„Allemagne Zero Points“ – Nicht ganz, aber fast.

Hach ja, der ESC. Da kann sich der Gesangswettbewerb formally known as „Grand Prix Eurovision de la Chanson“ noch so sehr wandeln und häuten und rundumerneuern, ein paar Dinge haben schonbar seit Jahr und Tag Bestand: Peter Urban moderiert die ganze Chose in der übertragenden ARD zwar stets etwas großväterlich, aber mit ehrlicher Pathosbefreitheit runter, die Wettbüros behalten mit ihren Prognosen nahezu immer recht – und Deutschland, Germany, l’Allemagne holt sich mit hinterletzten Plätzen beim Lied- und Gesangswettstreit der Europäischen Rundfunkunion, an welchem aus unerfindlichen Gründen seit 2015 auch der zwar ferne, jedoch scheinbar gefühlt nahe Nachbarstaat Australien teilnehmen darf, alljährlich immer neue peinliche Nackenschläge ab (freilich nur kurz vom erstaunlichen Sieg anno 2010 mit Lena Johanna Therese Meyer-Landruts Stefan-Raab-Überhit „Satellite“ sowie den rückblickend überaus respektablen 8. beziehungsweise 4. Plätzen für Künstler wie Roman Lob und Michael Schulte unterbrochen, die dann wiederum 2012 und 2018 stattfanden). Nagt’s am teutonischen Selbstverständnis, dass man für solche Niederlagen nicht mal mehr einen Fussball oder irgendwelche Wirtschaftsprognosen benötigt? Dass man über die potentiellen Gründe für die scheinbare Abneigung gegen „uns Deutsche“ ganze Bücher lang vortrefflich mutmaßen und debattieren könnte? Ach, lohnt nicht, Darling! Ein, zwei Traditionen sollten sich bewahren…

Und dieses Jahr? Triumphierte gestern eine Frau, die ein fleischfarbenes, wohl aus ihrer eigenen Lederchaiselongue zusammengeschustertes Outfit, Henna-Verzierungen und sehr, sehr lange Fingernägel trug, selbst in den Momenten der größten Spannung wie Billie Eilishs von Schlaftrunkenheit und nebulösen Stoffen achtsam sedierte ältere Schwester wirkte und sich auf der großen Bühne aus einer engen „Sonnenbank“ (Peter Urban) befreite. Loreens Lied „Tattoo“, mit viel Zielbewusstsein von ganzen sechs Autoren geschrieben, beginnt nicht gänzlich ohne Absicht mit einer fast schon Abba’schen Wendung: „I don’t wanna go / But baby, we both know/ This is not our time / It’s time to say goodbye.” – noch mit das Beste an der auf Finalsieg getrimmten Drei-Minuten-Nummer. Sei’s drum, die schwedische Musikerin ist jetzt der einzige Mensch neben Johnny Logan, der den Eurovision Song Contest zweimal gewonnen hat – erstmals 2012 mit „Euphoria“ (welches, so viel Ehrlichkeit sollte im Vergleich mit dem diesjährigen Stück nunmal sein, doch deutlich mehr Ohrwurmpotential besaß).

Und dahinter? Belegte der Finne Käärijä, rein optisch ein irrer Hybrid aus dem teutonischen Hippe-di-Hopp-Rapper Haftbefehl und CSD-Techno-Freund, mit der populistischen Gaga-Tanzroutine „Cha Cha Cha“ den zweiten Rang. Noch weiß man, dass diese ulkige Type sich zu Beginn des Bühnenvortrags mit irrem Blick und massig Elan aus einer Bretterbude befreite und, schenkt man dem vorangegangenen Vorstellungseinspieler Glauben, scheinbar recht gern in einer Riesenradkabine sauniert. Wird wohl alles schnell vergessen werden… Apropos „raus aus dem Hirn-Zwischenspeicher“: Auf dem dritten Platz landete die Israelin Noa Kirel mit „Unicorn“, deren auf ansehnliches Tanzspektakel gemünzte Inszenierung irgendwo zwischen J.Lo, Shakira und Ariana Grande zwar wahrscheinlich die überzeugendste des diesjährigen Show-Wettbewerbs war. jedoch offen ließ, was all das nun mit „Female Empowerment“, also mit weiblicher Selbstermächtigung, zu tun hatte. Andererseits: Einhörner will einem ja auch keiner näher erklären, also sei’s drum, is‘ alles nur schön anzuschauende Schau für den juxen Moment. Und: genau diese Treppchen-Platzierungen wurden von den Buchmachern eben vorher angekündigt. Gähn.

Praktisch war außerdem, dass der „Eurovision Song Contest“ ausgerechnet bei den Brexitern in good ole England stattfand, schließlich hatte sich das Augenmerk der gut behüteten Promi-und-Unterhaltunsgwelt ja erst eine Woche zuvor für die lang geplante Inthronisierung von Prinz, ähm… König Charles III. dahin gerichtet. Kaum waren also die Krönungsfeierlichkeiten in London abgeschlossen, verlagerte das öffentliche Interesse einfach den Schauplatz etwas weiter nördlich: Der ESC wurde von der BBC in Liverpool stellvertretend für die im Vorjahr – wohl auch mit einem guten Überpfund Solidarität – erfolgreiche Ukraine ausgerichtet, da solch ein Wettbewerb in einem im Krieg befindlichen Gebiet wohl keine allzu gute Idee abgegeben hätte. Daher erfuhr der geneigte Zuschauer eine Woche lang, dass Liverpool die Geburtsstadt der Beatles ist (ach nee!) und dass die Bürger von Liverpool keine Engländer, sondern „Liverpudlians“ und „Scousers“ sind – und stolz darauf (ach so!). Außerdem sind sie herzlich (ach ja?). Und hierzulande wurde die Stadt am River Mersey nur in einem Satz erwähnt, wenn dieser daraufhin auch „Jürgen Klopp“, neben Ratebespaßler Günther Jauch aktuell Deutschlands sympathischstes Werbemaskottchen Nummer eins, enthielt.

Aber ich schwof einmal mehr ab… Camilla und Charles eröffneten also die prall mit Fahnen wedelndem Publikum gefüllte Arena bei den Royal Albert Docks, und am Anfang der Fernsehübertragung spielten unter anderem Herzogin Kate und Andrew Lloyd Webber auf dem Piano einige Kadenzen von „Stefania“, dem ukrainischen Gewinnersong des letzten Jahres, bevor das experimentell gekleidete Kalush Orchestra das Lied auch noch einmal in der Halle aufführte. Und jetzt haben wir genug von der Flöte – und zwar auch von selbiger, die der kleinwüchsige Mann zwischen Trommlern und Amazonen für Moldau blies! (Ein „Skandal“ ist übrigens nur das, worüber man, bei allem Irrsinn dieser Tage, nicht selbst mit einem Auge zwinkern kann…)

So kommentierte sich Peter Urban in seiner letzten ESC-Sendung vier Stunden lang tapfer durch die Postkartenansichten von Rathäusern, Brücken und Bibliotheken von Großbritannien, den jeweiligen 26 Finalbetragsländern und der Ukraine. Die Toiletten, hatte Urban vorher angemerkt, lagen dicht an der Sprecherkabine. Pickepackene 240 Minuten, 14.400 Sekunden dauerte die Show, die durch das Abfragen der sogenannten Jury-Stimmen aus jedem Land traditionell einmal mehr gen Ende etwas in die Länge gezogen wurde (obwohl die Verantwortlichen hier mittlerweile gewinnbringend gekürzt haben). Wenig überraschend einigten sich diese „Experten-Jurys“ mit überwältigender Mehrheit auf Schwedens Loreen – und dieses Votum wurde, ebenso wenig überraschend, auch von der öffentlichen Meinung, den Publikumsstimmen, der Vox Populi, nicht wirklich gewendet. Hinter Loreen und Finnlands technoider Antwort auf Haftbefehl, Käärijä: ein großer Abstand zum israelischen Pop-Sternchen Noa Kirel und dem Italiener Marco Mengoni mit „Due Vite“, nebst dem hübsch anzuhörenden Schweizer Betrag einem der wenigen traditionellen Lieder im Wettbewerb.

Apropos „Zum ESC bestellen wir uns ’ne Pizza!“: Italien ist das einzige Land der „Big Five“, also der immer schon qualifizierten europäischen Staaten, das schlußendlich auf dem Tableau reüssierte. Frankreich und Spanien, Großbritannien und Deutschland scheiterten mal mehr, mal minder spektakulär mit – wie soll man’s schreiben? – gewollten Beiträgen, die am Ende nahezu keiner wollte. Chris Harms, der Sänger von Lord Of The Lost, liest immer die letzte Seite eines Buches zuerst. Daher hätte auch er gern vorher gewusst, wie der Wettbewerb schlussendlich ausgeht. Mit dem letzten Rang für selbige Lord Of The Lost nämlich. Die Dark-Rock-Band aus Hamburg-St. Pauli wirkte wie aus Versehen in die große Arena geraten. Harms rief „Liverpool, make some noise!“ in eine Halle, in der seit zwei Stunden nur ausgelassener Lärm herrschte. Am Ende waren „Blood & Glitter„, rote Lack’n’Leder-Outfits (die vor allem den Frontmann wie eine neu entdeckte Moskito-Abart aussehen ließen), Feuershow, an der stählernen Rammstein-Fibel geschulte Rrrrrrock-Rifferei und Screamo-Einlagen mickrige 18 Pünktchen wert – da kann die fünfköpfige Truppe wohl, bei aller Mittelmäßigkeit ihres Songs, am wenigsten für. (Noch lustiger war übrigens der Fakt, dass zwei der insgesamt drei Jury-Punkte ausgerechnet aus dem verschrobenen Island kamen und der Präsentator der Punkte seine astreine S&M-Vermummung nicht ablegte. Ach, Island…) Vielleicht war die Reimbarkeit des Titels auf „Glatt und bitter“ zu sehr böses Omen? So nämlich kommentierten Olli Schulz und Jan Böhmermann, ja nicht erst seit gestern beste „Fest & Flauschig“-Podcast-Buddies, das Stück ahnend für den österreichischen ORF. Vielleicht hätte der NDR, anstatt Lord Of The Lost (die den Vorentscheid knapp vor Ikke Hüftgold gewannen und Liverpool somit nur hauchdünn vor einer Überdosis Ballermann-Verblödung bewahrten), wohl eher Böhmermann und seinen tatsächlich verdammt guten, einmal mehr ebenso toll musikalisch ausstaffierten wie mit einem Augenzwinkern garnierten Songbetrag „Allemagne Zero Points„, der mit seiner Veröffentlichung vor ein paar Tagen freilich bewusst zu spät kam, gen England schicken sollen? Nun, verehrte bundesdeutsche Auswahljury: der „blasse dünne Junge“ wäre doch ’ne Idee fürs kommende ESC-Jahr! Schlimmer kann’s nun eh kaum noch kommen… Und nehmt Barbara Schöneberger bitte, bitte endlich den Schlüssel zu ihrem Kinderkirmes-Ankleidezimmer weg! Und bitte, bitte, bitte haltet es nie, nie, nie wieder für eine gute Idee, Elton die Jury-Punkte präsentieren zu lassen, schließlich mag nun mindestens halb TV-Europa denken, dass der ehemalige Raab-Sidekick der schönste und witzigste Mann aus Teutonien sei. Wie wär’s denn mit Ingo Zamperoni? Oder meinetwegen eben Günther Jauch oder Jürgen Klopp?

Natürlich, erst hinterher ist man wirklich schlauer, und auch die diesjährigen geprügelten Hunde von Lord Of The Lost wissen, zumal als Söhne Hamburgs, nun: Du kannst vieles planen, aber der wandlungsfähige Eurovision Song Contest ist in manchem Moment wie die hohe See.

Und wo, kurz vor Ende dieses von Zeitgeist geprägten Artikels erneut der Name der Hansestadt fiel, hier noch etwas Wissensvermittlung: Mit insgesamt 2.500 Brücken ist Hamburg Europas Stadt mit den meisten Brücken und stellt Venedig, welches über lediglich rund 400 Brücken verfügt und damit in dem Ranking nur den fünften Platz belegt, klar in den Schatten. Wusste man? Oha, Chapeau! Und bei aller Nähe zum Wasser sei mir da noch ein letzter Brückenschlag gestattet, denn nun geht – ohne eine Träne, dafür mit amtlicher Würde – der deutsche Kommentatoren-Bootsmann, der jede Ausgabe des ESC seit 1997 mit seiner bestens bekannten Stimme sowie mit dem ein oder anderen zutiefst ehrlichen Einwurf begleitete, von Bord – und das sei ihm, auch schon stolze 75 Lenze alt, freilich gleichsam gestattet wie gegönnt. Passenderweise verabschiedete sich der noble Peter Urban daher gestern ohne Umschweife: „Es war mir ein Vergnügen und eine Ehre. Ihr Peter Urban.“ Wegen zweier Dinge wird er ab dem kommenden ESC-Jahr vor allem fehlen: Peter Urban war niemals borniert. Und er war (beinahe) niemals pathetisch. Im Zweifel waren das die bemerkenswertesten deutschen Leistungen beim wohlmöglich pathetischsten Fest der Welt (nach der Krönung).

  

  

Rock and Roll.

Song des Tages: Hong Faux – „Trains“

Foto: Promo / Jeremy Saffer

Ihre Freiheiten erkämpften sich Hong Faux über viele Jahre gegen die Kräfte des Marktes, der zwar auf Zahlen und Massentauglichkeit achtet, jedoch selten genug auf den Ideenreichtum von Bands und Künstler*innen. Und ebendas ist manches Mal ein fataler Fehler, denn hört man dem dritten Album „Desolation Years“ genau(er) zu, eröffnet sich allen interessierten Gehörgängen ein weitreichendes und dynamisches Songwriting, dem man mit Eingrenzungen nun wirklich keinen Gefallen tut.

An ihrer speziellen Mixtur aus Alternative und Stoner Rock, unüberhörbarem Grunge-Touch und poppigem Melodiegespür hat das Quartett aus dem schwedischen Stockholm zwar auch acht Jahre nach ihrem zweiten Langspieler „A Message From Dystopia“ recht wenig verändert, klingt jedoch dennoch einmal mehr verdammt frisch und individuell. Mit elf Songs in unter 42 Minuten Spielzeit kommen die Nummern von „Desolation Years“ zum Großteil kurz und knackig auf den Punkt, wie etwa der Opener „Wake Me Up For Exit“, der Stadionrocker „Fornever“ oder das gleichsam simple wie höllisch effektive „New Vegas“ unter Beweis stellen.

Für Abwechslung sorgen das knarzig-schleppende „Trains“, das melancholische „Zero Point“, das mit seinen harten Stoner- und Heavy-Metal-Passagen vergleichsweise brachiale „Disco Necropolis“ sowie leicht vertrackte Nummern wie der Titelsong oder „Parasite“. „Whitman, Price & Hadd“ und „Starkiller“ (man beachte den feinen Beatle’esken Einschub!) schielen vielleicht etwas zu sehr in Richtung der deutlichen, in den Neunzigern und Nullerjahren verwurzelten Vorbilder wie die frühen Foo Fighters, Audioslave oder Queens Of The Stone Age, machen aber dennoch Laune und entpuppen sich – so man sie denn lässt – als waschechte Ohrwürmer. Das gilt denn auch für den einerseits verdammt poppigen, andererseits sentimental-herzergreifenden Rockballaden-Abschluss „The Flood“.

An so mancher Stelle des dritten Albums beschleichen all jene, die in der benannten Zeit selbst jung waren, sanfte Retro-Gefühle der Ungnade später Geburt, denn wären Hong Faux zwanzig Jahre früher auf den Plan getreten, würden sie heute vermutlich zu den größten Bands ihres Landes – und eventuell der internationalen Alternative-Rock-Szene – zählen. 

Dennoch: Von diesen herrlich staubtrockenen Songs mit fuzzy Gitarren (Björn Billgren), rumpelndem Bass (Johan Bergqvist) und knackigem Schlagzeugspiel (Jonathan Hummelman), die Niklas Serén mit dezent Neo-Grunge’eskem Gesang garniert, dürfen sich alle Interessierten gern die Gehörgänge durchpusten lassen… Scandinavia rocks! 🤘

Rock and Roll.

Sunday Listen: Bedroom Eyes – „Sisyphus Rock“

Bedroom Eyes nennt sich das Projekt von Jonas Jonsson aus der kleinen schwedischen Stadt Föllinge. Einst als Solo-Outlet von Jonsson (Gesang, Songwriting) gestartet, hat sich die schwedische Kombo mittlerweile zum Quintett gemausert, zu welchem noch Markus Eriksson (Gitarren, Keyboards), Kim Fastesson (Gitarren), Mattias Andersson (Bass) und Emil Fritzson-Lindquist (Schlagzeug) gehören. Newcomer im klassischen Sinne sind Bedroom Eyes jedoch keineswegs, denn schon mit dem 2010er Debüt „The Long Wait Champion“ und seiner Mischung aus viel Humor, Romantik und fein abgestufter Instrumentierung konnte man Ibrahimović’esk den ein oder anderen Punktgewinn einfahren. Auch das zweite Album „Greetings From Northern Sweden“ lässt sich, wenn auch nicht als Millionenseller, durchaus als Erfolg verbuchen – und das, obwohl die 2017 veröffentlichte Platte, welche manches Hörer*innen-Ohr an die Decemberists denken ließ, von den eher trostlosesten Orten Nordschwedens inspiriert wurde. Verwunderlich? Nope. In der Einöde liegt ja oft auch eine gewisse Romantik, die sehr inspirierend sein kann. Und ohne noch ein weiteres Klischee bedienen zu wollen: Schwedische Melodien haben im besten Fall ohnehin eine ganz besondere Note, parken den geräumigen Volvo stets gekonnt irgendwo zwischen Sentimentalität und Fröhlichkeit – man denke nur an Bands wie Tiger Lou, die Shout Out Louds oder eben ABBA.

Apropos „Einöde“: In selbiger – genauer: in einem recht rustikalen Studio in den Wäldern von Rissna, Jämtland – entstand auch der dieser Tage erschienene dritte Langspieler „Sisyphus Rock“ – und deutet bereits im Titel an, dass dieses Mal der Indie Pop – zumindest in Teilen – dem Indie Rock weichen durfte…

Mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Achtziger-Komödien, klassischer Literatur und düsterem Neunziger-Punk gehen die acht neuen, vornehmlich live eingespielten Songs in eine lautere und rauere Richtung als seine Vorgänger, welche vom „Spiegel“ noch als recht fluffige „Begegnung von Belle and Sebastian und Jens Lekman“ beschrieben wurden (während das „Vice Magazine“ hingegen Jonas Jonsson schlicht als „a beautiful artist“ bezeichnete). Dennoch will sich Jonsson auch hier nie so ganz festlegen, lässt innere Krisen auf kulturelle Referenzen treffen, stellt emotionale Selbstoffenbarungen neben Seinfeld’eske Popkultur-Zitate. Wer da nicht den Überblick verliert, der könnte schnell meinen, Teil seiner inneren Welt zu sein.

Überhaupt: die Texte. Jene geraten nicht selten ähnlich eigenbrötlerisch wie die von Paul Westerberg, einem von Jonssons erklärten Idolen, dem er auf „Sisyphus Rock“ zudem – wenn auch nur als Wortspiel – einen Songtitel widmet. Wer jedoch nun auch einen klanglichen Verweis vermutet, der wird schnell enttäuscht sein, denn obwohl die neue Platte durchaus gitarrenzentriert ausfällt, hat sie eher wenig mit der meist rauen Unmittelbarkeit des Sounds der Replacements zu tun. Und so dunkel Jonsson seine Angstzustände etwa in „The Dark Between The Stars“ auch ausmalt, verfügen seine Songs durch die seichte Distortion der Indie Rock-Riffs und Jangle Pop-Einlagen doch über eine dazu konträre Leichtigkeit, zu welcher auch Jonas Jonssons leicht zuckrig tönende Stimme beiträgt, die an nicht wenigen Stellen der von Ben Gibbard (Death Cab For Cutie, The Postal Service) ähnelt. Easy Listening also? Könnte man so sehen – und bei so viel Wohlklang vorschnell überhören, wie Jonsson inhaltlich mit Camus und Beckett über die Natur des Menschen philosophiert: „Make the best of what you’ve got / We are here until we’re not“, wie er es im zweiten Song „Sisyfuzz“ recht pragmatisch zusammenfasst. Dass es in den Strophen mitunter treibend indierockig, mitunter gar dezent post-punkig zugeht, steht bei diesem einerseits bunten, andererseits auch irgendwie sphärisch-poppigen, geradlinigen Treiben keineswegs im Widerspruch.

In manchen Momenten tönen die fünf Schweden sogar etwas märchenhaft: “The Dark Between The Stars” reichern sie plötzlich ganz anders an, drehen den Song nahezu komplett, um ihn am Ende wieder konventionell einzuordnen. Starr ist hier nichts, die Dynamik von “Sisyphus Rock” ist auf internationalem IKEA-Parkett entworfen, obwohl Jonsson und Co. ganz behutsam komponieren. Mit dem bereits erwähnten “Paul Westerberg” verschenken Bedroom Eyes dann keine Sekunde, stehen unangemeldet mit einem poppigen Song im Türrahmen und werfen mit Ohrwurmpassagen um sich, die im gut sortieren Radio sofort zünden würden, ohne irgendwie unangenehm aufzufallen. Anderswo, in „Kim“, ist die Rhythmusfraktion um Schlagzeuger Emil Fritzson-Lindquist und Bassist Mattias Andersson eindeutig als treibende Kraft spürbar, aber trotz allem stets angenehm den Rest stützend und nicht aufdringlich. Etwas aus dem Rahmen fällt “Store blå” (großes Blau): der Song wurde in Jämska gesungen, einem nur selten gesprochenen Dialekt in Nordschweden, der dem Norwegischen recht nahe steht. Und im finalen “Here Comes Godot” wird’s noch einmal philosophisch, während Jonsson den inneren Motivationstrainer anwirft, schließlich bezieht sich der Song auf das aussichtslose Warten und den damit verbundenen Stillstand. Also lieber nicht warten, selbst machen!

Der neue Bedroom Eyes’sche Wurf “Sisyphus Rock” drängt sich zwar keineswegs auf, empfiehlt sich dafür jedoch umso mehr für kommende Roadtrips, für laue Sommernächte – und, anders als die Vorgänger, weniger fürs unproduktive Fläzen im Bett. Trotz der etwas eindimensionalen Produktion ist dem Schweden-Fünfer ein schönes, angenehm zeitlos indierockendes Powerpop-Album gelungen, das eher mit einem positiven Grundrauschen arbeitet und wenig auf Knalleffekte oder Hit-Momente setzt. Da wundert es kaum, dass die Band auch außerhalb ihrer Heimat bereits prominente Fans hat – den auch selbst ab und an musizierenden Comedian Fred Armisen („Portlandia“, „Saturday Night Live“) etwa, der das Album als einer der ersten außerhalb des inneren Kreises hören durfte und mit den Worten „Großartiger Sound, großartige Energie und wunderbare Songs“ beschrieb. Där lyssna!

Rock and Roll.

Das Album der Woche

Lars Bygdén – One Last Time For Love (2022)

-erschienen bei Massproduktion/Cargo-

Der Schwede Lars Bygdén steckte mitten im Entstehungsprozess eines Albums, als sich der Gesundheitszustand seiner Ehefrau verschlechterte. Die Diagnose: Krebs. Die Aussichten: finster. Während sie gemeinsam die Situation irgendwie zu meistern versuchten, ging es mühevoll weiter mit „Dark Companion„, das zum Zeitpunkt der Veröffentlichung im Jahr 2018 schließlich eine unwiderrufliche Botschaft musikalisch verarbeitete: Seine Frau war tot, verstorben am 11. November 2017. Bygdén und die Kinder mussten fortan alleine, ohne die Ehefrau und Mutter, durchs Leben gehen. Über drei schwierige Jahre später legt der Singer/Songwriter nach: „One Last Time For Love“ gerät zum Rückblick, zur in wunderschöne Folk-Noir-Songs gekleideten Trauerbewältigung und zum zaghaften Ertasten neuer Wege – und das auf nicht selten schmerzhaft-schöne Weise.

Bygdén, 1973 in Sundsvall geboren, mag zwar hierzulande etwas weniger bekannt sein als Landmänner wie Kristofer Åström oder Christian Kjellvander, gilt in seiner schwedischen Heimat jedoch als einer der Vorreiter des Alternative Country. Mit seiner Mitte der Neunzigerjahre gegründeten Band The Thousand Dollar Playboys und zwei veröffentlichten Alben sorgte Lars Bygdén für einen Aufschwung dieses Genres im Land der Tre Kronor. Nach deren Ende wagte der Musiker den Alleingang und veröffentlichte 2005 mit „Trading Songs For Happiness“ sein Solo-Debüt, das mit dem Song „This Road“ nicht nur ein feines Duett mit der norwegischen Folk-Sirene And Brun enthielt, sondern auch mit dem Manifest Award für das „beste Singer/Songwriter-Album“ sowie mit Platin ausgezeichnet wurde.

Drei Jahre nach dem bislang letzten Album „Dark Companion“ öffnet der musizierende Witwer und Familienvater nun erneut den Vorhang zu seinem Seelenleben. Der Opener „A Bird And A Star“ beginnt als Gospel-Abschieds-Klage-Chor und geht in einer zarten und berührenden Indie-Folk-Noir-Ballade auf. Piano, Streicher, dezente Bandbegleitung – wer recht nah am Wasser gebaut ist, läuft hier bereits Gefahr, viele Tränen zu vergießen. Und sollte sich noch einige für den Rest des Albums aufheben. Zwar deuten Zeilen wie „There’s a light at the end of the corridor“ zaghaft Hoffnung an, doch ist die Lücke, die sich vor ihm auftut, noch immer übergroß. Auch in „Born Again“ rückt sein persönliches Empfinden der Situation in den Mittelpunkt: „My life never ends / I am born, born again“. Eine kraftvolle Feststellung, die in höchster Intensität vorgetragen wird. In „Forward“ blickt er sehnsuchtsvoll zum Himmel hinauf. „The sky is all clear / Wait for me there“, singt er da, „You are the moon / Oh, look at that moon“, um zu erkennen: „We are all alone again“. Kaum hat man sich jedoch auf die besinnliche Tonlage eingelassen, reißt das Zwischenstück „Back“ alles ruppig ein. Und Bygdén bespielt nun eine vielfältige Klaviatur seines Könnens. Fast beschwingt kommt das herausragende „Into The Light“ daher. „When it’s all over / And the future has begun / Our lives go on so quietly / In the shadow of the moon“ – diese Zeilen hinterlassen bei allem musikalischen Schwung aber auch einen mächtigen Kloß im Hals, der eine ganz ähnliche Tiefenwirkung entfalten mag wie jener, dem ein Nick Cave allen geneigten Hörern mit mächtig ins Gemütskontor schlagenden Alben wie „Skeleton Tree“ oder „Ghosteen“ (die beide den tragischen Unfalltod seines Sohnes verhandelten) vor nicht allzu langer Zeit verpasste.

„Das Album macht da weiter, wo mein vorheriges Werk ‚Dark Companion‘ endete: nach der Beerdigung meiner Frau. Wenn Verwandte und Freunde endlich wieder in ihr normales Leben zurückgekehrt sind, nachdem sie ihre Kräfte auf mich und die Trauer meiner Kinder konzentriert hatten. Wenn man alleine auf dem Sofa sitzt und versucht zu verstehen, was passiert ist. In den Songs geht es um Trauer und unendlichen Verlust, aber auch um die Befreiung, die der Tod bedeuten kann, sowohl für den Erkrankten als auch für die Hinterbliebenen. Es geht darum, dass wir die Dunkelheit brauchen, um das Licht sehen zu können und umgekehrt. Für mich geht es auch um die apokalyptischen Zeiten, in denen wir leben, und um den letzten Krieg, der kommen wird oder vielleicht schon da ist.“ (Lars Bygdén)

Immer wieder sind in den Texten Spuren der Erinnerung, Momente der Trauer, Einblicke in Bygdéns Seelenlage zu finden. „One Last Time For Love“, das Titelstück, unterstreicht seine Ratlosigkeit über das Schicksal, das ihm das Erlebte so unbarmherzig-kalt vor die Füße geworfen hat: „Maybe the beauty / Lies in the pain / Just keep moving / There is no plan“. Und dann sind da ja noch die Kinder, denen er in „Under The Bean Tree“ eine musikalische Brücke zur Mutter baut. „Your little son is the sweetest one / He looks just like you“ und „Your little girl, the kindest in the world / Through her your heart remains“: So betrachtet er durch die Augen des liebenden Vaters seinen Nachwuchs in einem wunderbaren Song, stilvoll von Emma Ahlberg-Ek auf der Violine begleitet. „Fall Into The Night“ liefert dann kurz vor Schluss noch einmal intensive Gänsehautmomente. Und wer wissen möchte, wie man sanfte Grandezza perfekt inszeniert, sollte sich „Amnezia“ zu Gemüte führen, den Abschluss eines sowohl im Coverbild als auch in den darin steckenden Tönen wahrlich somnambulen Albums, welches alle Zeit und Konzentration der Welt verdient hat.

Mit „One Last Time For Love“ hat Lars Bygdén seiner verstorbenen Ehefrau Ulrika ein weiteres musikalisches Denkmal gesetzt, welches dem düsteren Vorgänger dieses Mal etwas mehr vorsichtigen Optimismus sowie Glanz und Wärme entgegen stellt. Er hat all seinen Schmerz, all seine Trauer, all seine Emotionen in neun zu Herzen gehende Stücke von erhabener Schönheit gegossen und die Zuhörerschaft mit einem ungemein intensiven Album beschenkt, das nicht nur in der Tradition eines Nick Cave, sondern auch in der von Scandinavian Cowboys wie Christian Kjellvander (dem er auch stimmlich recht nahe steht), Kristofer Åström, Kristian Harting, Jonas Carping oder Madrugada steht. Ein wahrhaft großer Sänger und noch größerer Songschreiber, der uns auf ganz besondere Weise an seinem Schicksal teilhaben lässt und dabei doch immer wieder Spuren der Hoffnung auslegt, denen zu folgen ihm gewiss alles andere als leicht fällt. Wünschen wir ihm und seinen Kindern also alle denkbare Kraft, um das Leben auch weiterhin zu meistern – und uns noch möglichst viel Musik wie diese aus seiner Feder.

Rock and Roll.

Klassiker des Tages: Caesars – „Jerk It Out“

Wer um die Jahrtausendwende jung und wild und frei war und – ganz egal, ob in der Groß- oder Kleinstadt – mal hier, mal da die ein oder andere Indie-Dissen-Tanzwelle geritten hat, der kam an so manchem Gitarrenakkord gewordenen Beinzucker kaum vorbei. „Bohemien Like You“ von den Dandy Warhols etwa. „Mr. Brightside“ von den Killers, natürlich. „Last Nite“ von den Strokes, selbstverständlich. „Are You Gonna Be My Girl“ von Jet, klar. Die „Seven Nation Army“ marschierte, während man dem schönen, scheuen Mädchen auf der anderen Seite des Raums zuflüstern wollte: „I Bet You Look Good On The Dancefloor„. Kinners, das waren Zeiten… Und ein wenig schälen sie sich zurück ins Halbdunkel der eigenen Erinnerung – jedes Mal, wenn heute das in diesen Jahren recht unvermeidliche „Jerk It Out“ so selbstsicher wie anno dazumal seine Ohrwurm-Qualitäten ausspielt…

Im Zuge des damaligen Garagenrock-Hypes um die Nullerjahre herum, der mit den Hives, Mando Diao oder der (International) Noise Conspiracy nicht eben unwesentlich schwedisch geprägt wurde, war es eigentlich kaum zu glauben, dass eine Band wie die Caesars bereits seit 1998 dort, in der Heimat von Wasa-Knäckebrot, Pippi Langstrumpf, Abba und Zlatan Ibrahimovic, unter Ausschluss der internationalen Öffentlichkeit Platten veröffentlichte.

Und die Bandgeschichte des Quartetts aus Stockholm begann irgendwie sogar noch viel, viel früher, schließlich kannte Bandgründer César Vidal seinen Gitarristen Joakim „Jocke“ Åhlund, seit er zwei Jahre alt war. 1995 beschließen die beiden Sandkastenfreunde, eine Band zu gründen und benennen sich nach dem berühmten Groß-Casino in Las Vegas, Caesars Palace (obwohl man die ersten musikalischen Gehversuche noch als Twelve Caesars unternimmt). Beeinflusst vom britischen Rock der Sixties, von den Rolling Stones über die Kinks bis David Bowie, beginnen die beiden, zwei andere Bandmitglieder zu rekrutieren: am Bass wird David Lindquist eingestellt, fürs Schlagzeug zunächst Jens Örjenheim, ab 2000 dann Nino Keller.

Über das Indie-Label Dolores Recordings veröffentlichen Caesars Palace noch im selben Jahr ihre erste 3-Track-EP, wenige Monate später folgt ein Mini-Album, dessen Songs mit dem dreckigen Sixties-Garagen-Rock der späteren Werke damals jedoch noch recht wenig zu tun hatten. Doch während der Aufnahmen zum ersten, 1998 erscheinenden Album „Youth Is Wasted On The Young“ kauft sich Gitarrist Jocke Åhlund eine alte Farfisa-Orgel, die den Bandsound ebenso hörbar wie nachhaltig verändert. Caesars Palace beginnen daraufhin an ihren einprägsamen Orgel-Hooklines zu arbeiten (welche wiederum Dennis Lyxzén und seine International Noise Conspiracy ins Gedächtnis rufen) und sorgen bereits mit dem ersten Album für so einige Begeisterungsstürme in ihrem Heimatland.

2000 veröffentlicht die Band den Langspieler „Cherry Kicks“, zwei Jahre darauf folgt „Love For The Streets“. Am Sound verändert sich auf diesen nicht viel – jede Menge jugendlicher Rumpelkammer-Schmackes, gute alte Fuzz-Gitarren und eine munter drauflos schlackernde Farfisa-Orgel. Neu mag hier nichts sein, aber es kracht. Es donnert. Und es rockt. Sturm und Drang für das 21. Jahrhundert. Selbst wenn Caesars Palace darauf pochen, angeblich auch vom Reggae inspiriert worden zu sein, blitzt dieser Einfluss (glücklicherweise) kaum durch. Warum sollte er auch, wenn beide Alben in Schweden vergoldet werden und ihr powerpoppender Indie Rock immer größere Hallen füllt? Trotzdem geht’s wohl noch nicht gänzlich ohne Zubrot. Jocke Åhlund etwa verdient sich selbiges in dieser Zeit als Video-Clip-Regisseur. So gehen zum Beispiel „New Noise“ von Refused und „Reproduction Of Death“ der (International) Noise Conspiracy auf seine K(l)appe.

Als das kleine Label Dolores Recordings, auf dem Caesars Palace bisher ihren kompletten Output vertreiben, vom Major-Riesen Virgin geschluckt wird, entpuppt sich das alsbald als Glücksgriff für das Vierergespann. Zuerst geht ihr Material noch, wie von so ziemlich vielen, im Veröffentlichungswust des Majorlabels unter und ihr Name ist bei Virgin keinem ein Begriff. Als die Band dann aber einen findigen Manager engagiert und dieser im Virgin-Büro die Caesars-Platten vorspielt, ist man dort schnell hellauf begeistert von den Schweden – und muss darüber hinaus etwas peinlich berührt hören, dass sich diese Band mit einigem an Potential bereits in ihrem Rooster befindet.

Also schickt das Label – freilich unter tatkräftiger Unterstützung des gerade wütenden Gragenrock-Retro-Wahns – Caesars Palace mit The Soundtrack of Our Lives über den großen Teich und auf US-Tournee. Und auch dort können sich César Vidal und Co. gut behaupten, was Virgin wiederum dazu veranlasst, im Jahr 2003 weltweit „39 Minutes Of Bliss (In An Otherwise Meaningless World)„, eine Art Best Of aus ihren ersten drei Alben, zu veröffentlichen (welche übrigens just heute ihren runden 18. Geburtstag feiert). Darauf zu hören: Rock’n’Roll aus fünf Jahrzehnten, kurz aufgekocht und mit geradezu ansteckender Spielfreude lässig auf CD gerotzt. Da die Platte dieses Mal auch in den US of A erscheint, bewegt ihr Plattenlabel die vier Schweden jedoch dazu, vorher ihren Namen kürzen, um einem möglichen Rechtsstreit mit dem Casino-Konzern in der Glücksspielstadt aus dem Weg zu gehen. Fortan kennt man die Band nur noch als Caesars.

Doch auch unter (beinahe) neuer Flagge geht der Siegeszug der Skandinavier auch danach recht munter weiter. Bands wie Placebo outen sich als begeisterte Fans und nehmen sie als Support mit auf ihre Deutschland-Tournee. Das dürfte wohl nicht nur, aber vor allem an einem bestimmten Song liegen: der erstmals 2002 erschienenen Single „Jerk It Out“. Diese schummelt sich nach ihrer erneuten Veröffentlichung in die Rotationen vieler internationaler Radiostationen, verschafft der Band einen Top-10-Hit in Großbritannien sowie den Einstieg in die US-Billboard-Charts und wird wenig später in zig Werbespots, Filmen und TV-Serien verwendet. Mehr noch: Der fluffig-flotte Dreiminüter, dessen Text mutmaßlich eine recht juvenile Laisser-faire-Attitüde aus Lecko-mio, Loslassen, Amphetaminen und Selbstbefriedigung beschreibt, wird zum ohrwurmenen Trademark der Caesars – und wohl auch deshalb ein weiteres Mal auf die 2005 folgende Platte „Paper Tigers“ drauf gepackt.

Und obwohl diese, ebenso wenig übrigens wie der 2008er Nachfolger „Strawberry Weed„, mit einer Top-20-Platzierung in der schwedischen Heimat und einer Top-50-Landung im UK der Band, nicht die ganz großen Erfolge einbringt, hatten die Caesars einfach zu viele Qualitäten, zu viele kleine, versteckte Mini-Hits in petto, um im Rückblick als garagenrockende Eintagsfliege zu gelten. Trotzdem ist es schade, dass das Quartett alsbald wieder in der Versenkung des musikalischen Niemandslands verschwindet – abgesehen von ein, zwei einmaligen Comeback-Shows 2017 sowie 2018 beim Stockholmer „Popaganda Festival“ liegen die Caesars seit über einer Dekade auf Eis. Und kann sich’s wohl auch leisten, wenn ihnen dieser eine Song dank zig Werbeeinnahmen ein klein wenig die gelb-blauen Hintern saniert hat…

„Wind me up, put me down
Start me off and watch me go
I’ll be runnin‘ circles around you sooner than you know
A little off center and I’m out of tune

Just kickin‘ this can along the avenue, but I’m alright
Cause it’s easy once you know how it’s done
You can’t stop now, it’s already begun

You feel it runnin‘ through your bones
And you jerk it out, and you jerk it out
Shut up, hush your mouth
Can’t you hear you talk too loud?

No can’t hear nothin‘ ‚cause I got my head up in the clouds
I bite off anything that I can chew
I’m chasing cars up and down the avenue, but that’s ok

Cause it’s easy once you know how it’s done
You can’t stop now, it’s already begun
You feel it runnin‘ through your bones

And you jerk it out

Cause it’s easy once you know how it’s done
You can’t stop now, it’s already begun
You feel it runnin‘ through your bones
And you jerk it out, and you jerk it out
And you jerk it out, and you jerk it out
Oh baby don’t you know you really gotta jerk it out
When you jerk it out
Oh baby don’t you know you really gotta jerk it out
When you jerk it out
Oh baby don’t you know you really gotta jerk it out“

Rock and Roll.

Song des Tages #2: José González – „El Invento“

Foto: Promo / Hannele Fernström

¡Qué sorpresa! Der schwedische Singer/Songwriter José González meldet sich nach sechs Jahren mit der neuen Single „El Invento“ zurück. Und damit nicht genug, denn der Song ist obendrein sein erster auf Spanisch, der Muttersprache seiner argentinischen Eltern. Das bislang letzte Album des 42-jährigen Musikers mit der grandiosen, so unverkennbar samtigen Stimme, „Vestiges & Claws“, war im Februar 2015 erschienen. Bekannt geworden war González, von dem hier auf ANEWFRIEND bereits die Schreibe war, etwa mit einer eigenen Interpretation des The-Knife-Klassikers „Heartbeats“. In der Zwischenzeit kümmerte sich der Schwede etwas mehr ums Private und suchte nach neuen Anreizen in anderen musikalischen Gefilden. So war er unter anderem auf DJ Kozes 2018er Album „Knock Knock“ zu hören.

Beim Schreiben neuer Songs hatte der Indie-Folk-Musiker Hilfe, sagt er. So habe seine kleine Tochter ihren Teil zum kreativen Prozess beigetragen. „Ab und zu versuche ich, Texte auf Spanisch zu schreiben – dieses Mal ist es mir das erste Mal überhaupt gelungen! Ich denke, es hat geholfen, jeden Tag mit Laura Spanisch zu sprechen.“ Der kreative Prozess habe außerdem in etwa zeitgleich mit der Geburt seiner Tochter begonnen. Thematisch dreht es sich bei „El Invento“ also nicht ohne Grund um existenzielle Fragen. „Der Song handelt von Fragen: wer sind wir, wohin gehen wir und warum? Wem können wir für unsere Existenz danken?“, so González. „Historisch gesehen sind die meisten traditionellen Antworten auf diese Fragen frei erfunden. Daher auch der Name des Liedes: ‚El Invento‘ (Gott).“

Inzwischen ist José González zu City Slang gewechselt, jenem Berliner Indie-Label, auf dem bereits seine Band Junip ihre Platten veröffentlichte. Vielleicht ja ein kleiner Wink, dass in nicht allzu ferner Zukunft endlich ein neues Album ansteht…

Rock and Roll.