Moment! Aufnahme.

(Foto gefunden bei Pinterest)

Ex-Beatle Paul McCartney hat sich mit einem ausführlichen Text und vielen Fotos auf seiner Webseite an seine Begegnungen mit der am 8. September im Alter von 96 Jahren verstorbenen britischen Königin Elizabeth II. erinnert. Er habe die Königin acht- oder neunmal getroffen, so McCartney – zum ersten Mal im Oktober 1965, als die Beatles ihre MBE-Orden („Member of the British Empire“) bekamen. Damals erhielten McCartney, John Lennon, George Harrison und Ringo Starr vorab so einige Anweisungen, wie sie der Queen zu begegnen haben: „Wir wurden zur Seite genommen und uns wurde erklärt, was wir zu beachten hätten. Man sagte uns, wie wir uns der Queen nähern sollten und dass wir auf keinen Fall mit ihr reden dürften, außer sie spreche mit uns. Für uns vier Jungs aus Liverpool war das: ‚Wow, hey man.'“

Es folgten im Laufe der Jahrzehnte mehrere Treffen, etwa bei Jubiläumskonzerten oder 1997, als die Queen McCartney in den Ritterstand erhob. Rund zwanzig Jahre später beförderte sie ihn noch einmal: zum Companion of Honour. 

Die Verleihung dieser Medaille im Jahr 2018 sei zugleich das letzte Treffen mit ihr gewesen, schildert die 80-jährige Musiklegende im Text. Damals habe er sich auch einen Spass erlaubt: „Ich schüttelte ihre Hand, beugte mich vor und sagte: ‚Wir müssen aufhören, uns so zu treffen.'“ Die Königin habe gekichert und mit der Zeremonie weitergemacht. Im Nachhinein habe er sich gefragt, ob das eventuell etwas frech gewesen sei, „immerhin war es die Queen“. Jedoch habe er das Gefühl gehabt, dass es ihr nichts ausmachte.

Hier Paul McCartneys Text, welchen man auch auf Facebook findet, im originalen Wortlaut:

„On the sad occasion of Her Majesty Queen Elizabeth II’s passing, my memories came flooding back and I would like to share these with you.

I feel privileged to have been alive during the whole of Queen Elizabeth II’s reign. When I was 10 years old I entered an essay competition in Liverpool and won my division for my essay about the British Monarchy so I have been a fan for a long time. In 1953 when the Queen was crowned everyone on our street in Speke, Liverpool finally got a television set and we settled down to watch the Coronation in glorious black and white.

Looking back I am honoured and amazed to see that I met Her Majesty eight or nine times and each time she impressed me with her great sense of humour combined with great dignity. These times were:

Firstly, when The Beatles got the MBE on 26th October 1965. I remember us being taken aside and shown what the correct protocol was. We were told how to approach Her Majesty and not to talk to her unless she talks to us. For four Liverpool lads, it was, ‚Wow, hey man.‚

The next time we met was some years later at the Royal Albert Hall on 13th December 1982. It was at an event Linda and I attended called An Evening for Conservation. Part of the evening included some orchestral re-workings of some Beatles songs and I remember chatting with Her Majesty about them. She also re-introduced me to Prince Philip who said he remembered our previous meeting in the sixties!

Our third meeting would come in the next decade. In June 1996 The Queen graciously agreed to open the Liverpool Institute for Performing Arts on the site of my old school that George Harrison and myself attended. She also had previously given a donation which the school was very honoured to receive.

Just one year later and our next encounter was a very proud day for me. It was one of the best days ever. I felt very honoured to be offered a Knighthood and of course it would have been rude to turn it down! I remember it was in the springtime and the skies were blue. It was a wonderful day and I remember thinking I’d come a long way from a little terrace house in Liverpool!

It was a new millennium the next time we were together again and what an occasion it was! Celebrating her Golden Jubilee, we got to rock out in her garden. As Her Majesty was on stage receiving applause at the end of the show I joked, ‚Well I suppose this will be happening next year then?‘ to which she replied, ‚Not in my garden it won’t!‚

We were to see each other again shortly afterwards, but this time on my home turf! I was very honoured to be given a painting exhibition at the Walker Art Gallery, which John and I had visited on many occasions as students. It was my extreme privilege to be able to show Her Majesty around the gallery.

A decade on and Nancy and I attended a special event titled Celebration of the Arts at the Royal Academy of Arts in London, and it was a thrill as ever to talk with Her Majesty.

On June 4th 2012, The Queen would celebrate her Diamond Jubilee and it was so special in many ways. This was the first time I performed in front of her since her last Jubilee, and seeing all the people stretching down Pall Mall was great, as was meeting other members of the Royal Family afterwards. It was a great weekend to be British.

Our last meeting came in 2018. Because of my respect and love for the Queen and her fabulous sense of humour when I was given the Companion of Honour medal I shook her hand, leaned in and said, ‚We have got to stop meeting like this,‘ to which she giggled slightly and got on with the ceremony. I did wonder if I was a bit too cheeky after saying this, after all this was The Queen, but I have a feeling she didn’t mind.

God bless you. You will be missed.

– Paul„

Rock and Roll.

„Ein wahres Herz aus Gold“ – Andy Fletcher ist tot.

Foto: picture alliance / Pacific Press

Unter den Fans von Depeche Mode gab es einen Running Gag, und der ging so: „Was macht eigentlich Andy Fletcher?“ Gemeint war die Rolle, die das stille Mitglied der Band einnahm, wieviel er zum Sound der britischen Synthie-Pop-Pioniere beitrug, er, der bei hunderten von Songs, die in über vierzig Jahren entstanden sind, keinen einzigen Songwriting-Credit erhalten hatte. „Martin [Gore] ist der Songwriter, Alan [Wilder] ist der gute Musiker, Dave [Gahan] ist der Sänger und ich lungere herum“, hatte „Fletch“, wie ihn seine Freunde nannten, einmal halb scherzhaft, halb mit britischen Understatement seine Rolle beschrieben. Das war 1989 in der Filmdoku „101“ des Regisseurs D.A. Pennebaker, da waren Depeche Mode schon längst internationale Superstars.

Sänger Dave Gahan hatte irgendwann im Lauf der langen Karriere von Depeche Mode begonnen, seine Unsicherheit hinter der Fassade einer klischeehaft überzeichneten, harten Männlichkeit zu verbergen, inklusive L.A.-Rockstar-Tattoos sowie allerlei Alkohol- und Drogenexzessen. Martin Gore pflegte eine Zeitlang das Image des extrovertierten, genderfluiden Paradiesvogels, obwohl er im Grunde seines Herzens ein kleines, schüchternes Sensibelchen war (und wohl noch ist). Andy Fletcher war einfach er selbst, blieb auf der Bühne und bei Terminen in der Öffentlichkeit im Hintergrund, war aber für das psychologische Konstrukt Depeche Mode enorm wichtig, zwischen zwei anscheinend riesigen Egos hielt er die Band zusammen. Als Dave Gahan etwa im Jahr 2001 nach der Veröffentlichung des Albums „Exciter“ öffentlich erklärte, sich benachteiligt zu fühlen, weil er keine Songs für Depeche Mode schreiben dürfe und drohte, die Band zu verlassen, war es bezeichnenderweise Fletcher, der den Kompromiss aushandelte: In Zukunft würde Gahan zu den Alben der Band ein paar Songs beisteuern, aber Gore der Hauptsongwriter bleiben.

Andrew John Leonard „Fletch“ Fletcher wurde am 8. Juli 1961 in Nottingham, England, geboren. Ende der 1970er-Jahre gründete er zusammen mit seinem Schulfreund Vince Clarke in Basildon, Essex die kurzlebige Band No Romance, in der er den Bass spielte. Wenig später, 1980, stieß Martin L. Gore dazu, den Fletcher bereits seit Kindheitstagen kannte, das Trio nannte sich ab da Composition Of Sound – und alle drei Musiker spielten Synthesizer. Im selben Jahr stieß Dave Gahan als Sänger dazu, auf seinen Vorschlag hin benannte sich die Band in „Depeche Mode“ um – nach einem französischen Modemagazin. Anfangs wurden Depeche Mode in England als Teenie-Band belächelt, ihre Pionierleistungen für die elektronische Popmusik wurden (noch) nicht gewürdigt, innerhalb weniger Jahre aber wurden sie mit über 100 Millionen verkauften Platten zur größten Synthesizer-Pop-Band (wahlweise auch Synthie-Rock- New-Wave- oder Dark-Wave-Band) der Welt mit einer der loyalsten Fangemeinden, die „ihre Jungs“ bei Konzerten frenetisch feierte.

Vince Clarke ging, Alan Wilder kam und ging, Gahan wurde drogenabhängig und starb um ein Haar, Gore zog nach Kalifornien, alle beruhigten sich, ließen den Rockstar-Zirkus hinter sich und stießen Solo-Karrieren an, welche alle paar Jubeljahre durch ein neues Depeche Mode-Album (zuletzt „Spirit“ von 2017) oder eine Tournee unterbrochen wurden, und schienen sich – you may call it Altersmilde – immer besser zu verstehen. Obgleich die Karriere von Depeche Mode gut dokumentiert sein mag, blieb Andy Fletcher doch über all die Jahre ein kleines Rätsel, der ungleich unglamourösere Mann im Schatten.

Wohl auch deshalb galt „Fletch“ als der Gentleman unter den Depeche Mode-Mitgliedern, warmherzig, klug und ausgestattet mit (s)einem trockenen Humor. So amüsierte er sich darüber, dass Fans seinen Band-Freund Dave höflich als „Mister Gahan“ ansprachen, er (psycho-)analysierte in Off-the-record-Gesprächen seine Bandkollegen recht treffend und traf sich in Backstageräumen mit dem Flair von Umkleidekabinen mit alten Freund*innen, und anhand der Gespräche war zu erkennen, dass diese Freundschaften schon seit Jahrzehnten bestanden. Auch war Fletcher, der sich gern um die geschäftlichen Belange der Band kümmerte, oft genug derjenige, der deutliche Worte fand, während Gahan und Gore die Lage gern auch mal etwas schönredeten, wannimmer sie sich gerade mal nicht so gut verstanden. Die „Faith And Devotion“-Tournee 1993 sei für ihn „die Hölle“ gewesen, erzählte er einmal, und er wusste es nach dem Drogenentzug Gahans 1996 stets sehr zu schätzen, dass bei Depeche Mode so viel Verlässlichkeit, so etwas wie Berechenbarkeit, eingekehrt war. Trotzdem tat er gleich gar nicht so, als wäre dieses Trio ein reiner Kumpelverein: „Mit Dave rede ich eigentlich nur, wenn es um die Band geht. Das war von Anfang an so.“

Im Jahr 2002 gründete Fletcher, der hin und wieder auch als DJ in Erscheinung trat, das Label Toast Hawaii mit dem einzigen Zweck, die Musik des Synth-Pop-Duos Client zu veröffentlichen. Er hatte erkannt, dass die Musik von Katie Holmes und Sarah Blackwood den retromanischen Zeitgeist traf und vielleicht erinnerte ihn der Client-Mix aus Synth Pop, Electroclash und New Wave auch an seine eigenen musikalischen Wurzeln. Und auch hier wurde Fletchers Wesen sichtbar: So tauchte er einmal, während eines Interviews mit Client im Hotel Mariandl in München, wie aus dem Nichts auf und setzte sich an den Tisch neben den Interviewer, bei Auftritten des Duos „lungerte“ er im Publikum herum und strahlte eine Fürsorglichkeit aus wie ein Vater, der seinen Kindern beim Erwachsenwerden zusieht und von dem Gedanken daran gleichermaßen von Stolz erfüllt und von Angst getrieben wird.

Doch zurück zu seiner Stammband.

Als Dave Gahan begann, auch noch Songs zu schreiben, waren er und Martin L. Gore umso mehr der Dreh- und Angelpunkt von Depeche Mode – und doch brauchten sie Andy Fletcher. Denn es ist keineswegs entscheidend, dass dieser musikalisch vielleicht nicht so viel zum eigentlichen Songwriting beitrug – er war nicht nur ein Gründungsmitglied, sondern menschlich ein überaus essenzieller Teil der Band. Sie ist ohne ihn als ausgleichendes Element zwischen den beiden Alphatypen kaum vorstellbar, ohne seine Bescheidenheit und ironische Distanz zu all dem Wahnsinn, den das Superstardasein oft genug mit sich bringt.

„Meine Rolle in dieser Band ist es, im Hintergrund zu stehen“, erzählte er 2005. „Dave ist der Sänger, Martin ist der Songwriter. I’m the backroom boy. Mir ist klar, dass die beiden anderen den Fans wichtiger sind, sie sind die Helden. Ich bekomme nicht dieselbe Aufmerksamkeit. Das ist mein Schicksal. Da geht es mir wie Larry Mullen oder Adam Clayton, die ebenfalls immer im Schatten von Bono und The Edge stehen. Aber die Chemie der Band stimmt trotzdem nur, wenn alle Mitglieder zusammen sind.“

Und damit hat er absolut recht. Depeche Mode ohne hin? In vielerlei Hinsicht schlichtweg undenkbar.

Am 26. Mai ist Andy Fletcher im Alter von 60 Jahren gestorben. Zwei Drittel seines Lebens stellte er in den Dienst von Depeche Mode, die 2020 in die „Rock And Roll Hall Of Fame“ aufgenommen wurden. Er war – in diesem Geschäft auch eher eine Seltenheit – seit 31 Jahren mit derselben Frau zusammen und verheiratet, die beiden hatten zwei Kinder. Die Schlagzeilen überließ er, wie eben auch das Rampenlicht, lieber seinen Bandkumpanen, er landete in ebenjenen (den Schlagzeilen) zuletzt etwa im April dieses Jahres ganz unprätentiös mit der Meldung, dass er sich bei einem Fahrradunfall in Barcelona das Handgelenk gebrochen habe. „Oft kommt mir unsere Karriere wie ein Traum vor. Und ich habe Angst aufzuwachen und plötzlich einen ganz normalen Job machen zu müssen“, sagte er vor einigen Jahren. Darum muss er sich keine Sorgen mehr machen, denn jener Traum blieb bis zum Ende unantastbar. Und irgendwie muss man die kaum von der Hand zu weisende Ironie, dass sich Gevatter Tod – ganz ähnlich wie unlängst bei den Rolling Stones, wo ausgerechnet der ewig stille wie zurückhaltende Schlagzeuger Charlie Watts vor Lebemännern wie Keith Richards oder Mick Jagger die Bühne, die sich da „Leben“ nennt, verlassen musste – nun auch bei Depeche Mode den in vielerlei Hinsicht Nüchternsten der Band zuerst geholt hat, fast schon unweigerlich mit einem diabolisch-sarkastischen Grinsen betrachten. Mach’s gut, Andy Fletcher!

(Lesenswert ist auch dieser Nachruf auf „Zeit Online“)

(via Facebook)

Rock and Roll.

„There goes my hero…“ – Taylor Hawkins ist tot.

Foto: Oliver Halfin

Am frühen Samstagmorgen veröffentlichten die Foo Fighters eine schlichte Textkachel in den sozialen Medien, mit der sie die traurige Nachricht überbrachten: „Die Foo-Fighters-Familie ist am Boden zerstört wegen des tragischen und viel zu frühen Verlustes von Taylor Hawkins. Sein musikalischer Geist und sein ansteckendes Lachen werden in uns allen für immer weiterleben. Unser Mitgefühl gilt seiner Frau, seinen Kindern und seiner Familie, und wir bitten darum, ihre Privatsphäre in dieser unvorstellbar schwierigen Zeit im höchsten Maße zu respektieren.“

Zu den Todesumständen von Hawkins machte die Band selbst keinerlei Angaben. Die Foo Fighters waren auf Welttournee und hätten am selben Abend in der kolumbianischen Hauptstadt Bogotá beim Festival Estéreo Picnic auftreten sollen; noch am 20. März 2022 hatten sie in Argentinien beim Lollapalooza Festival gespielt. Laut einem Bericht des kolumbianischen Nachrichtenmagazins „Semana“ sei der Schlagzeuger tot in seinem Hotelzimmer aufgefunden worden. Zuvor hatte das Hotelpersonal den Rettungsdienst gerufen, nachdem der Musiker über Schmerzen in der Brust geklagt hatte. Als dieser eintraf, soll Hawkins bereits tot gewesen sein. Die kolumbianische Polizei teilte am Samstag mit, dass „laut den ihm nahestehenden Personen der Tod mit dem Konsum von Drogen zusammenhängen“ könnte, wenngleich die genaue Todesursache aber „noch geklärt werden“ müsse.

Bereits im Jahr 2001 lag Hawkins nach einer versehentlichen Überdosis Heroin in London kurzzeitig im Koma. Sein Konsum sei für eine Weile außer Kontrolle geraten, so der Musiker 2021 im Gespräch mit der Musikmagazin „Kerrang“ – „und es hat mich fast umgebracht.“ Er habe versucht, sein starkes Lampenfieber mit Alkohol und Drogen zu bekämpfen und einst an den in Musikkreisen leider nicht unüblichen Mythos „Live fast, die young“ geglaubt. „Ich glaube nicht, dass es gut ist, so einen Lifestyle zu verherrlichen – wirklich nicht. Es gibt kein Happy End mit harten Drogen“, sagte er 2018, lehnte es aber ab zu erklären, wie er seit der Überdosis clean geblieben ist…

Oliver Taylor Hawkins wurde 1972 in Fort Worth, Texas geboren und wuchs anschließend im kalifornischen Laguna Beach auf. Und wohlmöglich wurde ihm, der auch optisch als recht entspannter Surfer Dude hätte durchgehen können, die spätere Berufung bereits in die Wiege gelegt, schließlich benannten ihn eine Eltern nach niemand Geringerem als Queen-Schlagzeuger Roger Taylor – und da sich Kreise meist irgendwann schließen, war Taylor Hawkins als einer der prominentesten Queen-Fans bekannt und auch gut mit seinem Namenspatron befreundet, der den plötzlichen Tod auf Instagram mit dem Verlust eines jüngeren Lieblingsbruders verglich: „Er war ein freundlicher, brillanter Mann und ein inspirierender Mentor für meinen Sohn Rufus und der beste Freund, den man haben kann. Am Boden zerstört.“

Der tragische Verlust ihres Taktgebers zwingt nun vor allem seine Band, die Foo Fighters, zum Innehalten. Und angesichts der besonders engen Verbundenheit innerhalb der US-Alternative-Rocker, die im vergangenen Jahr ihr zehntes Studioalbum „Medicine At Midnight“ veröffentlicht hatten, ist nun auch die Frage berechtigt: Wie wird es mit den Foo Fighters weitergehen? Wird es überhaupt ein Weiter geben? Vor allem, wenn man weiß, dass besonders Bandchef Dave Grohl und Taylor Hawkins sich nahezu geschwisterlich verbunden fühlten. Immer wieder sprachen sie voneinander als „brother from another mother“, als Duo führten sie meist gemeinsam Interviews für die Foo Fighters. Obwohl es streng genommen Dave Grohls Band ist (oder war?), wurde Taylor Hawkins seit seinem Einstieg im Jahr 1997, der erfolgte, nachdem sich Grohl bei den Aufnahmen zu „The Colour And The Shape“ im Jahr zuvor mit dem bisherigen Foo-Fighters-Schlagzeuger William Goldsmith überwarf, ein zweifellos unersetzlicher Teil der Gruppe, schrieb zahlreiche Hits wie „Learn To Fly“, „All My Life“ oder „Best Of You“ mit. Es muss also Schicksal gewesen sein, dass Hawkins, der davor Teil von Alanis Morissettes Liveband war, für die Foo Fighters einen Job hinterm Schlagwerk der Guns N‘ Roses ablehnte. Deren Frontmann Axl Rose wollte ihn als Bestandteil seiner Rhythmusfraktion und ließ 1999 über sein Management eine entsprechende Anfrage an Taylor Hawkins‘ Mutter (!) schicken. Der gefragte Mann? Fragte seinerseits Brian May von Queen um Rat. Und Mays Einschätzung sollte sich als rückblickend als goldrichtig erweisen: „Ich habe dich und Dave auf der Bühne gesehen, da ist etwas zwischen euch, das kein Geld der Welt kaufen kann.“ Einer ehemals größten Stadionrockband für eine der – damals – kommenden größten absagen? Kann man so machen.

Foto: IMAGO/ZUMA Press

Dave Grohl und Taylor Hawkins verband naturgemäß ihre gleichsame Liebe zum Schlagzeugspielen (immerhin wurde Grohl einst als Trommelderwisch von Nirvana berühmt), aber auch zwischenmenschlich passte es sofort: „Das erste Mal, als wir uns trafen, waren wir bei einer Radioshow hinter der Bühne, und er kam mit einem Bier in der Hand auf uns zu“, erinnerte sich Grohl einst in einem Interview. „Er sagte: ,Hey, Mann, wie geht’s? Ich bin Taylor, ich spiele mit Alanis Morissette. Alter, ich liebe deine Platte, sie ist so cool!‘ Er war so ein Dödel. Ich dachte mir: ,Wow, du bist entweder mein Zwilling oder mein Seelenverwandter oder mein bester Freund!‘ In den ersten zehn Sekunden, in denen ich ihn traf! Und natürlich hatte ich ihn schon Schlagzeug spielen sehen und fand, dass er ein toller Schlagzeuger war.“

Auch Taylor Hawkins‘ bereits erwähnte Überdosis im Jahr 2001 schweißte die Musiker noch mehr zusammen. Die emotionale Belastung, nach dem tragischen Drogenabsturz und späteren Suizid von Nirvana-Frontmann Kurt Cobain abermals einen Bandkollegen und Freund auf ähnliche Weise zu verlieren, brachte den Gründer der Foo Fighters fast dazu, sich ganz aus der Musik zurückzuziehen. „Als Taylor im Krankenhaus landete, war ich bereit, mit der Musik aufzuhören“, erklärte Grohl einst. „Denn für mich fühlte es sich so an, als wäre Musik gleichbedeutend mit Tod. Ich fing an zu beten. Ich war noch nie in meinem Leben in einer Kirche, und nun lief ich jede Nacht von Taylors Krankenhaus zu unserem Hotel zurück und betete laut auf Londons Straßen.“

Hawkins, der abseits der Foo Fighters mit seiner Band Taylor Hawkins & The Coattail Riders sowie dem Hardrock-Prog-Projekt The Birds Of Satan insgesamt vier Alben veröffentlichte, war außerdem das einzige Bandmitglied, das auch selbst geschriebene Songs für die Alben seiner Hauptband einbringen durfte (etwa „Cold Day In The Sun“ oder „Sunday Rain“). Seine Stücke sowie einige ebenfalls von ihm gesungene Queen-Coversongs waren seit Jahren fest in den Foo’schen Live-Sets verankert. Die „Bromance“ von Grohl und Hawkins war auch live stets zu spüren – sie umarmten sich und lobten das musikalische Talent des anderen. „Als er in die Band kam, war sein Schlagzeugspiel der unwichtigste Faktor – ich dachte nur, dass ich mit diesem Typen die Welt bereisen möchte, ich möchte auf die Bühne springen und mit ihm Bier trinken“, erinnerte sich Grohl vor einigen Jahren.

Wannimmer der etatmäßige Schlagzeuger und der Foo-Frontmann bei Konzerten die Plätze tauschten, nahm Grohl nur allzu gern Hawkins‘ Drumsticks zur Hand, während dieser dann Queen-Hits wie „Somebody To Love“ zum Besten gab. So auch bei der Show im argentinischen Buenos Aires beim Lollapalooza Festival, die nun einer ihrer letzten gemeinsamen Momente auf der Bühne bleiben wird. Zunächst gaben sich die beiden eine herzliche Umarmung, dann erklärte Taylor Hawkins: „Ich liebe Dave Grohl! Ich würde Pizzas ausliefern, wenn es ihn nicht gäbe… Ich würde in der Schlagzeugecke eines Musikladen arbeiten, wenn er nicht wäre… Wollt ihr ihn Drums spielen hören?“

Da während der ein oder anderen Foo-Fighters-Bandpause nahezu naturgemäß immer mal wieder Gerüchte über ein potentielles Ende des US-Alternative-Rock-Sextetts aufkamen, versprach deren umtriebiger Bandleader, dass sich die Foo Fighters nie trennen würden, schließlich würde sich das anfühlen, „als wenn sich deine Großeltern scheiden lassen“, so der Musiker. Angesichts der unerwartet tragischen Umstände muss nun jedoch geklärt werden, ob und wie es mit den Foo Fighters weitergehen kann…

Taylor Hawkins, der sich mit (s)einem breiten Surferboy-Grinsen auf der natürlich höchst subjektiven, natürlich nach beiden Seiten sperrangelweit offenen, von Lou Reed bis Dave Grohl reichenden Sympathieskala stets hartnäckig hinter seinem Bandchef einsortierte, wurde nur 50 Jahre alt. Er hinterlässt eine Frau und drei Kinder. Mach’s gut, Taylor. 🤟

Rock and Roll.

Mein persönlicher Tom Waits – Mark Lanegan ist tot.

Ach, Mark. Ach, Madrid…

Als vor knapp zwei Jahren seine Autobiografie „Sing Backwards And Weep“ (dt. „Alles Dunkel dieser Welt„) erschien, wurden jene Unkraut-vergeht-nicht-Memoiren ein Bestseller und seitdem in mehrere Sprachen übersetzt. Wenig verwunderlich, sind es doch die gnadenlos (selbst)reflektiven Erinnerungen eines Ausnahmesängers: Mark William Lanegan, geboren am 25. November 1964 in Ellensburg im US-Bundesstaat Washington, hinein in eine kaputte Familie, der im Punk Rock einen Ausweg erkannte und sich oft genug Hals über Kopf darin verlor…

Dieser Weg führte ihn ab Mitte der 1980er innerhalb weniger Jahre auf große Bühnen rund um der Welt – im Grunge-Boom bekam der Intimfreund von Kurt Cobain mit seiner Band Screaming Trees – noch so eine leidlich kaputte Familie – ein kleines Stück vom Kuchen ab. Doch je größer der Erfolg wurde, desto mehr driftete vor allem Lanegan, wie leider so viele andere der Szene, in seine Drogensucht ab.

Wiewohl beständig am Arbeiten und Veröffentlichen war der Sänger mit den damals langen, roten Haaren schwer süchtig, dazu kriminell, gewaltbereit und obdachlos – bis ihm schließlich ausgerechnet die Witwe Cobains, Courtney Love, das Leben rettete und ihn in eine noble Entzugsklinik nach Los Angeles verpflanzte. Das war Ende der 1990er. Lanegan clean und geläutert, alles gut?

Nun… nicht wirklich. Was nach einem Happy End aussah, sollte keines – oder zumindest kein Formvollendetes, schon gar nicht Hollywood-reifes – werden. Zwar erlebte Lanegan in den Jahren danach eine zweite, durchaus kredible Weltkarriere, wurde in Szene-Kreisen ein großer, geschätzter Name, war jedoch dennoch beständig auf der Flucht vor seinen vielfältigen Dämonen. Er schien diese halbwegs im Griff zu haben, wenngleich auch immer wieder von Rückfällen die Rede war.

Ende letzten Jahres erschien ein zweiter Band an Memoiren, „Devil in a Coma„, der seine Covid-Erkrankung aus 2020 beschreibt – ein Martyrium. Wochenlang lag er im künstlichen Koma, war zeitweise taub und bewegungsunfähig, schien sich nach langen Monaten aber gefangen und Gevatter Tod ein weiteres Mal ein Schnippchen geschlagen zu haben. Doch nun ist Mark Lanegan in Killarney im Südwesten Irlands, wo er und seine Frau Shelley die letzten beiden Jahre verbracht hatten, gestorben.

Lanegans Spuren in dem, was man unscharf mit „Alternative Music“ bezeichnen kann, sind enorm. Mit den bereits erwähnten Screaming Trees gehörte er in den 1980ern zum Katalog des einflussreichen SST-Labels. Obwohl die Band nie in die Regionen von „Big Grunge Rock Playern“ wie Nirvana, Pearl Jam oder Soundgarden vordringen konnte, verzeichnete sie 1992 mit „Nearly Lost You“ einen MTV-Hit aufgrund des Soundtracks zu Cameron Crowes Film „Singles“ – und veröffentlichte 1995, als Lanegans Buddy Kurt Cobain bereits das Zeitliche gesegnet und der Grunge-Trend längst an die tumbe breite Masse ausverkauft worden war, das phänomenale Album „Dust„, bevor sich die Screaming Trees im Jahr 2000 auflösten. Ende, aus, Staub.

Ihr Frontmann hatte da längst eine veritable Solo-Karriere vorzuweisen. Bereits mit „The Winding Sheet„, das erste, 1990 erschienene Solo-Werk und eines mehreren, das der Mann mit den tätowierten Händen für das auch heute noch wichtige Seattler Indie-Label Sub Pop einspielte, etablierte er sich nicht nur als versierter Rocksänger, sondern auch als eigenständiger Songwriter und düsterer Balladenkaiser.

Berüchtigt mag er seines Temperaments schon früh gewesen sein, berühmt und begehrt wurde er wegen seiner Stimme, einem gefährlich dräuendem Kellerbariton, der vor allem nach der Jahrtausendwende ebenso viele wie vielfältige Kollaborationen veredelte. Lanegan sang mit den Queens Of The Stone Age, machte etwa mit „Rated R“ und „Songs For The Deaf“ zwei der besten Werke der Desert Rocker noch besonderer, bildete mit der schottischen Musikerin Isobel Campbell etwas mehr als drei Alben lang ein in „Die Schöne und das Biest“-Gestus getauchtes faszinierendes Duett-Paar im Stile von Lee Hazelwood und Nancy Sinantra (bevor man sich, wie zu lesen war, im Streit trennte), schenkte zunächst den Werken der Twilight Singers, dem großartigen Nebenprojekt von Afghan Whigs-Kopf Greg Dulli, ein paar von seinem unnachahmlichem Bariton veredelte Töne, bevor er mit Dulli, mit dem ihn eine langjährige Freundschaft verband, als The Gutter Twins (der Bandname war nicht ohne Grund an die „Glimmer Twins“, wie sich die beiden Rolling Stones Mick Jagger und Keith Richards im Songschreiber-Verbund nannten, angelehnt) im Jahr 2008 ein weiteres gelungenes Album (und eine EP) veröffentlichte. Zudem stand im Vorprogramm von Johnny Cash auf der Bühne, als der mit seinen „American Recordings“ eine späte Renaissance erlebte, mit Waylon Jennings oder dem Wu-Tang-Clan, lieferte Gesangbeiträge für die Soulsavers, PJ Harvey, Moby, Cult Of Luna, Kris Kristofferson oder Mad Season – jenem All-Star-Jam-Rock-Verbund, der 1995 mit „Above“ lediglich ein einziges Album zustande brachte, dürfte in seiner düsteren Tragik beispielhaft für so einige viel zu früh verstorbene Ikonen der Seattler Musikszene stehen: Zuerst starb Bassist John Baker Sounders 1999 an einer Überdosis Heroin, im Jahr 2002 folgte ihm Layne Staley, der vor allem als Sänger von Alice In Chains zu Ruhm gelangte, nach – auf den Tag genau acht Jahre nach dem Tod eines gewissen Kurt Cobain. Als Mad Season 2015 ein einmaliges, von einem Sinfonieorchester flankiertes Reunion-Konzert in der Benaroya Hall in Seattle gaben, wählte man – neben Lanegan, der zwei Jahrzehnte zuvor auch auf einigen Albumsongs Beiträge lieferte – Chris Cornell als „Ersatz“ für Layne Staley aus. Und auch jener Chris Cornell, sonst als Stimme von Soundgarden, Temple Of The Dog oder Audioslave bekannt, starb zu früh – am 18. Mai 2017.

So vielfältig Mark Lanegans Wirken und Beiträge für befreundete Bands und Musiker*innen auch waren, nicht jede Zusammenarbeit war letztendlich von Erfolg gekrönt. So nahm er etwa für das letzte Album von Gun Club Gesangsspuren auf, bevor deren Kopf Jeffrey Lee Pierce kurz darauf, 1996, starb. Für Lanegan stellte das schon etwas Besonderes dar, schließlich waren die Los Angeles-Post-Punker jene Band, die ihm in den 1980ern mit dem Album „Fire Of Love“ ein musikalisches Erweckungserlebnis beschert hatte. Der späteren Heldenehrerbietung stand jedoch wohl seine Sucht im Weg – Lanegans Stimme soll so „zerschossen“ geklungen haben, dass die Aufnahme letztlich nicht verwendet wurde.

Auch abseits des Hörbaren, auf Platte Konservierten wirkte der Mann mit dem stets etwas raumbeinigen, sinistren Äußeren: So brachte er einem wie Kurt Cobain den rohen, echten Blues nahe, was wiederum darin resultierte, dass der Nirvana-Frontmann für die Setlist von deren legendärem „MTV Unplugged“-Auftritt Stücke abseitigere Stücke wie den Ledbelly-Klassiker „Where Did You Sleep Last Night“ auswählte, anstatt dem nach Hits, Hits, Hits gierendem Publikum Offensichtliches wie „Smells Like Teen Spirit“ im Akustik-Gewand zu präsentieren. Zudem wohnte Lanegan Anfang der Neunziger mit seinem Freund Dylan Carlson von den Drone-Göttern Earth zusammen. Und ebenjener Carson besorgte Cobain die Schrotflinte, mithilfe derer er sich am 5. April 1994 ins Jenseits des sagenumwobenen „Club 27“ schoss…

Und auch bei seinem eigenen Schaffen war zwar sehr viel Kreativität im Spiel, während nicht jede musikalische Idee vollumfänglich gelang. Neben großartigen Alben wie jenen in den Neunzigern, dem 2004er Werk „Bubblegum“ (mit der Mark Lanegan Band), Coverversionen-Sammlungen wie „I’ll Take Care Of You“ (1999) und „Imitations“ (2013) oder dem jüngst im Zuge seiner Memoiren entstandenen „Straight Songs Of Sorrow“ (2020), wagte sich der Mann mit der stets an Größen wie Tom Waits oder Nick Cave gemahnenden Grabesstimme in den Zehnerjahren ein ums andere Mal in elektronische Gefilde vor – mit teils etwas halbgaren Ergebnissen. Dennoch blieb immer interessiert an neuer Musik und neuen Einflüssen.

Im Gespräch erwies sich Lanegan sich als zurückhaltend und höflich, wiewohl seine explosive Art in seinen Memoiren nicht zu seinem Vorteil, dafür reichlich dokumentiert ist. Er war darin verdammt gnadenlos mit sich selbst, nannte sich mehr als einmal „das größtes Arschloch“ auf Erden und belegte diese Behauptung auf vielen langen Seiten. Wohl auch deshalb ist „Sing Backwards And Weep“ eine der härtesten und ehrlichsten Musikerbiografien, die es gibt.

Gleichzeitig konnte er feinsinnig und fachkundig über Gospel reden, kannte sich im Deep Soul ebenso aus wie im Blues und Zeitgenössischen. Sein Humor war wie sein Spitzename „Dark Mark“: mattschwarz. All das fand Eingang in seine Kunst, die dem umtriebigen Workoholic eine globale Fangemeinde bescherte. Diese trauert nun um eine der besten Stimmen, eine der verwegenen Figuren des Fachs. Mark Lanegan wurde 57 Jahre alt, eine genaue Todesursache ist zurzeit nicht bekannt.

Ich selbst lebte zwischen 2008 und 2009 für einige Monate in Madrid. Wenige Stunden vor meiner Abreise besuchte ich am 2. Februar 2009 mit einem Freund das gemeinsame Konzert von Mark Lanegan und Greg Dulli im Teatro Häagen-Dazs Calderón, einem recht gediegenen Konzertsaal im Zentrum der spanischen Hauptstadt. Am Merch-Stand nahm sich jeder von uns ein von beiden „Gutter Twins“-Künstlern unterzeichnetes Konzertposter mit. Was uns damals als recht preisintensiv erschien, hängt nun als mir unschätzbar wertvolles Erinnerungsstück an der Wand meines mit Musik gut gefüllten Zimmers.

Ach, Mark – du warst immer mein „persönlicher Tom Waits“, deine Stimme, die da von den Schattenseiten, vom Somnambulen , vorm Rinnstein erzählte, hat mich nun bereits über Jahre, Jahrzehnte stetig und treu begleitet, ging mir nicht selten verdammt nah und noch weniger selten durch Mark und Bein. Aber so – genau so, verdammt! – soll’s ja auch sein… Mach’s gut, Mark.

Rock and Roll.

„The Bat Out Of Hell“ – Meat Loaf ist tot.

Foto: Meat Loaf / Facebook

Wenn man annimmt, dass der Rock’n’Roll ein Tummelplatz der Außenseiter ist, dann war Marvin Lee Aday in bestimmten Momenten wohlmöglich verdammt nah dran am Ideal eines Rockstars. Seine Geschichte ist wie ein Märchen, und Adays Doppelgänger Meat Loaf ist eine Märchenfigur, die Erweckung eines Helden aus dem Geist der Kränkung. Es gab eine Zeit, da nahezu jeder jenen Meat Loaf kannte. Vielleicht konnten sie nicht sagen, woher sie ihn kannten und welche Songs er sang, aber sie wussten, wer Meat Loaf war. Er war ein Archetyp: die Urgewalt.

Marvin Lee Aday wurde am 27. September 1947 in Dallas, Texas, geboren. Die Mutter sang im Gospelchor, der Vater war ein alkoholsüchtiger Prügler. Die Legende will es, dass er den übergewichtigen Marvin im Alter von zwei Jahren „Meat“ nannte. Ein Sportlehrer machte später „Meat Loaf“ daraus, als der damals 13-Jährige ihm auf den Fuß trat. Und Marvin selbst? Der strickte eine ganze Karriere aus jenem wenig schmeichelhaft gemeinten Spitznamen.

Im Jahr 1967 floh er mit einem One-way-Ticket im Gepäck nach Los Angeles, trat verschiedenen Bands bei, sang als Anheizer im Vorprogramm von The Who, Joe Cocker, Janis Joplin, Grateful Dead oder Iggy and The Stooges, später von Bon Seger, Alice Cooper und Richie Havens. Da die angepeilte Karriere lange Zeit nicht wirklich abhob, arbeitete er nebenbei als Parkplatzwächter. Schließlich ermöglichte ihm ausgerechnet das berühmte Soul-Label Motown die erste Platte, die er 1971 aufnahm. Motown erkannte schon damals, dass der Mann ein Genie war und sein Gesang purer, feinster Soul. Das Problem war nur: sonst erkannte das kaum jemand. Also schlug Meat Loaf einen neuen Karrierehaken, sang 1973 in einer Inszenierung von „Hair“ am New Yorker Broadway und bewarb sich für ein Musical des Komponisten Jim Steinman, „More Than You Deserve“. Steinman war zwar beeindruckt, Meat Loaf jedoch wurde derweil von der „Rocky Horror Picture Show“ engagiert, für die er wieder nach Los Angeles zog. Dann spielte er auch in dem Film, der 1975 in die Kinos kam (und als vollumfänglicher Allzeit-Klassiker noch immer dort gezeigt wird).

Mittlerweile hatte Pianist und Produzent Steinman eine Oper komponiert, in der er den frühen Rock’n’Roll und Soul Music, Richard Wagner und Horror-Schundfilme zu einem unerhörten Spektakel verband – eine Sci-Fi-Version von Peter Pan, eine als Rockoper getarnte Teenager-Horrorkomödie. „Bat Out Of Hell“ brauchte Meat Loaf. Und Meat Loaf, der gerade bei einigen Stücken von Ted Nugent mitgesungen hatte, wurde der Sänger. Wenn man so mag, war dieses Zusammenspiel ein Match made in Hell, schließlich schrieb Steinman dem kräftig gebauten Musical-Darsteller das Album quasi auf den Leib und die sagenhafte vier Oktaven umfassende Stimme. Ein Großwerk mit von Steinmans frenetischem Piano getriebenen, atemlosen Songs, die das Jungsein feierten, indem sie die Unsicherheiten des Erwachsenwerden zum heroischen Bombast überhöhten – und in denen nicht zuletzt so unverhohlen von Sex die Rede war, dass man es auch mit mittelmäßigem Schulenglisch verstand. Cleveland International Records veröffentlichte das Werk 1977 ohne allzu große Erwartungen. Im Laufe des folgenden Jahres – dem besten Jahr der Schallplattenindustrie – explodierte „Bat Out Of Hell“. Dass bis heute mehr als 41 Millionen Exemplare jenes Albums, das sich stolze 88 Wochen in den US-Charts hielt, verkauft wurden, zeigt vor allem eins: wie großartig diese Songs waren – und bis heute geblieben sind. Das tolle Duett „You Took The Words Right Out Of My Mouth“, der hysterische Titelsong, das epische „Paradiese By The Dashboard Light“, eine eigene Mini-Oper zwischen Hardrock und Disco, oder „Two Out Of Three Ain’t Bad“ mit der hinterlistigen Liebeserklärung, die den eigenen überbordenden Kitsch unterwandert und demaskiert: „I want you, I need you, but I’m never gonna love you / But don’t be sad – two out of three ain’t bad.“ Jim Steinman und sein Sänger, der auch hier mit Rüschenhemd und Seidentuch, mit dem er sich beständig den Schweiß aus dem Gesicht wischt, immer Darsteller einer Rolle blieb, schafften den eigentlich unmöglichen – oder ja vielleicht gefährlich naheliegenden – Spagat zwischen Andrew Lloyd Webber und Bubblegum-Pop, so nostalgisch wie durchgedreht. Kurz darauf ging Meat Loaf auf Welttournee. Er hatte so lange darauf gewartet, nun genoss er in vollen Zügen. Er stürzte sich in die Konzerte, inszenierte in Rüschenhemd und Bratenrock Rock’n’Roll als Rokoko. Die Rock-Kritik überschlug sich. „Ein Libretto, das wirkt , als wäre es mit Clearasilstift auf den Badezimmerspiegel geschrieben worden“, so etwa der Rolling Stone. Und so war es – so großartig.

Seitdem blieben die Lebenswege von Aday und Steinman, auf gerade unheimliche Art und Weise und beinahe bis ans Ende, miteinander verknüpft – nur zusammen konnten die beiden wirklich große Erfolge feiern. Vor allem der Sänger wurde immer wieder arg gebeutelt. Schon 1976 wurde das Broadway-Musical „Rockabye Hamlet“, das nicht zuletzt auf Meat Loafs neue Popularität setzte, nach nur sieben Vorstellungen wieder abgesetzt. So ging es weiter: Drogen und Alkohol und exzessives Touren ruinierten zwischenzeitlich seine Stimme, er kämpfte mit Depressionen, wurde von ehemaligen Managern verklagt und trennte sich von Steinman. Dieser arbeitete dennoch an „Bad For Good“ und sang die Songs schließlich selbst. Meat Loaf kam zurück und veröffentlichte 1981 „Dead Ringer“. Zwar kannte ihn nahezu jeder, aber die Platte verkaufte ein Hundertstel von „Bat Out Of Hell“. Und „Midnight At The Lost And Found“ verkaufte 1983 noch weniger. Im Jahr darauf erschien „Bad Attitude“, die Plattenfirma trennte sich von Meat Loaf, er wurde alkoholsüchtig und erlitt einen Nervenzusammenbruch. Und kehrte zurück. „Blind Before I Stop“ ließ er 1986 von dem Boney-M.-Magier Frank Farian (!) produzieren. „Frank hat einige komische Sachen mit den Songs gemacht“, sagte er später (und drückte sich damit wohl noch diplomatisch aus). Die beinahe logische Folge: Meat Loaf verschwand einmal mehr aus der Öffentlichkeit.

Der Erfolg als Musiker kehrte erst zurück, als er sich mit Steinman versöhnte, das kongeniale Gespann die alte Erfolgsformel reaktivierte und als Team an einer Platte arbeitete, die 1993 das potentiell größte Comeback nach Elvis Presley auslöste. „Bat Out Of Hell II: Back Into Hell“ reproduzierte allen Bombast und allen Kitsch des ersten Albums, wurde noch im selben Jahr Nummer Eins nicht nur in den USA, sondern in allen wichtigen Märkten, auch in Deutschland. Vor allem Stücke wie „I’d Do Anything For Love (But I Won’t Do That)“ setzten in Punkto bombastische Rock-Ballade neue Maßstäbe und, ganz nebenbei, ein Denkmal für den Songtitel mit Klammer.

Abseits des Rock-Zirkus fand Aday ein zweites Standbein als Schauspieler, spielte etwa einen Busfahrer in dem Film der Spice Girls, hatte einen Auftritt als „Tiny“ in Mike Myers Kultfilm „Wayne’s World“ und später eine denkwürdige Rolle als Teil der Therapie-/Terroristengruppe in David Finchers „Fight Club“, war zudem in kleineren Rollen von TV-Serien wie „Monk“, „Dr. House“ oder „Glee“ und insgesamt in mehr als 65 (!) Filmen zu sehen. So wundert es kaum, dass er von sich selbst meinte, dass er eigentlich eher Schauspieler als Sänger sei. Auch aus gutem Grund schien dieser zweite Karriereweg gar nicht mal unklug, denn Meat Loafs Platten gingen – erneut – nur noch mäßig gen Decke (und schon gar nicht mehr durch selbige).

Vor allem nach der Jahrtausendwende forderten das jahrelange Tourleben und sein früherer Lebenswandel zunehmend ihren Tribut. So musste Meat Loaf immer wieder Konzerte abbrechen, brach etwa im Jahr 2003 bei einer Show in der Wembley-Arena zusammen. Er wurde am Herzen operiert, man diagnostizierte das Parkinson-Syndrom. Große, Rockstar-gerechte Welttourneen konnte Meat Loaf nicht mehr unternehmen. Bei einem Interview vor einigen Jahren waren Fragen zum Gesundheitszustand ebenso tabu wie zur US-Politik, in der sich Aday für die Republikaner engagierte – auch wenn er sich nur einmal offen für Donald Trump aussprach, in dessen Casting-Show „The Apprentice“ er aufgetreten war. „Mich interessiert die Perspektive eines 68-Jährigen nicht“, sagte der damals 68-Jährige, „lassen Sie mich damit bloß in Ruhe.“

Dem Motto „The show musst go on“ blieb er dennoch treu, denn trotz seiner Vielzahl an gesundheitlichen Problemen arbeitete Meat Loaf weiter. Er sang mit einem Philharmonieorchester, der natürliche Klangkörper für seine Songs, und brachte 2006 „Bat Out Of Hell III: The Monster Is Loose“ heraus, geschrieben und arrangiert von Desmond Child und ihm selbst. Aber der Zauber hatte sich aufgelöst. Die „Last At Bat Farewell“ -Tournee 2013 war sein finaler Abschied von den größeren Bühnen. Er zog von Kalifornien in seine Heimat Texas zurück und arbeitete 2016 für „Braver Than We Are“ noch einmal mit Jim Steinman zusammen, bevor dieser im April 2021 verstarb.

Am gestrigen 20. Januar ist nun auch Marvin Lee Aday, der begnadete ewige Heldentenor der Rock’n’Roll-Operette, der Großmeister der überlebensgroßen Power-Ballade, der gar nicht so ein „Fleischberg“ war, wie es sein Künstlername und sein Image behaupteten, im Alter von 74 Jahren gestorben (wohlmöglich an den Folgen einer Corona-Infektion). Aber Meat Loaf, diese kraftstrotzende Kunstfigur voller althergebrachter – heute würden man vielleicht sogar meinen: toxischer – Männlichkeit, die dem Publikum auf übergroßen Bühnen so einige Larger-than-life-Inszenierungen, weit ausladende Gesten und bis ins Klischee überzeichneten Rockismus-Gefühle servierte, stirbt natürlich nie. In diesem Sinne: His name was Robert Paulson!

Rock and Roll.

Der Taktgeber der Rolling Stones – Charlie Watts ist tot.

Fast sechs Jahrzehnte saß er bei den Rolling Stones am Schlagzeug. Zwei Monate nach seinem 80. Geburtstag ist Charlie Watts – trotz des stolzen Alters etwas überraschend – heute gestorben.

Gerade erst hatte sich der taktgebende Elder Statesman des Rock’n’Roll gedanklich mit dem Ruhestand beschäftigt. „Ich weiß nicht, was die anderen denken, aber mich würde es nicht stören, wenn die Rolling Stones sagen würden, dass es das jetzt war“, sagte der Schlagzeuger anlässlich seines 80. Geburtstags im Juni diesen Jahres dem englischen „Guardian“. Allerdings, so räumte er ein, wisse er gar nicht, was er machen würde, wenn wirklich alles zu Ende sei.

So abrupt hatte sich der Schlagzeuger sein Ende bei den Rolling Stones jedoch keineswegs vorgestellt: Am 24. August 2021 ist Charlie Watts in einem Londoner Krankenhaus im Kreis seiner Familie gestorben. „Charlie war ein geschätzter Ehemann, Vater und Großvater und als Mitglied der Rolling Stones auch einer der größten Schlagzeuger seiner Generation“, teilte ein Sprecher mit.

Fast sechszig Jahre gab er bei einer der größten, erfolgreichsten und populärsten Bands der Musikgeschichte den Takt vor, war wohlmöglich sogar ihr Motor. Freilich mag dies recht hypothetisch sein, trotzdem lässt sich ohne einen Funken britischem Understatement behaupten, dass es die Rolling Stones ohne ihn wahrscheinlich schon längst nicht mehr gegeben hätte, schließlich gelang es ihm mit diplomatischem Fingerspitzengefühl im Laufe der Jahrzehnte immer wieder, die aufbrausenden Streithähne Mick Jagger und Keith Richards zur Räson zu bringen.

Charles Robert „Charlie“ Watts erblickte am 2. Juni 1941 in Kingsbury das Licht der Welt, einem heutigen Stadtteil im Norden Londons. Der Sohn eines Lastwagenfahrers studierte, nachdem er schon früh seine Liebe zu Jazz und Blues entdeckte und sich aus einem alten Banjo sein erstes Schlagzeug bastelte, zunächst Kunst und Grafik und stieg in seiner Freizeit als Drummer in Alexis Korners Band Blues Incorporated ein. Ebendort spielten auch ein gewisser Michael Philip „Mick“ Jagger und der 1969 verstorbene Gitarrist Brian Jones, die 1962 die Rolling Stones mitgründeten. Nur ein Jahr später schmiss Watts seinen Job als Grafiker, als Keith Richards ihn unbedingt als Schlagzeuger in der Band haben wollte. Die Entscheidung machte sich bezahlt – musikalisch wie finanziell. Die Stones hätten eben das Glück und das Geld gehabt, viel Zeit im Studio verbringen zu können, sagte er dem britischen „Telegraph“ ein halbes Jahrhundert später – und sie hätten daher viel ausprobieren können. Nach anfänglichen Erfolgen mit Coverversionen in Großbritannien und den Vereinigten Staaten erlangte die Band mit Hits aus der Feder von Mick Jagger und Keith Richards wie „(I Can’t Get No) Satisfaction„, „Get Off Of My Cloud“ oder „Paint It, Black“ sowie Alben wie „Aftermath“ oder „Exile On Main St.“ weltweiten Ruhm. Der Rest? Ist längst Rockgeschichte.

Watts mag zwar nach Jagger und Richards das dienstälteste Mitglied der Rolling Stones gewesen sein, war dabei jedoch der oft unterschätze Mann im Hintergrund, der „Stoiker hinter Keith und Mick„, der seinen Bandkollegen mit reichlich cooler Eleganz, britischem Understatement und knochentrockenen Beats die großen Bühnen überließ. „Charlie Watts gibt mir die Freiheit, auf der Bühne fliegen zu können“, meinte der ungleich exzentrischere Gitarrist Keith Richards einmal.

(Im Mittelpunkt stand der zurückhaltende Drummer selten – hier tat er es im Kreise seiner Bandkollegen im Jahr 1967)

Watts galt als wortkarg und solide, seine Alkohol- und Drogensucht hatte der einst starke Raucher schon in den 1980er-Jahren überwunden. Während viele Rockstars – und mitunter auch seine Bandkollegen – eher durch einen unsteten Lebenswandel Schlagzeilen machten, war der Drummer seit 1964 glücklich mit Shirley Ann Shepherd verheiratet. Die beiden lebten zurückgezogen auf dem Land, wo Watts Vollblutaraber züchtete.

Charlie Watts stand für all das, was nicht zum ursprünglichen, wahlweise wilden und rüpelhaften Image der Rolling Stones passte. Er bevorzugte Anzüge und liebte Jazz – ironischerweise genau jene Musikrichtung, gegen die die Stones am Anfang ihrer Karriere aufbegehrt hatten. Wenn er nicht mit Mick Jagger, Keith Richards und Ron Wood auf Tour oder (zuletzt immer seltener) im Studio war, spielte er Schlagzeug in seiner eigenen Jazz-Band. Dort fühlte er sich wohler als im Scheinwerferlicht (das er demnach lieber Jagger und Richards überließ), minutenlange Standing Ovations waren ihm unangenehm.

Gemeinsam mit den Stones zog Charlie Watts 1989 in die „Rock ’n‘ Roll Hall of Fame“ ein, das Magazin „Rolling Stone“ (das sich seinerzeit wohl nicht ohne Grund nach seiner Band benannte) wählte ihn schon vor einigen Jahren auf seiner Liste der „besten Schlagzeuger aller Zeiten“ auf Platz zwölf. 2004 erhielt er die Diagnose Kehlkopfkrebs, besiegte die Krankheit aber mit zwei Operationen, um schon im Jahr darauf wieder mit den Stones auf Welttournee zu gehen.

Nachdem er sich in diesem Jahr einer Operation unterziehen musste, hatte Charlie Watts seine Teilnahme an der für kommenden September geplanten US-Tour der Rolling Stones abgesagt. Seinerzeit hieß es, Watts habe eine medizinische Behandlung hinter sich (zu dessen Hintergrund der Sprecher keinerlei Angaben machte), weshalb es „unwahrscheinlich“ sei, dass er für diese Konzerte zur Verfügung stehe. Nun hat der Taktgeber, die „Herzmaschine„ der dienstältesten Rockband der Welt seine irdischen Drumsticks für immer zur Seite gelegt… Mach’s gut, Charlie Watts!

(Hier findet man etwa einen Nachruf des deutschen „Rolling Stone“, hier einen vom „Musikexpress“…)

Rock and Roll.