Schlagwort-Archive: Powerpop

Sunday Listen: Bedroom Eyes – „Sisyphus Rock“


Bedroom Eyes nennt sich das Projekt von Jonas Jonsson aus der kleinen schwedischen Stadt Föllinge. Einst als Solo-Outlet von Jonsson (Gesang, Songwriting) gestartet, hat sich die schwedische Kombo mittlerweile zum Quintett gemausert, zu welchem noch Markus Eriksson (Gitarren, Keyboards), Kim Fastesson (Gitarren), Mattias Andersson (Bass) und Emil Fritzson-Lindquist (Schlagzeug) gehören. Newcomer im klassischen Sinne sind Bedroom Eyes jedoch keineswegs, denn schon mit dem 2010er Debüt „The Long Wait Champion“ und seiner Mischung aus viel Humor, Romantik und fein abgestufter Instrumentierung konnte man Ibrahimović’esk den ein oder anderen Punktgewinn einfahren. Auch das zweite Album „Greetings From Northern Sweden“ lässt sich, wenn auch nicht als Millionenseller, durchaus als Erfolg verbuchen – und das, obwohl die 2017 veröffentlichte Platte, welche manches Hörer*innen-Ohr an die Decemberists denken ließ, von den eher trostlosesten Orten Nordschwedens inspiriert wurde. Verwunderlich? Nope. In der Einöde liegt ja oft auch eine gewisse Romantik, die sehr inspirierend sein kann. Und ohne noch ein weiteres Klischee bedienen zu wollen: Schwedische Melodien haben im besten Fall ohnehin eine ganz besondere Note, parken den geräumigen Volvo stets gekonnt irgendwo zwischen Sentimentalität und Fröhlichkeit – man denke nur an Bands wie Tiger Lou, die Shout Out Louds oder eben ABBA.

Apropos „Einöde“: In selbiger – genauer: in einem recht rustikalen Studio in den Wäldern von Rissna, Jämtland – entstand auch der dieser Tage erschienene dritte Langspieler „Sisyphus Rock“ – und deutet bereits im Titel an, dass dieses Mal der Indie Pop – zumindest in Teilen – dem Indie Rock weichen durfte…

Mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Achtziger-Komödien, klassischer Literatur und düsterem Neunziger-Punk gehen die acht neuen, vornehmlich live eingespielten Songs in eine lautere und rauere Richtung als seine Vorgänger, welche vom „Spiegel“ noch als recht fluffige „Begegnung von Belle and Sebastian und Jens Lekman“ beschrieben wurden (während das „Vice Magazine“ hingegen Jonas Jonsson schlicht als „a beautiful artist“ bezeichnete). Dennoch will sich Jonsson auch hier nie so ganz festlegen, lässt innere Krisen auf kulturelle Referenzen treffen, stellt emotionale Selbstoffenbarungen neben Seinfeld’eske Popkultur-Zitate. Wer da nicht den Überblick verliert, der könnte schnell meinen, Teil seiner inneren Welt zu sein.

Überhaupt: die Texte. Jene geraten nicht selten ähnlich eigenbrötlerisch wie die von Paul Westerberg, einem von Jonssons erklärten Idolen, dem er auf „Sisyphus Rock“ zudem – wenn auch nur als Wortspiel – einen Songtitel widmet. Wer jedoch nun auch einen klanglichen Verweis vermutet, der wird schnell enttäuscht sein, denn obwohl die neue Platte durchaus gitarrenzentriert ausfällt, hat sie eher wenig mit der meist rauen Unmittelbarkeit des Sounds der Replacements zu tun. Und so dunkel Jonsson seine Angstzustände etwa in „The Dark Between The Stars“ auch ausmalt, verfügen seine Songs durch die seichte Distortion der Indie Rock-Riffs und Jangle Pop-Einlagen doch über eine dazu konträre Leichtigkeit, zu welcher auch Jonas Jonssons leicht zuckrig tönende Stimme beiträgt, die an nicht wenigen Stellen der von Ben Gibbard (Death Cab For Cutie, The Postal Service) ähnelt. Easy Listening also? Könnte man so sehen – und bei so viel Wohlklang vorschnell überhören, wie Jonsson inhaltlich mit Camus und Beckett über die Natur des Menschen philosophiert: „Make the best of what you’ve got / We are here until we’re not“, wie er es im zweiten Song „Sisyfuzz“ recht pragmatisch zusammenfasst. Dass es in den Strophen mitunter treibend indierockig, mitunter gar dezent post-punkig zugeht, steht bei diesem einerseits bunten, andererseits auch irgendwie sphärisch-poppigen, geradlinigen Treiben keineswegs im Widerspruch.

In manchen Momenten tönen die fünf Schweden sogar etwas märchenhaft: “The Dark Between The Stars” reichern sie plötzlich ganz anders an, drehen den Song nahezu komplett, um ihn am Ende wieder konventionell einzuordnen. Starr ist hier nichts, die Dynamik von “Sisyphus Rock” ist auf internationalem IKEA-Parkett entworfen, obwohl Jonsson und Co. ganz behutsam komponieren. Mit dem bereits erwähnten “Paul Westerberg” verschenken Bedroom Eyes dann keine Sekunde, stehen unangemeldet mit einem poppigen Song im Türrahmen und werfen mit Ohrwurmpassagen um sich, die im gut sortieren Radio sofort zünden würden, ohne irgendwie unangenehm aufzufallen. Anderswo, in „Kim“, ist die Rhythmusfraktion um Schlagzeuger Emil Fritzson-Lindquist und Bassist Mattias Andersson eindeutig als treibende Kraft spürbar, aber trotz allem stets angenehm den Rest stützend und nicht aufdringlich. Etwas aus dem Rahmen fällt “Store blå” (großes Blau): der Song wurde in Jämska gesungen, einem nur selten gesprochenen Dialekt in Nordschweden, der dem Norwegischen recht nahe steht. Und im finalen “Here Comes Godot” wird’s noch einmal philosophisch, während Jonsson den inneren Motivationstrainer anwirft, schließlich bezieht sich der Song auf das aussichtslose Warten und den damit verbundenen Stillstand. Also lieber nicht warten, selbst machen!

Der neue Bedroom Eyes’sche Wurf “Sisyphus Rock” drängt sich zwar keineswegs auf, empfiehlt sich dafür jedoch umso mehr für kommende Roadtrips, für laue Sommernächte – und, anders als die Vorgänger, weniger fürs unproduktive Fläzen im Bett. Trotz der etwas eindimensionalen Produktion ist dem Schweden-Fünfer ein schönes, angenehm zeitlos indierockendes Powerpop-Album gelungen, das eher mit einem positiven Grundrauschen arbeitet und wenig auf Knalleffekte oder Hit-Momente setzt. Da wundert es kaum, dass die Band auch außerhalb ihrer Heimat bereits prominente Fans hat – den auch selbst ab und an musizierenden Comedian Fred Armisen („Portlandia“, „Saturday Night Live“) etwa, der das Album als einer der ersten außerhalb des inneren Kreises hören durfte und mit den Worten „Großartiger Sound, großartige Energie und wunderbare Songs“ beschrieb. Där lyssna!

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Das Album der Woche


Torres – Thirstier (2021)

-erschienen bei Merge/Cargo-

Für alle jene, die in ihrem Leben auch nur eine Fingerbreit an Erziehung genossen haben, mag sich das zwar wie eine obligatorische Selbstverständlichkeit lesen, aber: Ein gepflegter Umgang mit anderen Menschen ist sehr wichtig. Ein respektvolles, freundliches Miteinander ist in einer zivilisierten Gesellschaft ja fast schon eine Visitenkarte, Höflichkeit eine Selbstverständlichkeit. Gossensprache? Können die anderen gern für sich beanspruchen. Sich laut anschreien und beleidigen? Wohl vielmehr etwas für die Kommentarspalten in den sozialen Medien oder irgendwelche x-beliebigen Bewertungsforen. Kraftausdrücke? Bitte nur in absoluten Ausnahmefällen. Und ein solcher lag etwa im Januar 2020 vor, als Torres ihr damals neu erscheinendes viertes Album „Silver Tongue“ mit einem Waschzettel an ihr Ex-Label 4AD und dem recht drastischen Ausruf „Fuck the music industry“ garnierte – kein Wunder, schließlich hatte ebenjenes Label, einem vereinbarten Drei-Platten-Deal zum Trotz, die Künstlerin bereits nach einem Album fallen lassen, da die US-Musikerin ihnen „zu wenig kommerziell“ erschien. Gemessen in den Umständen ging dieses Zitat also vollkommen in Ordnung… Ebenso wie nun der spontane Ersteindruck, welcher wohl nicht wenigen Hörern und Hörerinnen angesichts von Torres‘ neuem Werk linguistisch entfleuchen dürfte: Verdammte Scheiße, ist das geil!

Foros: Promo / Shervin Lainez

Denn Mackenzie Ruth Scott alias Torres scheint auf „Thirstier„, dessen Albumcoverartwork wohl kaum zufällig einmal mehr von Scotts Lebensgefährtin, der Künstlerin Jenna Gribbon, stammt, neuerdings die Sonne aus dem nicht eben untalentierten Arsch. Ja, sorry – manche Dinge muss man eben einfach sagen, wie sie sind. Nach diversen Selbstfindungsprozessen und den bereits erwähnten Label-Schwierigkeiten war es nun aber auch mal an der Zeit, allen Zweiflern, Zweifeln und Ängsten ins Gesicht zu lachen und sich vor allem den positiven Dingen des Lebens zu widmen. Torres‘ fünftes Album macht genau das – nicht nur, dass es ihre optimistischste und gelungenste Platte bis dato ist, man hört ihr auch den neuen, schönen Ausblick in die Zukunft deutlich an. Typisch für jemanden, dem es nach einer längeren Durststrecke nun endlich – sowohl im Privaten als auch im Kreativen – richtig gut geht, will das Album zudem umso mehr erreichen. Warum nur dieses eine Land erobern, wenn es auch die ganze, weite Welt sein kann? Eben. Und insofern ist „Thirstier“ ein durchaus passender Albumtitel, denn Mackenzie „Torres“ Scott hat Durst. Und wahrscheinlich auch Hunger. Nach mehr von allem. Und nimmt es sich. Das Bankett ist hiermit eröffnet! Alle Ecken und Enden der zehn neuen Stücke vermitteln den Eindruck, dass die 30-jährige Musikerin aus New York City das ersehnte Licht am Tunnelende emotional und musikalisch erreicht hat. Gerieten die ersten beiden Platten noch etwas karg und spröde (man denke sich ein schwermütiges Gespräch zwischen PJ Harvey und Cat Power zurecht), war das 2017 erschienene „Three Futures“ eine musikalische Haltestation irgendwo zwischen Trance, Electro und Synth Pop, in deren Landschaft sie auf ihrer selbstproduzierten LP „Silver Tongue“ noch tiefer stolzierte, so deutete der Vorgänger jedoch bereits erste Züge jenes Grunge-Rocks an, den sie auf „Thirstier“ im strahlend bunten Cinemascope-Format nun selbstbewusster und fokussierter denn je zelebriert.

Ich wollte meine Intensität in etwas kanalisieren, das sich positiv und konstruktiv anfühlt, im Gegensatz zu einer intensiven, zerstörerischen oder ausweidenden Art und Weise. Ich liebe die Idee, dass Intensität tatsächlich etwas Lebensrettendes oder etwas Freudiges sein kann.“ (Mackenzie Scott)

Noch nicht überzeugt? Dann bitte doch mal direkt die tolle Single „Hug From A Dinosaur“ anwerfen, die – auch abseits des lustigen Bildes vorm inneren Auge ob des Titels – natürlich vor allem musikalisch, als dreckig tönendes Garage-Rock-Highlight der Platte, überzeugt. Vorwärts geht’s hier, mit Chor und Handclaps und viel Strom. Pompös ist das, opulent, ein bisschen kitschig wohlmöglich – und verflixt noch eins spaßig! Das lassen sich andere Songs nicht zwei Mal sagen und trumpfen ebenfalls auf: Der Opener „Are You Sleepwalking?“ vereint glatt zwei, drei Stücke in sich – und erinnert doch in jedem einzelnen an Annie „St. Vincent“ Clark, als wäre es ein verdammtes Kinderspiel. Ein bisschen gemäßigter, aber nicht weniger klasse schrammelt sich „Drive Me“ den Rest-Frust von der Seele und gibt obendrein noch explizite Anweisungen an den Uber-Fahrer – zielführend nennt man das wohl. Der darf sich dem wochenendlichen Indie-Club-Hopping gleich anschließen, wenn „Hand In The Air“ die hoffentlich baldige vollumfängliche Rückkehr aus sämtlichen Isolationen und Quarantänen einleitet und fast vergessen lässt, worauf man so lange verzichten musste.

Als genauso unberechenbar und facettenreich wie die Liebe, die Torres immer wieder besingt und in all ihren kunterbunten Dimensionen feierlich inszeniert, erweisen sich allerdings auch manche musikalischen Wendungen, die sie inmitten der bombastischen, zumeist Riff- und Hookline-orientiertem Grunge-Power-Pop-Ausrichtung des Albums platziert. „Constant Tomorrowland“ dürfte in dieser Hinsicht zunächst wohl für die meisten Fragezeichen sorgen. Eine klanglich irgendwo zwischen Mittelalter und Seemannslied angesiedelte Folk-Hymne über das Wassermannzeitalter ist schließlich nicht zwingend das erste, an das man nach einer ordentlichen Rock-Injektion rechnet. Mit „Kiss The Corners“ schleicht sich wenig später auch noch eine House-Nummer ein, die ebenfalls den Eindruck erweckt, als hätte sich Torres auf dem Weg zu einer anderen Platte irgendwo verlaufen (gern kann man’s jedoch als Echo der Langspielvorgänger hören). „Big Leap“ mag im Kontext des Albums weniger experimentell erscheinen, dafür jedoch deutlich ruhiger und minimalistischer. Den daraus entstehenden Fokus auf ihren Gesang nutzt Torres, um einige der am schwersten verdaulichen Textzeilen der Platte aufzufahren. Indem sie den schweren Unfall eines Freundes mit einem bittersüßen emotionalen Zwiespalt Revue passieren lässt, bricht sie für einen Moment mit der grundlegend optimistischen Thematik des Albums: „Somehow you’re still here / Got a birthday in three weeks / But now all I can do is cry and worry / I hounded you to stay on the ground / It’ll haunt me forever the way you came down.“ Uff? Uff. Aber nur Friede-Freude-Eierkuchen wäre ja auch langweilig, oder?

Ja, die Auswahl an Torres‘ „Thirstier“-Büfett gerät wahrlich ebenso zahlreich wie sättigend. Da fügt sich die fantastische erste Single „Don’t Go Puttin Wishes In My Head“ mitsamt ihrer Synthesizer-Stärke und den messerscharfen Gitarrenriffs genauso easy-peasy ins Gesamtbild ein wie das sanft startende und in einem fulminanten Feuerwerk endende fantastische Titelstück. „The more of you I drink / The thirstier I get“, singt Torres da und sorgt damit für eifrig zustimmendes Kopfnicken bei der Hörerschaft, sind solche Zeilen doch wie gemacht dafür, als Tattoos Parade getragen zu werden. Ein durch und durch brillanter, positiv gestimmter, gen Firmament jubilierender Love-Song im besten Sinne, der dem dezent angestaubten Genre endlich mal einen neuen Rock-Twist angedeihen lässt. Zum Schluss dann, wenn „Keep The Devil Out“ die letzte Power aus der Drum-Machine kitzelt und den Teufel in den letzten Sekunden wohl derart in die Erschöpfung zwingt, dass er von ganz allein aufgibt, bleiben nicht mal mehr genug Kraftausdrücke übrig, um die aktuelle Gefühlslage zu beschreiben. Also macht man es am besten so wie nach einer guten Mahlzeit: ein bisschen die olle Wampe tätscheln und selig lächeln. Alles ist gut – für Mackenzie Scott und nach dem Genuss dieses Albums, das einen von Mal zu Mal tiefer in seinen Bann zieht.

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: John Van Deusen – „The Bitter End“ (Live Session)


John-van-Deusen-photo-1024x682

Ja sicher, man kann natürlich auch seine Vorurteile pflegen und bis in alle Ewigkeit glauben wollen, dass religiöse Musik ohne Wenn und Aber nach „Kumbaya, My Lord“-Gospel klingt, der tagein, tagaus von zugeknöpften weltfremden Anzugträgern in Gotteshäusern und Einkaufspassagen geschmettert wird. Wer aber ein bisschen über den kleinkarierten Tellerrand schaut, stieß bereits vor einigen Jahren etwa auf P.O.D., eine Nu Metal-Band aus San Diego, Kalifornien, die mit Songs wie „Alive“ oder „Youth Of The Nation“ nicht nur den ein oder anderen rockenden Radio-Hit ablieferte, sondern eben auch „vom „Wort des Lebens“, vom „höchsten Herrn“ oder auch „der Stadt Zion“ sang, während die vier Köpfe dahinter ausschauten wie jene krachmachenden Street-Gang-Rüpel, vor denen christlich-frömmelige Eltern ihren Nachwuchs in der Regel gern beschützen woll(t)en. In der Tat merkt jeder, der mal einen Blick über den „großen Teich“ wirft: Ganz besonders vielfältig ist religiöse Musik in den US of A, in denen eine Pop-Sängerin wie etwa Lauren Daigle aktuell ein Massenpublikum zieht, der große Country-„Man In Black“ Johnny Cash zum Ende seiner Tage auch musikalisch sehr nah zu Gott fand und selbst der allerorts seit eh und je viel gepriesene Sufjan Stevens bereits sakrale Ehrfürchtigkeit Einzug in seine Werke halten ließ. Uns Europäern, die wir mit dem eigenen Glauben doch per se etwas hinterm privaten Berg halten, mag all dies befremdlich erscheinen, „da drüben“ ist’s mal völlig normal, mal – so zischen’s zumindest böse Schlangenzungen – lediglich ein gern genommener Ansatz für klingelnde Kassen…

Auch John Van Deusen verblüffte wohl nicht wenige seiner Fans, als der ehemalige Sänger der Indie Rock-Band The Lonely Forest 2017 mit „(I Am) Origami Pt. 2 – Every Power Wide Awake“ (sowie dem EP-Nachtrag „D-Sides„) ein nahezu meditatives Album herausbrachte, das mit 14 überwiegend religiösen Song-Motiven aufwartete und mit seiner pastoralen Atmosphäre eine nahezu komplette Abkehr von dem von Van Deusen bisher – der Vorgänger „(I Am) Origami Pt. 1 – The Universal Sigh“ erschien nur wenige Monate zuvor – gekanntem Liedgut darstellte, die sich mal in feinsten Weezer-Powerpop, mal in tränenreiche Singer/Songwriter-Wollpullover-Melancholie hüllten und in denen es vornehmlich um gescheiterte Beziehungen und die immer für einen Song gute Ich-Findung ging.

Die Reaktionen auf Zeilen wie „I will praise your name, Jahwe“ waren demnach vielleicht nicht durchweg enthusiastisch, aber die Zustimmungen zu so viel Mut, Offenheit und Wagnis überwogen klar. Und auch Van Deusen selbst steht zu seinen Songs. Warum? Das erklärte der Indie-Musiker in einem Interview: „In einer Zeit, in der Religion derart politisiert wird, darf man diese Themen nicht nur nationalistischen Republikanern überlassen.“

4015698603354Im Juli 2019 ist mit dem konsequent „(I Am) Origami Pt. 3 – A Catacomb Hymn“ betitelten Werk sein drittes Solo-Album erschienen, auf dem der Musiker aus Anacortes, Washington erneut einen stilistischen Haken schlug: hin (oder eben zurück) zu melancholischem Power-Pop mit schimmerndem Retro-Sound-Anstrich. Der schwelgerische Gitarrensound kommt, da ist einschlägigen Ankündigungen zuzustimmen, „eingängig und bisweilen sogar leicht“ daher – und das, obwohl sich die Songs um durchaus düster-heikle Themen wie Angst, Verzweiflung und Depression drehen. „It’s okay to not be okay“ ist Van Deusens „irgendwie ja auch aufbauendes Motto“.

Der „Eingängigkeit ein paar Schrullen unterzujubeln“ – diesen Ansatz verfolgt John Van Deusen, der vom ‚Seattle Weekly‘ – wohl nicht ohne Grund – einst zum „best male vocalist“ in Seattle gekürt wurde und nebenbei noch Bass bei der Hardcore-Band Buffet spielt, nach wie vor hier und da. Denn auch wenn „Steal From Myself (It’s All About Me)“ völlig schamlos The Lemmonheads mit R.E.M. kreuzt, „Let Me Let You Use My Power“ daran erinnert, wie gut es sich anfühlte, kurz nach der Jahrtausendwende von einer Band wie The Fire Theft überrumpelt zu werden, sind die Novitäten im Deusen-Duktus mit so großzügigem Händchen verteilt, dass ihm der Spagat zwischen Referenz und Eigenständigkeit, diese Klang-Rekonstruktion musikalischer Jugendlieben mühelos gelingt. Dafür sorgen auch immer wieder eingestreute Überrumplungsattacken, etwa der verhuschte Hippie-Prog von „Fly Away“ oder das angezogene Tempo des dezent an Hüsker Dü erinnernden Garagenrockers „You Don’t Know What You’re Asking“. „If All Is Nothing/Nothing Must End“ entzückt mit schönen Folkpassagen und Chorgesängen, denen dann von einem wahren Schlagzeug-Feuerwerk der Garaus gemacht wird. Neunziger-Power-Pop, Emo oder Indie-Rock? Die Grenzen verschwimmen bei nahezu jedem Song, und doch landet der Musiker trotz häufig düsterem Text und gelegentlicher Aufschreie dann meistens bei einer alles und jeden umarmenden Melodie. Mit der abschießenden sphärisch-psychodelischen Klaviernummer „Numb“ schließlich lässt Van Deusen es, wie von einer Raumstation aus Richtung Erde gesungen, leise austrudeln. Stille. Durchatmen. Und nochmal von vorn.

John-Van-Deusen-photo1-e1556278770631-1024x733

 

 

Besonders schön geraten: „The Bitter End“, im Original von „(I Am) Origami Pt. 1 – The Universal Sigh„, in der reduziert-fragilen „LaMosiqa.com Oneshotsession“…

 

Ebenso fein für den Einstieg in den Soundkosmos des Indie-Musikers: John Van Deusens KEXP-Live Session von 2017, bei dem er außerdem eine tolle Version des Non-Album-Tracks „Marathon Daze“ sowie (s)eine Variante des John Denver-Klassikers „Leaving On A Jet Plane“ zum Besten gab…

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Nada Surf – „Something I Should Do“


30404

Eines dürfte klar sein: Werauchimmer auf guten, powerpoppenden Indie Rock mit viiiiel Herz, noch mehr „Hach’s…“ und ein klein wenig smartem Ums-Eck-Denken steht, kam seit Mitte der Neunziger kaum an Nada Surf vorbei.

Andererseits fristen Matthew Caws (Gesang, Gitarre), Ira Elliot (Schlagzeug) und Daniel Lorca (Bass, Backgroundgesang), die sich immerhin seit ihrer Gründung 1992 in unveränderter Besetzung kreativ halten (und ihre Band unlängst mit Gitarrist Doug Gillard zum Quartett vergrößerten), mindestens bereits ebenso lang ein Dasein als lieb gewonnene „Indie-Schattenmacht“. Denn obwohl man Songs wie den mittelgroßen College Rock-Hit „Popular“ oder Herzchenjäger wie „Always Love„, „See These Bones“ oder „Inside Of Love“ wohl aus jeder gutbürgerlichen Indie-Disse der eigenen Jugend kennt, gerät die New Yorker Band doch bis heute viel zu oft ins memorable Hintertreffen, wenn es um die eigenen Lieblingsalben geht – „Unfair, eigentlich!“ dürften sich all jene denken, die auch heute noch vor tollen Stücken nur so überquellenden Alben wie vor allem „Let Go“ (2002) oder „The Weight Is A Gift“ (2005) ab und zu die ein oder andere Umdrehung gönnen (oder sich mit dem nicht mit Diskografie-Highlights geizenden 2015er Live-Album „Live at the Neptune Theatre“ von den Bühnenqualitäten des Vierers überzeugen).

Mag’s wohl daran liegen, dass Caws, Elliot und Lorca nie die Typen waren, die Oasis-likes großes Getöse um ihre Musik für zwingend notwenig hielten? Die alle drei, vier Jahre und mit steter Verlässlichkeit Langspieler in die Regale stellten, die zwar – mindestens seit den beiden eben genannten – viel nett tönendes Beiwerk enthielten, jedoch mindestens ebenso verlässlich den ein oder anderen Song wie jüngst „Clear Eye Clouded Mind„, „When I Was Young“ oder „Cold To See Clear„, die noch immer ihresgleichen suchten, wenn’s um die Indierocker-Playlist für ziellos-schöne sonntägliche Autofahrten ging? Tja, Herzensband zwar, aber irgendwie stets auch im Schatten…

71SmQF8vHLL._SY355_Von daher dürfte selbst der größte Fan der US-Band kaum erwarten, dass sich mit dem neuen, neunten Album „Never Not Together“ etwas an dieser Situation ändern würde. Mehr sogar noch: Es ist vielleicht die erste Platte der Indierocker aus New York City, die ohne einen wirklichen Höhepunkt auskommen muss. Klar, den brauchen die Männer um den längst in Würde ergrauten 52-jährigen Matthew Caws, der als zweifacher Familienvater den „Rock’n’Roll-Lifestyle“ wohl auch nur noch aus irgendwelchen Led Zeppelin-Dokus kennt, auch gar nicht mehr. Und obwohl die neun neuen Stücke selten musikalisches Neuland erkunden, viel lieber altbekannte Muster variieren oder die tönenden Puzzleteile minimal anders anordnen (und sich, wie bei „Looking For You„, mal einen Kinderchor ins Studio einladen), bieten Nada Surf auf „Never Not Together“ trotzdem das, was ihnen seit eh und je am besten liegt: dezent prägnante Uptempo-Rocksongs und ruhigere atmosphärische Stücke auf verlässlich hohem Niveau. Und wenn auch nicht jede der knapp 43 Minuten aufhorchen lässt, berühren Caws und Co. mit ihren erzählten Zwischenmenschlichkeiten noch immer das Herz.

 

Wenngleich „Never Not Together“ in Gänze keinen alles überragenden Glanzpunkt in der Nada Surf’schen Diskografie markieren wird, weiß immerhin das zupackende „Something I Should Do“ mit seinen kraftvollen Gitarren und Keyboards ordentlich zu überzeugen, auch Caws‘ an selige „Popular“-Tage gemahnender Sprechpart gegen Ende gliedert sich toll ein. Ja, beinahe könnte man meinen, dass Sturm und Drang in diesem Monolog über die Komplexität der Welt und des Lebens stecken mögen. „Empathy is good, lack of empathy is bad“, heißt es trefflich simplifizierend in den letzten Atemzügen –  „Holy math says we’re never not together“. Der Sinn fürs Gemeinschaftsgefühl hat Nada Surf eben schon immer geprägt…

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Mammoth Penguins – „Closure“


5c8ac4d960daa_event.jpg

In britischen Szene-Kreisen gilt Emma Kupa schon etwas länger als eines der bestgehütetsten, hoffnungsvollsten Talente, was gehaltvoll vertontes Textgut betrifft. So wurde ihre aktuelle Band, Mammoth Penguins, zu der neben der Sängerin und Gitarristin noch Bassist Mark Boxall und Schlagzeuger Tom Barden gehören, bereits 2015 von Radiomoderator Steve Lamacq in seiner Show auf „BBC 6 Music“ gefeaturet. Ob also all die Lorbeeren verdient sind? Nun, zumindest lässt „There’s No Fight We Can’t Both Win„, das dritte, im April erschiene Album des Trios aus dem englischen Cambridgeshire, einmal mehr aufhorchen…

5057805016885.jpgIm Grunde setzen Kupa und ihre beiden Jungs den auf dem 2018er Vorgänger „John Doe„, welcher sich der (fiktiven) Geschichte eines Mannes widmet, der zunächst seinen eigenen Tod vortäuscht, um Jahre später inmitten der Gesellschaft wieder aufzutauchen, fort (wenn auch mit weniger Konzept an Bord): elf Songs, die vom Verlust der Liebe, von Enttäuschungen, Rückschlägen, zig blutigen Nasen erzählen – und vor allem davon, immer wieder auszustehen, weiterzumachen. Twentysomething stories, but with a hell lotta positive vibes. Musikalisch liefert das Trio eine feines Potpourri an melodieseligem Indierock mit herber Schlagseite zum ohrwurmigen Powerpop, der gern auch mal etwas schrammeligen Punk-Rock-Vibe („Dick Move“) aufweisen darf. Wer Vergleiche mag: man denke sich eine Melange aus artverwandten Bands wie Worriers, Muncie Girls, Hop Along oder Land Of Talk, vermengt mit dem Pop-Gespür von Weezer (die Weezer der „Pinkerton“- bis „Green Album“-Phase seien hier ausdrücklich gemeint, nicht die Selbstkopie der Jetzt-Zeit!).

Bestenfalls geht all das, unterstützt von Emma Kupas mal windschief emphatischer, mal sympathisch eindringlicher Stimme, wie beim Opener „Closure“ direkt in die Gehörgänge: „Never really understood what closure was / Last time we met, it’s what I got / Never really understood what closure meant, walking away from you felt different…“

 

„Closure is a song about an interaction, or day, or moment, or occurrence when something shifts and feelings that you may have been carrying around for a while just dissipate.“ 

(Emma Kupa)

 

 

Das neue Mammoth Penguins-Album „There’s No Fight We Can’t Both Win“ gibt es via Bandcamp in Gänze im Stream zu hören:

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,
%d Bloggern gefällt das: