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Song des Tages: Matt McGinn & Ciara O’Neill – „Bubblegum“


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„WAR! Huh, yeah! What is it good for? Absolutely NOTHING!“

So sang Edwin Starr damals im Jahr 1970… Der US-Soulman traf mit dieser Anti-Vietnam-Kampfansage, welche im Nachhinein auch von Größen wie Bruce Springsteen in deren Live-Repertoire übernommen wurde, damals genau den kriegsmüden, spät-hippie’esken Nerv der Zeit, und rang der scheinbar grenzenlos abgründigen Fähigkeit des Menschen, seinen Mitmenschen immer neue, immer unvorstellbarere Grausamkeiten zuzufügen, zumindest eine ikonische Melodie ab. Starrs seelenvolle Kriegsklage ist dabei zweifellos eines der wenigen Protestlieder, die berechtigterweise auch heute noch von sich behaupten können, „funky“ zu sein.

Die Beschreibung „funky“ dürfte Matt McGinn in der Tat keinesfalls für sich verbuchen. Macht auch nichts, schließlich stammt der Mann nicht Motown-like aus Detroit, sondern aus dem nordirischen Hilltown. Dafür würde der Singer/Songwriter-Bart-Barde Edwin Starrs Kernaussage wohl ohne viel nachzudenken unterschreiben, schließlich kann auch er – leider und aus eigenem Erleben – das das ein oder andere Lied vom Krieg singen – und tut das nun auch…

Matt-McGinn-300x300Down ist eine der sechs historischen Grafschaften (Countys) Nordirlands – und blieb über Jahre hinweg – vom Ende der Sechziger bis tief in die Neunziger – wie große Teile des Landes nicht von den Unruhen des Nordirlandskonflikts verschont. Matt McGinn, der ebenda, in Hilltown, einem kleinen Dorf in den Mourne Mountains aufwuchs, erfuhr all die gewalttätigen, schlussendlich freilich sinnfreien Konflikte zwischen englisch- und schottischstämmigen, unionistischen Protestanten und überwiegend irisch-nationalistischen Katholiken somit aus erster Hand. Und macht nun das Beste aus den weniger schönen Seiten seiner Biografie: er vertont sie. Mehr sogar noch: „Lessons Of War„, sein neues, viertes Album, untersucht, wie Krieg nicht nur die Bewohner in seiner nordirischen Heimat, sondern auch die von Konflikten betroffenen Menschen auf der ganzen Welt verändert, beeinflusst hat. Die Idee zu etwas Größerem, Ausführlicherem begann mit dem fixen Gedanken, einen Song über die Sinnlosigkeit des Krieges aufzunehmen. Eines führte zum anderen, und über die Zeit der letzten drei Jahre führte ein Stück zu ebenjenem Album, gar einer Dokumentation und der Zusammenarbeit mit einer großen Zahl anderer Musiker.

Laut Matt McGinn „wollte ich kein Album mit Anti-Kriegs-Liedern schreiben, es ist einfach irgendwie passiert. Als ich zum ersten Mal das Bild des jungen Flüchtlings sah, der an die Küste gespült wurde, löste es etwas in mir aus. Ich hatte das Gefühl, etwas tun zu müssen, und das Schreiben war alles, was ich tun konnte.“ (Wer allen Nachrichten aus dem Weg geht: McGinn meint die Geschichte über den syrischen Flüchtlingsjungen Aylan Kurdi.)

artworks-000619360387-i7cywm-t500x500Große, gute Ideen? Natürlich. Doch nichts davon würde eine Rolle spielen, wenn die dazugehörige Musik nicht etwas wirklich Besonderes wäre. Bereits die erste, vordergründig wunderschön wie weiland Damien Rice und seine Muse Lisa Hannigan tönende Single „Bubblegum“ ist von den Unruhen Nordirlands inspiriert. Dabei tritt McGinn, der den Song gemeinsam mit dem befreundeten Singer/Songwriter-Kollegen Mick Flannery schrieb, zurück und erlaubt Ciara O’Neill, die stimmliche Hauptrolle in diesem Stück zu übernehmen, welches vom Tagebuch eines Teenager-Mädchens namens Bronagh McAtasney inspiriert ist, dessen Achtzigerjahre-Alltagsrealität sich eng mit den Schrecken des Krieges verknüpft. Balladesk gebettet in Gitarre und Klavier beschreibt O’Neill eine Welt, in der sie zum ersten Mal Kaugummi (also „Bubblegum“) probiert, während ihr Vater vor der Sperrstunde nach Hause kommt, und später singt: “Daddy pinned up Bobby Sands for me right next to my Madness poster / In our house in the middle of the street / They blew up another bar last night / Heard the soldiers searching / Johnny says they might call off school…” – Diese beiden gegensätzlichen Welten – das Kindlich-Heranwachsende, die sinnentleerten Konflikte der Erwachsenen – bildeten über Generationen hinweg eine nordirische Realität.

Doch anstatt den Kriegsgegner-Moralapostel zu geben, singt McGinn aus (s)einem Blickwinkel, den er so tatsächlich gesehen und gefühlt hat. Den mahnend-salzenen Zeigerfinger muss er im Grunde auch gar nicht in zwischenmenschliche Wunden drücken, schließlich sprechen die Textzeilen von so unverblümt vertonten Stücken wie „Writing On The Wall“ quasi eine klare Sprache. Der Vergleich verschiedener Zeitabschnitte macht deutlich, dass im Grunde, im Krieg niemand unschuldig ist – eine Welt voller Ungerechtigkeiten, überall, wohin man schaut. Wir alle schauen irgendwann, irgendwo weg, stumpfen ab. Wir alle haben Blut an unseren Händen.

Dabei hat die Musik selbst nichts Schwerfälliges an sich. Sie macht sich federleicht, wenn es denn sein soll, und lässt den liedermachenden Folk-Muskel spielen, wenn es nötig ist (jedoch ohne überheblich oder allzu plakativ zu wirken). Das titelgebende „Lessons Of War“ ist dabei vielleicht das beeindruckendste Stück des Albums, arbeitete Matt McGinn doch mit den Stimmen des Citizens of the World Choir, einem in London ansässigen Chor, der sich aus Flüchtlingen aus Kriegsgebieten zusammensetzt, sowie mit Anthony Seydu aus Sierra Leone (Gesang und den Perkussion) zusammen. An anderer Stelle trugen etwa der aus Derry stammende Musiker und „Children In Crossfire„-Gründer Richard Moore, der im Alter von elf Jahren durch eine Plastikgeschoss erblindete, der Belfaster Bandmanager und Ingenieur Mark Kelly, der im Alter von 18 Jahren bei einem Bombenangriff seine Beine verlor, oder der virtuose Flamenco-Gitarrist Yazan Ibrahim von den umkämpften Golan-Höhen ihren musikalischen Teil zum Ganzen bei. Sie alle mögen aus verschiedensten (kreativen) Ecken der Welt stammen, die Botschaft eint sie jedoch.

Ganz klar: Gleich, ob es sich nun um einen ganzen Chor oder nur um einen Mann und seine Gitarre handeln mag, die Leidenschaft, die Absicht von „Lessons Of War“ lässt sich nicht leugnen. Matt McGinns Song-Sammlung verdient es, immer wieder gehört zu werden, bis wir endlich die Lektion, unsere Lektion lernen und beginnen, neue, gewaltfreie Wege zur Lösung unserer Probleme zu finden, mit denen wir alle – wenn auch in recht unterschiedlichem Maße – konfrontiert sind. Bis sich Geschichte eben nicht (mehr) wiederholt. Denn schon Edwin Starr wusste: Krieg ist zu nichts nutze. Oder, wie McGinn zum Ende des Albums, in „When Will We Learn“, singt: „Every man has a choice if their fists or their voice will lead them on their way…“

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages #2: JC Stewart – „Girls Just Want To Have Fun“


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Für allzu viel Aufsehen hat JC Stewart, ein junger Newcomer aus dem nordirischen County Derry,  bislang noch nicht gesorgt: zwei gute Handvoll Singles, dazu einen Songwriter-Credit am Debütalbum „Divinely Uninspired To A Hellish Extent“ seines (aktuell weitaus erfolgreicheren) Schotten-Buddies Lewis Capaldi. Freunde gefühligen Singer/Songwriter-Pops dürften an Songs wie „Have You Had Enough Wine?“ oder „Bones“ ihre Freude haben, für mich hebt sich der „Professional Sadboy“ (woher dieser Spitzname kommt, entnehmt ihr der Label-Biografie) im Gros zu wenig vom oft sehr ähnlich schmachtenden und barmenden Formatradio-Einheitsbrei ab.

Fein geraten jedoch ist JC Stewarts im vergangenen Jahr veröffentlichte Variante des 1983er Cyndi-Lauper-Dauerbrenners „Girls Just Want To Have Fun„, der er mithilfe seiner weißen und schwarzen Tasten eine Extraportion sublimes Afterhour-Feeling verpasst…

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Two Door Cinema Club – „What You Know“


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Two Door Cinema ClubTwo Door Cinema Club… Two Door Cinema Club… Da war doch mal irgendwas…

Richtig. Um das Jahr 2010 herum wurden Alex Trimble (Gesang, Gitarre, Synthesizer und Beats), Sam Halliday (Gitarre) und Kevin Baird (Bass) mit so einigen artverwandten Bands wie The Maccabees, Bombay Bicycle Club, Klaxons, Phoenix, Hot Chip, The Bravery oder The Wombats an die Spitzen der musikalischen „Heißer Scheiß, Mann!“-Listen gesetzt, von der renommierten BBC etwa in ihre „Sound of 2010“-Prognose aufgenommen, während das kaum weniger namenträchtige Glastonbury-Festival das nordirische Trio in sein Line-Up aufnahm.

220px-WhatYouKnowTDCC.jpgDoch wie sollte es anders sein, erscheinen Two Door Cinema Club – ebenso wie nicht wenige weitere der oben erwähnten Bands – knapp eine Dekade später unter „Klar, gibt’s noch, aber eher unter ‚Ferner liefen’…“. Dafür konnte der meist geschickt zwischen juvenilen Indierock und durchaus tanzbarem Electropop changierende, ewiglich very british drein schauende Babyface-Dreier dem 2010er Debütalbum „Tourist History“ mit den 2012 beziehungsweise 2016 veröffentlichten Nachfolgewerken „Beacon“ und „Gameshow“ einfach zu wenig prägnante Indie-Hits (geschweige denn in Gänze überzeugende Alben) zur Seite stellen…

Das trifft jedoch keinesfalls auf „What You Know“ (von „Tourist History“) zu. Dieser Song geht auch heute, acht Jahre später, noch bestens verankert in die Gehörgänge, während für mindestens einen Fuß strengster Mitwippbefehl besteht…

 

 

Dass Trimble, Halliday und Baird nicht mehr ganz so krasse Babyfaces wie noch vor wenigen Jahren sind, zeigt etwa eine Live-Session-Version des Songs, welche das Indiepop-Trio 2016 bei KCRW zum Besten gab:

 

„In a few weeks I will get time
To realize it’s right before my eyes
And I can take it if it’s what I want to do

I am leaving This is starting to feel like
It’s right before my eyes
And I can taste it
It’s my sweet beginning

And I can tell just what you want
You don’t want to be alone
You don’t want to be alone
And I can’t say it’s what you know
But you’ve known it the whole time
Yeah, you’ve known it the whole time

Maybe next year I’ll have no time
To think about the questions to address
Am I the one to try to stop the fire?

I wouldn’t test you I’m not the best you could have attained
Why try anything?
I will get there
Just remember I know

And I can tell just what you want
You don’t want to be alone
You don’t want to be alone
And I can’t say it’s what you know
But you’ve known it the whole time
Yeah, you’ve known it the whole time

And I can tell just what you want
You don’t want to be alone
You don’t want to be alone
And I can’t say it’s what you know
But you’ve known it the whole time
Yeah, you’ve known it the whole time…“

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Snow Patrol – „What If This Is All The Love You Ever Get?“


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Ja, die letzten Jahre mögen keine einfachen gewesen sein für Gary Lightbody: ein Burn-out, gefolgt von einer Schreibblockade, Depressionen, einem Alkohol-Problem, schlußendlich ein Zusammenbruch (mehr dazu erfährt man etwa in diesem aktuellen Interview). Eventuell hatte der Frontmann des nordirisch-schottischen Indie-Poprock-Fünfers Snow Patrol in der Zeit davor mit immerhin fünf Alben in zehn Jahren mit seiner Stammband (welche freilich jeweils auch betourt werden wollen) sowie Songwriter-Credits für keine Geringeren als zum Beispiel Ed Sheeran und Taylor Swift einfach den sprichwörtlichen kreativen Bogen überspannt. Eventuell klingen daher auf dem neuen, heute erschienenen Snow-Patrol-Werk „Wildness„, dem ersten seit dem reichlich mediokren „Fallen Empires“ von 2011, trotzige Durchhalteparolen wie „Don’t give in – don’t you dare quit so easy“ an.

Sieben Jahre Wartezeit also. Und? Hat man Snow Patrol vermisst?

105608Nun… nicht wirklich. Und das neue Album bestätigt dies noch einmal. Wie schon auf den letzten Langspielern zirpen immer wieder Synthies, pluckern und wummern sich durch einen guten Teil der zehn neuen Stücke. Zwar sind diese nicht mehr ganz so aufdringlich wie noch auf dem 2011er Vorgänger ins Klangbild integriert, an herrlich rockige Album-Großtaten wie „Final Straw“ (2003) oder „Eyes Open“ (2005), auf denen das Quintett grandios-leichtfüßig einen Bogen von Herzhymnen im Indie-Club („Run„) zu Schmuse-Melodien für Stadionmillionen („Chasing Cars„) spannte, reichen Snow Patrol 2018 jedoch kaum heran. Und was an den neuen Stücken so „wild“ sein soll, weiß wohl nur die Band selbst…

Dass Gary Lightbody nichtsdestotrotz – schwere Zeiten hin, Schreibblockaden her – noch immer ein begnadeter Songwriter ist, der es vortrefflich versteht, mit einfachsten Mitteln direkt ins Herz zu reichen, beweist das Stück „What If This Is All The Love You Ever Get?“. (S)ein einsames Piano, seine mit dem gewohnten zarten (jedoch merklich in Mitleidenschaft gezogenen) Schmelz belegte Stimme, erstaunlich direkte Textzeilen über die Liebe – mehr braucht der 41-jährige gebürtig nordirische Musiker, der im Musikvideo zum Song mit seinem Klavier auf einem Floß mutterseelenallein auf offener See schippert, im Grunde nicht. Und hat damit – das durchschnittliche Album dazu sei ihm gestattet – bereits jetzt eines der tollsten Stücke des Musikjahres geliefert…

 

 

„Woah woah, what if this is all the love you ever get?
Woah woah, you’d do a couple things so differently, I bet
Woah woah, what if this is all the love I ever know
Woah woah, I’d say the words that were so hard to say: don’t go

So you’ve fallen in love
So you’ve fallen apart

What if it hurts like hell
Then it’ll hurt like hell
Come on over, come on over here
I’m in the ruins too
I know the wreckage so well
Come on over, come on over here

Woah woah, what if this is all the love you ever get?
Woah woah, you’d not worry so much about counting your regrets
Woah woah, what if this is all the love I’m ever shown
Woah woah, I’d not be so scared to run into the unknown

So you’ve fallen in love
So you’ve fallen apart

What if it hurts like hell
Then it’ll hurt like hell
Come on over, come on over here
I’m in the ruins too
I know the wreckage so well
Come on over, come on over here

What if this is all the love you ever get?
What if this is all the love you ever get?
What if this is all the love you ever get?“

 

Rock and Roll.

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So viel mehr als nur „Zombie“ – Dolores O’Riordan ist tot.


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Foto: Getty Images

Das neue Jahr ist erst gut zwei Wochen jung und hält bereits für all jene, die in den seligen Neunzigern mit Rockmusik aufgewachsen sind, die erste echte Scheißnachricht bereit: Dolores O’Riordan ist tot.

Dolores O’Riordan? Ja, die Frontdame von den Cranberries. Freilich denkt man nun zuerst an deren zwar guten, jedoch auch echt fiesen Ohrwurm „Zombie“. An das dazugehörige Musikvideo, welches innerhalb von fünf Minuten all die Schrecken des Nordirlandkonflikts auf den visuellen Punkt bringt. An die für nicht wenig Hummeltittchen sorgende Version des Songs bei MTV Unplugged, mitgeschnitten am Valentinstag 1995 in der Academy Of Music in Brooklyn, New York. Natürlich wurde die Band aus dem irischen Limerick vor allem mit und wegen diesem Stück berühmt und bekannt, eventuell noch wegen „Linger“ oder „Ode To My Family“ (letzteres ist ebenso wie „Zombie“ auf dem 1994 erschienenen zweiten Album „No Need To Argue“ zu finden, welches sich bis heute mehr als 16 Millionen Mal weltweit verkaufte). Aber speziell für mich  war O’Riordan, waren die Cranberries so viel mehr als diese zwei, drei einprägsamen Songs…

Klar, man konnte die Stimme der zierlichen Frontfrau anstrengend, nervtötend und – to put it simplescheiße finden (und wer in den kommenden Tagen Umschreibungen wie „Rockröhre“ oder „Powerfrau“ in irgendeinem Nachruf findet, darf gern ein paar Euronen fürs Phrasenschwein einfordern). Man konnte dem Anfang der Neunziger ins Leben gerufenen Rock-Quartett gut und gern ebenso deren nicht selten prätentiöse Herangehensweise ans Musikalische zur Last legen wie die Tatsache, spätestens nach dem 1999 erschienenen vierten Werk „Bury The Hatchet“ den eigenen kreativen Zenit merklich überreizt zu haben (der Titel des nächsten, zwei Jahre darauf in die Regale gestellte Albums „Wake Up And Smell The Coffee“ darf gern symptomatisch für dessen Null-und-nichtig-Aussagekraft stehen und heutzutage nur noch von Eingeschlafene-Füsse-Bands wie Coldplay getoppt werden). Dass Dolores O’Riordan es einige Jahre, nachdem sich die Cranberries zwischenzeitlich auflösten, mit einem ersten, halbwegs gelungenen Solo-Album namens „Are You Listening?(sic!) versuchte? Dass die Band 2012 mit dem sechsten Werk „Roses“ ein kaum bemerktes Comeback versuchte und erst im vergangenen Jahr auf „Something Else“ – nennt es mangelnde Kreativität, nennt es „die Nostalgiewelle reiten“, nennt es Geldschneiderei – einige ihrer *hust* „größten Hits“ als Akustikversionen neu interpretierte? Hat man am Rande registriert, und sich irgendwie auch gefreut, dass O’Riordan und ihre drei nicht mehr ganz jungen Jungs (Noel und Mike Hogan sowie Fergal Lawler) immer wieder einen Neuanlauf wagten.

Klar, irgendwie waren sowohl Dolores O’Riordan als auch die Cranberries standfeste Relikte der Neunzigerjahre-Rockszene. Wegen „Zombie“. Wegen Nordirland. Aber auch wegen so viel anderer tolle Stücke, von denen mir spontan „I Just Shot John Lennon„, „Animal Instinct„, „Salvation„, „Promises„, „Ridiculous Thoughts“ oder „Yeats‘ Grave“ in den Sinn kommen.

Als ich vor wenigen Minuten von Dolores O’Riordans überraschendem Tod im Alter von 46 Jahren las, musste ich an all jene Momente meiner Jugend denken, die ein alter Freund – zwei Dumme, eine Erinnerung – nur wenige Sekunden darauf via Facebook – und in Anspielung auf das ewig tolle Titelstück von „No Need To Argue “ – wie folgt auf den Punkt brachte:

„Jedes Treffen in deinem Elternhaus begann mit diesem Song auf der endgeilen Anlage deines Vaters (mit Kirchensound versteht sich). ‚Ich brauche meine Medizin‘ sagte ich immer. Kacke und nu isse nich mehr. Mir dreht sich der Quirl im Magen.“

Ganz klar: Wir alle werden älter, und – ähnlich wie ich mich bei der Nachricht vom Tod Chris Cornells gefühlt habe – sagen unserer Jugend mit jeder dieser Noten ein ums andere Mal Adieu. Eine Träne im Anschlag, die Faust bleibt erhoben. Danke für heilige juvenile Momente, Dolores. Du irische Sirene. Du Rockröhre. Du Powerfrau. Mach’s gut, verdammt.

 

 

Rock and Roll.

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