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Song des Tages: J.E. Sunde – „Sunset Strip“


Alle paar Jahre wirkt es, als tauche ein – zumindest für die größere Masse – neues Gesicht auf dem musikalischen Radar auf, das irgendwie aus der Zeit gefallen zu sein scheint – und das mal eben die Musiklandschaft ein bisschen umpflügt. Oder von dem man genau das zumindest annehmen würde. Immer wieder spannend zu sehen, wie sich ein gewisser Name an einer Stelle plötzlich als Samenkorn einnistet, das nach und nach an allen möglichen Stellen Früchte trägt. Tobias Jesso Jr. wäre so einer, der da schnell aufploppen könnte im Töne sammelnden Erinnerungszentrum des Gehirns: Dessen Debütalbum „Goon“ sorgte anno 2015 bei der Kritik für nahezu einhellig-aufgeregtes Freudengezwitscher und landete schließlich auch bei ANEWFRIENDs Jahresendabrechnung völlig verdient in den Top 10. Das lag einerseits sicher an seinem nicht von der Hand zu weisenden Talent, doch noch mehr irgendwie daran, dass der damals 29-Jährige Musik machte, die klang, als sei er gerade ein paar Tage vorher vierzig Jahre durch die Zeit gereist. Jesso Jr. wurde der Rummel um seine Person jedoch schnell zu viel – aus dem einstigen „Next Big Thing“ wurde aber immerhin ein verlässlicher Songwriter und Produzent für Kollegen wie Haim, Florence and the Machine oder auch Emma Louise.

Und nun? Nun steht mit J.E. Sunde der nächste potentielle Zeitreisende in den Startlöchern. Der Unterschied? Während bei Tobias Jesso Jr. stets das kleine Holzhämmerchen mitzuschwingen schien, das darauf hinwies, dass es sich hier doch bitteschön um einen ernstzunehmenden Musiker™ handelt, ist die ganze Angelegenheit bei Sunde durchaus humoriger. Lustig wirkt er, der Mann aus Minneapolis. Zwar mag der Brillenträger mit seinem Äußeren zunächst nach akademischem Spießer aussehen und daher in etwa so viel Rock’n’Roll-Glamour ausstrahlen wie Omas olle Klohäkelrollen, dennoch scheint er sympathisch. Lachen sollte man über das Gründungsmitglied des Folk-Trios The Daredevil Christopher Wright trotzdem nicht. Ihm jedoch mit einem verschmitzt-wohligen Lächeln zu begegnen, dürfte angesichts seines neuen, dritten Albums „9 Songs About Love“ wohl gar nicht mal so schwer sein. Gemeinsam mit seinem Kumpel und Produzenten Brian Joseph, der in der Vergangenheit bereits mit solchen Größen wie Bon Iver, Sufjan Stevens oder Paul Simon zusammengearbeitet hat, nahm er die Platte in den Eau-Claire-Studios auf und dürfte nun sogar bei all jenen das Herz erweichen, die sich längst von der doofen alten Liebe abgewandt haben wollten…

“I wrestled with this real sense that I’m not worthy, that I had done something to screw up my chance to find a partner or happiness. It could be embarrassing and confusing.

I’ve started to realize more and more that, if I’m feeling this way, lots of people are I’m not so unique that these thoughts are new to me. And that’s the service of art: When you hear that lyric that hits a bell inside you, you say, ‘Oh, that’s me.’ Everybody is strange and confused and waiting by the phone, waiting to be invited by the party. I hope these songs pick up the phone and extend the invitation to help.” (J.E. Sunde)

Ein bisschen folkig, ein bisschen poppig, sehr Westcoast-Sound- und Sixties-lastig, stets warm und bei sich selbst: „9 Songs About Love“ ist, obwohl es ja ursprünglich aus einer waschechten Schaffens- und Existenzkrise entstand, die den Musiker kurz nach Überschreiten der ominösen Dreißig befiel, ein Album voller kleiner Umarmungen, Muntermacher und Trösterchen. Schon der wunderbar samtige Opener „Sunset Strip„, der bereits in den ersten Sekunden auf einen harmonischen „Uuuuh“-Chor setzt, weiß zu überzeugen: Hier schwingt weder ein anderer Holzhammer, noch winkt einer mit dem Zaunpfahl, stattdessen gibt es eine Song gewordene warme Einladung zum entspannten Zusammensein. Ungleich ausgelassener wird es in „Love Gone To Seed„, dessen Titel sicher die schnell einsetzende Verzückung hinsichtlich dieses Künstlers beschreibt, während „I Don’t Care To Dance“ derart nach Paul Simon klingt, dass Art Garfunkel wahrscheinlich gerade irgendwo auf der Welt mit Schaum vorm Mund ins nächste Krankenhaus tigert, um sich vorsorglich gegen Tollwut impfen zu lassen.

All das ist aber nichts gegen das wirklich hervorzuhebende beeindruckende letzte Drittel dieses Albums, denn: Die Dreierspitze zum Schluss hat es in sich. Gar nicht so sehr unbedingt, weil diese jetzt auf besonders viele Überraschungsmomente setzen würde (das tut sie nicht) oder weil es plötzlich einen Stimmungsumbruch gäbe (den braucht es nicht). Sondern etwa, weil „Your Love Leaves A Mark On Me“ mit seiner absolut glaubhaften Naturverbundenheit und dem sanften Bläsereinsatz zeigt, dass J.E. Sunde gar keine Special Effects braucht, um vollkommen zu überzeugen. Oder auch, weil die Lagerfeuer-Kuschel-Nummer „I Love You, You’re My Friend“ schon im Titel genau das ausspricht, was man nach dieser reichlichen halben Stunde voll heiterer Gelassenheit, nachdenklicher Noten und verspielter Leichtigkeit zu dem Künstler sagen möchte. Vor allem aber auch, weil „Risk“ wohl locker zu den besten Songs gehört, die das Genre in diesem Jahr hervorgebracht hat. Glaubt ihr nicht? Ja denn, liebe Freunde von distinguierten Songschreibern wie Randy Newman, Jonathan Richman, Jackson Browne oder Harry Nilsson: Hören, bitte. It’s worth the risk, versprochen!

Rock and Roll.

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Song des Tages: A Burial At Sea – „D’Accord“


Der Sound von A Burial At Sea, einer fünf Köpfe zählenden, im englischen Liverpool ansässigen Experimental-Post-Rock-Band, ist kräftig, wuchtig, dennoch filigran – und liefert zu der im Genre freilich absolut obligatorischen postrockigen Wand auch noch eine Mini-Zwei-Mann-Horn-Sektion inklusive Trompete on top, was man selbst in diesem Kosmos dann schon als besonders, ja beinahe einzigartig bezeichnen könnte.

Das Ganze klingt auf dem dieser Tage erschienenen selbstbetitelten Debütalbum dann in der Tat auch hin und wieder ganz schön jazzy, bevor die ordentlich aus Feedback erbaute Rock-Wand erneut einstürzt oder auch mal ein amtlicher Blast-Beat losbricht. Abgefahrene Mischung, die die Band selbst als „trumpet rock“, „trumpet core“ oder auch “post-rock mariachi” bezeichnet. Und in der Tat ist auf dem galant zwischen bombastisch und filigran changierenden, hochmelodiösen Nachfolger zur 2017 veröffentlichten Debüt-EP „…And The Sum Of Its Parts“ irgendwie verdammt viel und (fast) alles drin, sodass die Spannweite von experimentellem Post-Rock über Math-Rock bis hin zu fesselnden Hardcore-Punk-Einlagen reicht.

Einen ersten Eindruck vom Rest des Albums (welcher bei einem Recht hat vielfältigen Soundgewand wie dem von A Burial At Sea auch täuschen mag) kann man sich anhand des Musikvideos, für das sich Jen Baranick verantwortlich zeichnet, verschaffen:

Rock and Roll.

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Song des Tages: Beans On Toast – „The Album Of The Day“


Bohnen auf Toast – so lässt sich der Name des Politfolk-Projekts von Jay McAllister aus Braintee in der englischen Region Essex übersetzen. Das hört sich nach einer augenzwinkernden Anspielung auf allerlei merkwürdige englische Essgewohnheiten an – und seine „Englishness“ will McAllister auch zu keiner Zeit verbergen. Dennoch ist das kreative Schaffen des 39-jährigen Indie-Musikers deutlich spannender als jedes Kochbuch von Jamie Oliver oder eine Einladung zum Afternoon Tea mit der Queen…

Denn Jay „Beans On Toast“ McAllister ist – so es denn stattfindet – seit 2007 nicht nur Stammgast auf den Bühnen des altehrwürdigen Glastonbury Festivals, sondern veröffentlicht bereits seit 2009 – und nicht ganz ohne Grund jeweils pünktlich zu seinem Geburtstag am 1. Dezember – ein neues Album. Die darauf enthaltenen Songs sortieren sich musikalisch irgendwo zwischen dem englischen Singer/Songwriter-Urgestein Billy Bragg, Punkrock-Klampfer Frank Turner oder dem hierzulande zu unrecht noch immer sträflichst unbekannten Will Varley ein, während McAllister darin seine Gedanken zum Zustand der Welt da draußen vom Stapel lässt. Fast schon logisch, dass die Ergebnisse da nicht immer zu fröhlichen Hipp-Hipp-Hurra-Liedern geraten, wenn der Politfolker mit wachen Augen auf diese oft genug eigenartige Welt blickt und somit klare Kante gegen korrupte Brexit-Politiker, Umweltverschmutzung, Rassismus, Homophobie oder soziale Missstände bezieht – nur tut er das nie als oberlehrerhafter Agitator wie etwa einer wie Rage Against The Machine-Fronter Zack de la Rocha, sondern stets mit einer Menge Humor und herzlichem Hintersinn. Wie das klingt? Im besten Fall hintersinnig und humorig wie „Alexa“ (vom 2018 erschienenen „A Bird In The Hand„) oder toll und bewegend wie etwa „Jamie & Lilly“ (vom 2017er Album „Cushty„), in dem sich der Beans On Toast‚ler nicht nur für gleichgeschlechtliche Beziehungen, sondern auch für soziale Gerechtigkeit stark macht.

Da kreativer Stillstand und Eigenbrötlerei keineswegs die Dinge von Jay McAllister, der 2018 mit „Drunk Folk Stories“ außerdem einen eigenen Kurzgeschichtenband veröffentlicht hat, zu sein scheinen, hat er über die Jahre mal hier, mal da am Beans On Toast’schen Klangbild geschraubt. So musste seine angestammte Akustikgitarre etwa 2016 auf dem Album „A Spammer In The Works“ Keyboard-Tasten und Laptop-Beats weichen, für das im vergangenen Jahr veröffentlichte elfte Werk „The Inevitable Train Wreck“ werkelte er mit Lewis und Kitty Durham von der Band Kitty, Daisy & Lewis an einem komplett analog aufgenommenen, fast schon nostalgischen Rock’n’Roll-Sound.

Und in diesem Jahr? Nun, anlässlich seines 40. Geburtstags lässt sich McAllister nicht lumpen und spendiert mit „Knee Deep In Nostalgia“ und „The Unforseeable Future“ gleich zwei neue Werke. Während er für ersteres keinen Geringeren als seinen Musik-Buddy Frank Turner als Produzent und Mitmusiker gewinnen konnte (was man wiederum Songs wie etwa „The Village Disco“ auch deutlich anhört), ist das zweite neue Album „a collection of songs written during and inspired by the 2020 shitshow and the worldwide pandemic. Recorded at home, solo. Five songs that are already released and five unheard songs.“

Dass Jay McAllister, dieser nimmermüde Protestfolker mit all seinen gewitzten-zeitgeistigen Zeilen und dem Herzen am besten aller Flecke, auch diesem für Künstler recht beschissenen Jahr 2020 ein paar gute Seiten abgewinnen konnte, beweist ein Song wie „The Album Of The Day“ (von „Knee Deep In Nostagia“), in welchem er von einem Tag mit seiner kleinen Tochter Wren erzählt und wie beide durch Kinderaugen und -ohren nicht nur die große, so verrückte Welt (neu) entdecken, sondern freilich auch Daddys Plattensammlung, „because the real world comes with album tracks.” 

Klare Sache: Jay McAllister bleibt auch mit den kommenden beiden Alben einer von Englands tollsten musikalischen Geschichtenerzählern (und wer Beans On Toast bisher verpasst hat, kann das Versäumte etwa auf Bandcamp nachholen). ❤️

Rock and Roll.

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Song des Tages: KARLSSON – „Hundeleben“


Jaja, die schnöde Tapete – ob historisch abgetragen, raufaserig vermodert, frisch mit Alpina Weiß überstrichen, ob zugekleistert mit romantischen Sonnenuntergangs-Postkartenerinnerungen, mit Konzerttickets aus früheren Tagen, mit Fussball- und Metal-Postern oder mit schick gerahmter Urban-Fotografie stylisch-geschmackvoll geschmückt: Nichts ist dem Bundesspießbürger – gerade in Quarantäneverordnungzeiten – so nah wie die eigenen vier Wände, jener Rückzugsort im „Rauhfaseridyll„, wie KARLSSON aus Köln ihn umschreiben. Sinnbildlich steht die stumme Wandverkleidung hier, wie bei schon etlichen Vertretern des Punkrock-Genres zuvor (man denke etwa an Jupiter Jones‘ „Entweder geht diese scheußliche Tapete – oder ich.„), für den gefühlten Stillstand – aber auch für all die Umwälzungen psychischer und sozialer Natur, denen man im drögen Alltagsgrau ausgesetzt ist, und die man am Ende doch meist ähnlich stoisch hinnimmt. Wahrlich eigenständig oder bahnbrechend neu mag diese Metapher im Kontext sozialkritischer wie befindlichkeitsorientierter Themen keineswegs sein, aber das 2013 gegründete Vierergespann aus Kilian (Gesang, Bass), Tobi (Gitarre, Gesang), Marius (Gitarre) und Lukas (Schlagzeug) kommt wohl recht gut damit klar, einfach „nur“ eine weitere Band zu sein, die einem fein durchdachten deutschsprachigen Indie-Punk mit schwerem Herzen, pochendem Hirn und ordentlich Wut im Bauch um die Ohren bläst.

Nachdem KARLSSON 2016 zunächst mit ihrer „Autohauseröffnung EP„, welche wiederum eine feine Coverversion des Schreng Schreng & La La-Songs „Plastik Fressen“ enthielt (für das die Band obendrein sogar deren Frontmann Jörkk Mechenbier am Gast-Mikro gewinnen konnten), für ein kleines Szene-Ausrufezeichen sorgen konnten, hört man ebenjene Unaufgeregtheit ihrem bereits im Februar 2019 erschienenem Debütalbum auch an – im positivsten Sinne. Der eingängige Opener „Südafrika“ etwa hüpft innerhalb von dreieinhalb Minuten gleichsam hektisch wie aufgewühlt von wachsendem Hass und Bitterkeit im Land hin zur Persönlichkeitskrise, und dann mal eben um die Welt – auch eine Art Rückzug aus der vor lauter Zweifel und Unverständnis überquellenden heimischen Komfortblase. Die Gitarren rau wie der vertrocknete Acker und das Szenario nochmal ein Stück destruktiver, beobachten KARLSSON im kräftigen Midtempo-Rocker „Schwule Könige“ Menschen auf irgendeinem gottverdammten westfälischen Schützenfest, die stolz ihrer Tradition nachgehen: „Das Gewehr an der Schulter / Symbol für ihren Frieden / Alles auf Anfang.“ Dabei verurteilt die Band nicht per se (freilich mit Ausnahme der offen nationalistischen und homophoben Aura solcher tumb-bierseligen Festivitäten), sondern hinterfragen vielmehr, wie Menschen sich ihr individuelles Selbstbild konstruieren, und dieses in der heute deftig aufgeladenen sozialen Atmosphäre nicht selten bis aufs Messer verteidigen.

Ebenso traditionell wie des Deutschen Bier und Bratwurst sind kleine, aber feine Punkrock-Hymnen wie „Der alte Boxer“ die eigenen musikalischen Happen der vier Rheinländer. Songs, zu denen es sich wunderbar alleine gegen die dämliche Raufasertapete, aber auch mit Freunden bei einem bis acht Bier in die Welt hinaus schreien lässt. Doch KARLSSON können nicht nur polternd-punkiges Schema F, sondern lassen immer mal Luft an ihr Songwriting. Dabei schrecken sie nicht vor sehnsuchtsvoll nach vorn preschenden Alternative-Rock- oder Post-Hardcore-Anleihen à la Taking Back Sunday oder Thursday sowie ruhigen, in sich gekehrten Momenten zurück, wie „Hundeleben“ oder „Deine letzten Jahre“ als dramaturgisch fein gestrickte, an alte Jupiter Jones erinnernde melancholische Stücke zeigen. „Hey Belane“ greift dann nicht nicht nur den Bordstein als Bild auf, sondern fügt sich auch soundtechnisch ziemlich nah an die von Muff Potter um die Jahrtausendwende verlegten Pflastersteine. Und dürfte man nur einen einzigen Satz zum Wesen dieser Platte stricken, landet man vielleicht wieder bei Thorsten „Nagel“ Nagelschmidt und Co. sowie der altbekannten Frage, die auch die aktuelle Generation Emopunk irgendwo zwischen Captain Planet oder Matula wohl kaum ganz auflösen wird: „Ist das hier, was man Leben nennt / Oder nur die Gegend, die man kennt?“ Und das darf nun wirklich und ausdrücklich als Lob verstanden werden.

Rock and Roll.

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Kristofer Åströms „Hard Times“ – eine Hommage an den Alltag, eine Hommage an den Herzschmerz


Schwedens seit Jahr und Tag bestem, tollstem und (zumindest in meinem Hörerherzen) größtem Singer/Songwriter Kristofer Åström kann man nach beinahe drei Jahrzehnten als Musiker freilich nichts mehr vormachen, schließlich hat der ehemalige Fireside-Frontmann mit Album-Großtaten wie „Northern Blues„, „Leaving Songs„, „Loupita“ oder „So Much For Staying Alive“ den melancholischen Lonesome-Scandinavian-Cowboy-Folk mit all seinen herrlichen Schlenkern in Richtung Americana und Alt.Country längst und bis ins blutende Herzensmark für sich durchdekliniert. Und wenn der 46-jährige nordische Troubadour aus dem nordschwedischen Luleå seinen zehnten Solo-Langspieler „Hard Times“ nennt, geht es natürlich nicht um die verrückte Welt da draußen (schließlich entstanden die acht Stücke vor Corona), sondern einmal mehr um das Hadern mit der ollen Liebe.

Denn egal ob im Pop oder Folk – mit dem Liebeskummer ist es so eine Sache. Unzählige Male schon wurde in emotional-melancholischen Songs gelitten, getrauert, geschimpft. Aber genauso wie es weiterhin Liebeskummer geben wird, werden auch weiterhin Lieder darüber geschrieben – selten allerdings so überzeugend wie vom schwedischen Musiker mit dem markant zartdunklen Schmelz in der Stimme. Er wolle nicht der Notnagel sein, der einfach nur bis zur nächsten richtigen Beziehung gut genug ist, singt Åström schon im herausragenden Opener „Inbetweener„. Vor allem das Schlagzeug verleiht dem Stück dabei den nötigen Nachdruck. Und in „In The Daylight“ erinnert er sich an den 16-jährigen Kristofer, der am verabredeten Ort vergeblich auf sein Date wartet: „I hope that you can live with the scar that you gave me“. Ja, in unseren derzeitigen „Hard Times“ ist es natürlich ein willkommener Luxus, die Realitätsflucht in den Liebeskummer anzutreten zu können…

Nachdem Åström zuletzt – das jüngste Werk „The Story Of A Heart’s Decay“ erschien vor fünf Jahren – meist allein mit seiner Akustischen zu hören war, holte er sich für einige Songs von „Hard Times“ wieder seine vertraute Band ins Studio irgendwo im schwedischen Niemandsland, in den Wäldern von Värmland. So wechseln sich hier rein akustische und bandbegleitete Songs ab. Das Ergebnis ist auch ein klein wenig eine Reise zurück zu Åströms musikalischen (Solo-)Anfängen, weiß jedoch trotz der unterschiedlichen Dynamik immer zu berühren.

„Though the music on ‚Hard Time’s is not Country, it certainly has the feeling of it…“ (Kristofer Åström)


Er fand, die Songs bräuchten eine Band, wie der Singer/Songwriter in einem Interview erzählt. Diese Band habe er mit ein paar Freunden zusammengestellt, seitdem tourten und spielten sie zusammen. „Wir haben auch das vorherige Album ‚The Story Of A Heart’s Decay‘ zusammen aufgenommen. Deshalb wollte ich unbedingt, dass die ganze Band auch diesmal dabei ist. Aber es gibt ein paar Songs auf dem Album nur mit mir und einer Akustikgitarre.“

Unterstützung holte sich Kristofer Åström für dieses Album jedoch nicht nur von seinen Band-Buddies, sondern einmal mehr auch von Britta Persson, ihres Zeichens eine der besten und bekanntesten Indie-Folk-Musikerinnen Schwedens, die bereits vor etwa 15 Jahren im famosen „The Wild“ (vom Album „Loupita“) stimmlich aushalf. Dieses Mal singen die beiden im feinen „Another Love“ von der Hilflosigkeit, in die man verfällt, wenn sich der Partner in jemand anderen verliebt. “The sun don’t shine on me and the night won’t leave me be…” – Den Schmerz in ihren Stimmen kann man dabei fast spüren. (Sorgen muss man sich um den Musiker trotzdem nicht machen, wie etwa „Michelle“, welches zunächst lediglich auf einer dem Album beiliegenden limitierten Bonus-Vinyl erscheint, beweist. Dieser Song trägt den Namen seiner Frau, Åström spielte ihn bei ihrer Trauung.)

Während in den gut vierzig Minuten, wie im knapp achtminütigen, dezent an Neil Young gemahnenden Psychedelic-Abschluss „Night Owl„, ein ums andere Mal Verweise auf frühe Solo-Großtaten anklingen (da kann der Singer/Songwriter noch so oft dementieren, mit dem Album nicht wie früher klingen zu wollen), scheint der Albumtitel „Hard Times“ wie gemacht für eine Kurzzusammenfassung der vergangenen neun Monate. Doch Kristofer Åström versichert, dass der Titel bereits weit vor Corona feststand. Vielmehr habe er sich von dem amerikanischen Folksong-Klassiker „Hard Times Come Again No More“ inspirieren lassen: „Zuerst wollte ich das Album ‚Hard Times Come Again No More‘ nennen – als eine Art Anspielung auf den tagtäglichen Kampf, den jeder von uns durchmacht“, so Åström. „Und wenn ich mich umsehe und mit Freunden und auch anderen Menschen spreche, die ich treffe, merke ich: Jeder kämpft jeden Tag. Dieses Album ist also eine Art Hommage an den Alltag.“

Fakt ist: die Zeit gerade – und vor allem im nasskalt-trüben Herbst und Winter – ist an vielen Tagen für nicht wenige von uns verdammt beschissen, und für die meisten echt hart. Und deshalb sind Alben wie „Hard Times“ wie eine unverhoffte Begegnung mit einem lieb gewonnen Freund, den man zu lange aus den Augen verloren hat: eine nur allzu willkommene Fluchtmöglichkeit.

Hier kann man das Album in Gänze streamen:

…und eine Demo-Version des Openers „Inbetweener“ hören:

Rock and Roll.

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Songs des Tages: Eddie Vedder – „Matter Of Time“ + „Say Hi“


Zwar mögen auch bei Pearl Jam aktuell alle Tour-Pläne zum im März erschienenen Album „Gigaton“ auf Eis liegen (beziehungsweise zunächst auf 2021 verschoben sein). Untätig sind die US-Grunge-Rock-Veteranen aus Seattle jedoch keineswegs und halten sich derzeit – notgedrungen – mit anderen Projekten beschäftigt. So bringt Stone Gossard, die eine Gitarren-Hälfte der Band, in wenigen Tagen das selbstbetitelte Debütalbum seines Nebenprojektes Painted Shield raus, während sich etwa Mike McCready, die andere gitarrenschwingende Hälfte, in den vergangenen Monaten mit so einigen Jams an der Seite von Künstlerinnen wie Brandi Carlile sowie karitativen Beiträgen oder dem Protest für „Black Lives Matter“ die Langeweile vom Leib hielt.

Und Frontmann Eddie Vedder? Nun, der hat unlängst die beiden neuen Solo-Songs „Matter Of Time“ und „Say Hi“ veröffentlicht. Diese stellte er ihm Rahmen des „Venture Into Cures„-Livestreams vor, einer von Vedder und seiner Frau Jill unterstützten Benefiz-Veranstaltung für an Epidermolysis Bullosa erkrankte Kinder und ihre Familien. Organisiert wurde das Event, zu dem auch Musiker*innen, Schauspieler*innen und TV-Persönlichkeiten wie Billie Eilish, Alessia Cara, Bradley Cooper, Laura Dern oder Jimmy Kimmel ihren Teil beisteuerten, von der Non-Profit-Spenden-Organisation „EB Research Partnership“ (EBRP), die 2010 von Jill und Eddie Vedder sowie betroffenen Eltern gegründet wurde. Zusätzlich kamen Betroffene und Familien von Betroffenen zu Wort, die von ihrem Leben mit Epidermolysis Bullosa berichteten. Weltweit leiden etwa 500.000 Menschen an der Krankheit, für die es bisher weder eine Heilung noch eine Therapie gibt. „Ed und ich sind unglaublich dankbar für jede einzelne Person, die uns bei ‚Venture For Cures‘ unterstützt hat“, so Jill in einem offiziellen Statement, „EBRPs Mission ist es, eine Heilung für Epidermolysis Bullosa zu finden und dieses Event hilft uns dabei, diesem Ziel ein Stück näher zu kommen.“

So handelt „Matter Of Time“ von der angeborenen Krankheit, die die Haut an vielen Stellen extrem empfindlich macht und große Schmerzen verursacht – die Erkrankten werden deshalb oft „Schmetterlingskinder“ genannt, weil sie so empfindlich sind wie ein Schmetterlingsflügel. „Say Hi“ dagegen handelt von Eli, einem Jungen mit Epidermolysis Bullosa, der zusammen mit Vedder im vergangenen Jahr um mehr Aufmerksamkeit für die Krankheit warb – zu sehen im Clip weiter unten. Vedder hatte das Stück zwar schon öfter live performt, aber nie offiziell veröffentlicht. Beide Songs sollen nach ihrem digitalen Release im kommenden Jahr auch auf Seven-Inch erscheinen.

Rock and Roll.

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