt mit seinen vielen sehenswerten Konzerten und dementsprechend vielen Überschneidungen den Haupttag des Festivals dar. Die von mir fest eingeplanten Dry The River müssen, der Bündelung von Kräften und mittäglichen Stärkung wegen, flachfallen.

Zuerst werden kurz First Aid Kit bestaunt: schöne, weise Stimmchen haben sie, diese beiden schwedischen Schwestern. Gefällt, ist mir aber zu festivaluntauglich. Weiter also zu Alison Krauss & Union Station (die Stimme der Dame mag dem Einen oder der Anderen eventuell aus dem Film „O Brother Where Art Thou?“ bekannt sein), welche wohlmöglich einen gelungenen Auftritt hinlegen, jedoch auch die erste Gähnphase einläuten. Doch das soll sich mit der nächsten Band schleunigst ändern: die für diesen Festivalsommer wiedervereinigten Refused haben ihr Kommen angekündigt! Und Dennis Lyxzen & Co. bieten eine lautstarke, energetische Show, die sich gewaschen hat, so einige Trommelfelle zum Summen und den Circle Pit vor der Bühne zum Ausrasten bringen! Ich bin wieder gefühlte zehn Jahre jünger und nach „New Noise“ und am Ende des Auftritts glücklich, die Jungs einmal gemeinsam gesehen zu haben. Tolle Frontsau, der Lyxzen, immer wieder.

Zurück an der Orange Stage und zur besten Zeit betritt dann der Highlight-Act der diesjährigen Roskilde-Ausgabe die Bühne: Bruce Springsteen & The E Street Band. Und er bringt ähnlich viele E Street Band-Musiker mit ins orangene Halbrund, wie noch wenige Wochen zuvor im Berliner Olympia-Stadion (ANEWFRIEND berichtete). Unnötig zu erwähnen, dass der Boss auch diesmal eine perfekte Show liefert (die Tracklist könnt ihr hier bestaunen) und für die wohl ausgelassenste große Meute des ganzen Festival sorgt. Als er bei einem Song einen Teil der wenige Stunden zuvor an selber Stelle aufgetretenen The Roots zu sich auf die Bühne holt, teilen sich zeitweise über zwanzig (!) Musiker die wohl musikalischsten Bretter Dänemarks. Nach gut drei (!) Stunden und dem Isley Brothers-Cover „Twist and Shout“ ist Schluss. Drei Stunden! Bei einem Festival! Grandios. Und ich bin völlig fertig. Das zweite Boss-Konzert in meinem Leben, beide innerhalb weniger Woche, beide ähnlich perfekt.

Nach einer Portion Köttbullar als Stärkung nach einem langen Festivaltag und dem lärmig-launigen Aufritt von Sivert Höyem geht’s zurück zum Zeltplatz. Paul Kalkbrenner kann man auch noch in mehreren Kilometern Entfernung an seinen Tellern schrauben hören…

Hier noch ein Mitschnitt vom Auftritt mit The Roots:

 

Tag 6 (Sonntag, 8. Juli 2012):

Unser letzter Festival-Tag steht ganz im Zeichen der nahenden Abreise (die Fähre zurück nach Rostock geht um 2 Uhr nachts), dem Packen, dem Lecken des doppelten Sonnenbrands sowie der durch das tagelange Tragen von Gummistiefeln verursachten Schürfwunden.

Noch einmal werden die müden, matten Festivalbesucherhäupter von einer ordentlichen Sonnenbrise verwöhnt.

Auf dem Plan stehen nur noch die gegen Abend spielenden Alabama Shakes, zu denen wieder leichter Nieselregen einsetzt, sowie Björk (bei der jedoch keiner von uns erwartet, das Ende des Auftritts zu erleben). Und die Erwartungen erfüllt sie denn auch. Die… nun ja… überaus extrovertierte Isländerin betritt mit einem Damenchor und einem DJ, der gut und gern ihr Sohn sein könnte, und gekleidet in ein Kostüm, welches eine Mischung aus Ölpest, Band- und Wattwurm darstellt, die Bühne und erhebt zu eigenartigsten Bewegungen sogleich ihr gewöhnungsbedürftiges Organ. Nein danke. Nicht meins. Unser Gepäck befindet sich eh bereits verstaut im Auto. Wir machen uns auf die Rückreise.

 

Tag 7 (Montag, 9. Juli 2012):

Glücklich, gerockt, erledigt, sonnengebräunt und durch kommen wir gegen Mittag wieder im heimatlichen Sachsen an. Sonne? Scheint.

 

Fazit:

Positiv fällt bei aller Größe (rein gebiets- sowie besuchermäßig) sofort die vergleichsweise gute Organisation ins Auge. Ausreichend Waschplatze, stets bestmöglich entleerte und saubere Dixie-Klos, Personal, welches ein Gros des Mülls bereits während des Festivals versucht aufzusammeln (ein Kampf gegen Windmühlen, der dennoch in Ansätzen unternommen wird), im Ernstfall immer jemand mit orangener Weste in der Nähe. 30.000 freiwillige Helfer sollen sich laut Aussagen gemeldet haben. Spitze! Super außerdem die meist überaus entspannten Ordner vor und um die Bühnen herum, die die Festivalbesucher im Bedarfsfall – und der trat logischerweise sehr oft ein – immer mit einem Becher voll Wasser versorgten und mit ihren freundlichen Mienen sehr zur guten Laune (zumindest war’s bei mir so) beitrugen. Kompliment! Wäre bei deutschen Festivals wohl undenkbar, wo sich teutonisch-strenge Atzen wie die heimlichen Herrscher des Geländes aufspielen.

Auch toll war die – bei aller Feuchtfröhlichkeit – durchweg entspannte Atmosphäre unter den Festivalbesuchern. Kein Stress, nur Chillen und Musik.

Negativ waren definitiv die vielen kleinen, meist asiatischen Pfandbechersammler, die während der Konzerte in einer Tour um die Beine der Festivalbesucher herumschlichen (und das selbst im größten Gedränge!), und bei denen man fürchten müsste, dass sie einem die eigenen Testikel aus der Unterhose klauen, sollten sie eine Pfandmarke darauf entdecken…

Negativ war manchmal auch die (zu?) große Besucherzahl, welche das eine oder andere Konzert aufgrund des großen Andrangs zu einer weniger entspannten Angelegenheit machte, sowie die langen Laufwege. Da beides jedoch wohl von vornherein klar und doch sehr subjektiv empfundene Dinge sind, bleiben diese Sachen außen vor.

Erschreckend waren – vor allem gegen Ende des Festivals – die riesigen Müllberge sowie der elendige Anblick des Hauptteils der Zeltstadt. Da bezahlen doch tatsächlich einige Menschen gut 250 Euro Eintritt, um sich inmitten von Müll, Schlamm, Urin- und Kotgestank eine Woche lang komplett abzuschießen? Industrienationen und ihre Luxusprobleme…

Nichtsdestotrotz war’s toll. Vielen Dank noch einemmal an meine vier Begleiter, ohne euch hätt’s nicht einmal halb so viel Spaß gemacht!

Eine feine Woche, auch wenn ich im nächsten Jahr definitiv ein klein(er)es Festival bevorzugen werden. Tusind tak, Denmark! Tusind tak, Roskilde!

Und da bei aller Mühe, die ich mir bei den Beschreibungen gegeben habe, alle Worte ohne Bilder wenig wert sind, hier noch einige Eindrücke vom diesjährigen Roskilde:

(alle Fotos: ANEWFRIEND + R. Mehnert) 

 

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Rock and Roll.
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