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Song des Tages: The Lazy Susans – „R U OK?“


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Ein weiser Mensch sagte einmal, dass man Songs, die einen vom ersten Moment an gefangen nehmen, bis man völlig in ihnen aufgegangen und eins mit jedem Ton, jeder Sekunde geworden ist, festhalten, bewahren und für immer nah am Hörerherzen tragen sollte. Denn Songs, die eine solche fast schon einzigartige Reaktion in einem selbst hervorrufen, sind dazu bestimmt, geschätzt und weitergetragen zu werden und stellen eine der wenigen gleichsam direkten wie einfachen Freuden dar, die uns alle daran erinnern, wie gut es sich anfühlt, zu leben…

Ohne jetzt gleich ins Pastorale zu verfallen: Nicht wenige Musik-Geeks werden im vergangenen Sommer ein recht ähnliches Gefühl gehabt haben, als sie einen Song hörten, bei dem sie dieses vertraute Ziehen in und dieses Kribbeln auf der Haut spürten. Bei dem ihnen im ersten Moment die Worte fehlten, um zu erklären, warum er eine solche Wirkung auf sie hatte. Warum sie sich innerhalb weniger Augenblicke so sehr mit jenem Stück verwoben fühlten, das ihnen drei Minuten zuvor noch nichts bedeutet hatte. Und ebenjener Song war „R U OK?“, eine Single von The Lazy Susans.

a2364620560_16Was ein Bandname überhaupt… The Lazy Susans. Der hat wohl eher weniger etwas mit „einem drehbaren, im Allgemeinen kreisförmigen Tablett, das in der Tischmitte platziert wird, um das Bewegen der Speisen zu allen Gästen auf allen Seiten des Tisches zu erleichtern“ zu tun als mit der Tatsache, dass Frontfrau Antonia Susan (Gesang, Gitarre) und ihre Bandmates Kieren Turnbull (Gitarre), Wesley Reyes (Bass) und Ashlee Giblin (Schlagzeug) wohl einfach einen griffigen Bandnamen brauchten, der einerseits cool, andererseits jedoch auch slackermäßig genug war. Aaaaaand… that was it. Ihre Anfänge nahm die vierköpfige Band anno 2016 in den Blue Mountains Australiens, etwa eine Autostunde entfernt von Sydney (damals noch als Antonia & The Lazy Susans), und bevor sie ins wesentliche trubelhaftere Melbourne zogen, hatten sich The Lazy Susans bereits mit der „Closure EP“ und Songs, die ihre juvenilen Herzen allzeit auf der Zunge vor sich her trugen, einen Namen gemacht. Mit „Now That The Party’s Over“ haben die vier Emo-Indierocker im vergangenen August ihr Debütalbum veröffentlicht. Und es wäre doch gelacht, wenn von den oft genug recht persönlichen Geschichten lediglich ein paar nah am Tränensack geparkte Musik-Geeks Wind bekommen sollten…

Den Anfang macht gleich besagtes „R U OK?“, ein Song, der es einem mit seinen simplen Melodien und seinem ebenfalls einfachen, jedoch definitiv zu Herzen gehenden Zeilen leicht macht, sich an jenen Moment zurück zu erinnern, in dem man den Dreieinhalbminütiger zum ersten Mal hörte. An die Gänsehaut, die Antonia Susans Stimme bereits damals hervorrief. Aber auch an den Trost, das Verständnis dafür, dass jeder ab und an schwere Tage hat, an denen sich jeder Schritt wie unter Bleigewichten anfühlt. In die Kerbe „Coming of Age“ schlagen auch die nächsten Stücke, „Reaching Out“ und „If I Hurt You“, zweiteres gar mit bittersüß-sehnsüchtig ausgestreckten Armen, gen Firmament stürmenden Melodien und nahezu herzzerreißenden Zeilen wie „I don’t want you to think I’m a monster / Even though I am“ (ersteres trägt das Herz mit „Nobody ever told me how lonely being an adult would be“ kaum weniger leicht in der adoleszenten Brust). Mehr wild in selbiger Pochendes gefällig? Im bitteren Goodbye-Song „Nice Bones“ singt Susan „What gives you the right to say I’m wrong / When all I did was love someone different to you?“. Und auch das abschliessende „Joy“ erzählt davon, dass das Leben der Liebe manchmal in die Parade fährt: „Find what fills you with joy and hold on till you die / That’s the answer to having a good life“ (was anhand von das Stück eröffnenden Zeilen wie „I want you to know / I miss you more each day“ noch herzergreifender gerät).

Manch einer wird beim bewusst auf der guten Seite der Poppigkeit balancierenden Indie Rock des Melbourne-Vierers eventuell an eine Melange aus den Neunziger-Power-Alternative-Rock-Avancen von Everclear und der Direktheit einer jungen Courtney Love denken, wohl nicht wenige auch an Paramore (schließlich sind stimmliche Ähnlichkeiten zwischen deren Frontfrau Hayley Williams und Antonia Susan nur schwerlich zu überhören). Und dass die Australier ihrem musikalischen Nachwuchs irgendwelche Großartigkeitsvitaminchen ins Trinkwasser mischen, vermutet ANEWFRIEND aufgrund so vieler weiterer – und kaum weniger tollerBeispiele sowieso schon länger. Höchste Zeit also, dass noch mehr auf emotionalen Indie Rock geeichte Musik-Geeks Wind von The Lazy Susans bekommen, denn für Antonia Susan und ihre Bandmates hat die Party wohl gerade erst begonnen…

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„Waiting for time to pass, for your train to come, so you can head home
The cities filled with people are the loneliest of places, just looking for distraction but it’s just emotionless faces

Do you feel okay, my friend? I can see it in your face. That your peace of mind is slipping away

Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?

You light up a cigarette to try to ease the pain, it never goes away, it never goes away
Your lungs hurt because you self medicate twenty times a day
Do you feel comfort in empty spaces? Did you make it home? I hope you feel safe

Do you feel okay, my friend? I can see it in your face. That your peace of mind is slipping away

Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?
Is it okay to ask if you’re okay?

Your self, self destructive state
Your self destructive ways
Dear friend, I hope you’re okay“

 

Rock and Roll.

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Moment! Aufnahme.


Im Angesicht der Coronavirus-Pandemie hatten (und haben) viele Menschen die Chance, ihr Leben und die Menschen um sie herum neu zu bewerten. Schließlich ist es irgendwie immer leichter, Dinge schätzen zu lernen, wenn sie einem plötzlich weggenommen werden, auch wenn es nur vorübergehend ist, als sie wert zu schätzen, solange man sie noch hat. Daher ist es keine Überraschung, dass die meisten von uns heute mehr denn je nach menschlicher Nähe suchen und ganz neue Wege des Miteinanders finden, selbst wenn sie den Regeln des Social Distancing folgen.

Allerdings scheint es so, als wenn nicht nur Menschen in schweren Zeiten Trost in den Armen des anderen suchen. Dem Fotografen Tobias Baumgaertner etwa ist vor einigen Monaten eine einmalige Aufnahme von zwei verwitweten Pinguinen gelungen, die sich umarmen und trösten, während sie vom Stadtteil St. Kilda aus auf die Skyline von Melbourne blicken.

„In Zeiten wie diesen sind die wirklich Glücklichen diejenigen, die mit der Person oder den Menschen zusammen sein können, die sie am meisten lieben. Diesen Moment habe ich vor etwa einem Jahr festgehalten. Diese beiden Feenpinguine, die auf einem Felsen mit Blick auf die Skyline von Melbourne balancierten, standen dort stundenlang, Schwimmflosse an Schwimmflosse, und beobachteten die funkelnden Lichter der Skyline und des Ozeans. Ein Freiwilliger kam auf mich zu und erzählte mir, dass es sich bei dem Weißen um eine ältere Dame handelte, die ihren Partner verloren hatte, und offenbar auch das jüngere Männchen auf der linken Seite. Seitdem treffen sie sich regelmäßig, um sich gegenseitig zu trösten und stundenlang zusammenzustehen und die tanzenden Lichter der nahe gelegenen Stadt zu beobachten. Ich verbrachte 3 volle Nächte mit dieser Pinguinkolonie, bis ich dieses Bild schießen konnte. Angesichts der Tatsachen, dass ich keine Lichter benutzen konnte oder durfte, und der Winzigkeit der Pinguine, die sich ständig bewegen, sich gegenseitig die Flossen an ihren Rücken reiben und sich gegenseitig putzen, war es wirklich schwer, ein gutes Bild zu bekommen, aber ich hatte während eines schönen Momentes Glück. Ich hoffe, ihr genießt diesen Moment genauso wie ich“, schreibt Tobias Baumgaertner auf Instagram.

Weiter meint der passionierte Natur-Fotograf: „In der Art und Weise, wie diese beiden Turteltauben füreinander sorgten, hoben sie sich von der gesamten Kolonie ab. Während all die anderen Pinguine schliefen oder herumliefen, schienen die beiden einfach nur dazustehen und jede Sekunde, die sie zusammen hatten, zu genießen, sich gegenseitig an ihren Flossen zu halten und über Pinguin-Zeug zu reden. Der Schmerz hat sie zusammengebracht; ich schätze, manchmal findet man Liebe, wenn man sie am wenigsten erwartet. Es ist ein Privileg, jemanden wirklich zu lieben, und geradezu paradiesisch, wenn der oder die andere einen auch liebt.“

(Mehr Bilder findet ihr bei boredpanda.com)

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Cable Ties – „Sandcastles“


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Foto: Lisa Businovski

Systemkritik kann – zumindest in weiten Teilen der (westlichen) Welt – gerade heutzutage auf die unterschiedlichsten Arten ausgelebt werden. Stichwort #MeToo, Stichwort „Fridays for Future„.  Im Musikalischen kann sie im Falle von populären Künstlerinnen wie Lizzo oder Janelle Monáe mit empowernden Tänzen den oftmals sexistischen, mit allerlei Machismen überladenen R’n’B revolutionieren, sie kann wie bei den britischen Post-Punkern IDLES lautstark auf den positiven Umgang miteinander pochen, sie kann aber auch stinksauer herausgebrüllt werden (nicht, dass das vor allem letztgenanntere ab und an nicht täten). Freilich, ein absolutes Novum ist all das kaum, da weiß der Musikkundige etwa die Punk-Urväter von Iggy Pop und seinen Stooges in den späten Sechzigern und frühen Siebzigern oder die kantig den Sozialismus predigenden Crossover-Größen Rage Against The Machine (welche ihre jüngsten Reunions ganz janusköpfig vom schnöden Mammon abhängig machen) und deren jüngste Nachkommen Fever 333 oder Nova Twins aufzuzählen, kurz bevor der Monolog in den „klassischen Punk“ und dessen Riot-Grrrl-Abzweig weiterfährt. Dass sich bei systematischer Benachteiligung ganze Berge von Aggressionen auftürmen, zweifelt wohl niemand an. All diese Emotionen nun herauszulassen, wird aber erneut nur den ohnehin schon Priviligiertesten der Gesellschaft vergönnt sein – wer tagein, tagaus buckeln muss, hat weder Energie noch Muße fürs Kreative… Marginalisierte Gruppen sollten sich hingegen bestmöglich im Zaum halten, damit sie im Optimalfall irgendeine gottverdammte Quote erfüllen können. Cable Ties lassen sich davon erst gar nicht beirren und poltern voller Inbrunst gegen Patriarchat, Kolonialismus und sexuelle Gewalt an. Die größte Kraft des Trios aus dem australischen Melbourne liegt jedoch woanders: Wilde Aggression und tagmüde Depression laufen in den Songs von Jenny McKechnie (Gesang, Gitarre), Shauna Boyle (Schlagzeug) und Nick Brown (Bass) im Zickzack, nehmen selten den direkten Weg. Pop? Ginge irgendwie anders… Ein Statement, das man erst einmal abkönnen muss.

art-8997_cable-ties-far-enoughAber keine Angst vor zerdachter Musik: Die acht Songs von „Far Enough“, dem in dieser Woche erscheinenden zweiten Album der drei Aussie-Post-Punk-Rock’n’Roller, setzt durchaus auf prägnante, eindringliche Riffs, die unaufhaltsam vorantreiben. Auf der Suche nach Transzendenz durch hypnotische Wiederholung entwickelt das Album dabei eine unermüdliche Intensität. Die feurig-coole Hymne „Tell Them Where To Go“ erlangte bereits vor zwei Jahren Popularität, auch da sie in einer Episode der Netflix-Serie „13 Reasons Why“ zu hören war und vom Guardian daraufhin als „an irresistible call to arms“ beschrieben wurde.

Apropos „Ruf zu den Waffen“: Während des gesamten Albums wird rechtschaffener Zorn mit Verwirrung und Selbstzensur gespickt. Songs wie „Self-Made Man“, „Anger’s Not Enough“ oder der sich langsam entfaltende Opener „Hope“ untersuchen den Berührungspunkt zwischen Aktivismus und Fatalismus, Aufschwung und Aussichtslosigkeit, entscheiden sich jedoch letztlich für die Hoffnung. Dabei halten Cable Ties während der gesamten knappen Dreiviertelstunde die Waage zwischen Kampf und Spannungsbogen – gar nicht mal so selbstverständlich, wenn die Band dreiminütige Punk-Brenner zu glühend-hypnotischen Feminismus-Hymnen, die im Geiste der Buzzcocks nicht selten an der Sieben-Minuten-Marke kratzen (auf dem 2017er Debüt waren’s sogar ab und an neun Minuten), ausdehnt. Dabei mischen Cable Ties rhythmisch pulsierenden, knorrigen Post Punk der Güteklasse The Fall oder Wire mit tightem Garage Rock. Jenny McKechnie bündelt ihre Probleme in Songs, die nicht selten tief nachhallen und oft zurückgehaltenen Gefühlen eine Stimme geben. Shauna Boyle und Nick Brown liefern den Rhythmus, der im Primitivismus der Stooges verankert scheint und den Grundstein für McKechnies Gitarren-Feuerwerke und Gesangseinlagen legt. Durch ihre Musik verwandeln die drei Band-Buddies ihre Ängste in Schlachtrufe, welche – ganz ähnlich wie anno dazumal Riot-Grrrl-Genre-Heldinnen wie die Slits oder Le Tigre – auch schonmal die Hörmuscheln strapazieren dürfen. Gut also, dass das Trio im Zweifel noch so knackige Indie-Hits wie den Riot-Grrrl-meets-Post-Punk-Brecher “Sandcastles” oder das wummernde “Tell Them Where To Go” in petto hat.

Und zum eingangs angeschnittenen Thema „Systemkritik ausleben“: Die Band setzt sich folgerichtig seit ihrer Gründung im Jahr 2015 für eine integrative feministische und politische Sichtweise ein und nutzt, wie bereits erwähnt, ihre Songs, um geschlechtsspezifische Gewalt, Kolonialismus und sexuelle Übergriffe zu thematisieren. Die Bandmitglieder veranstalten Benefizshows, DIY-Festivals, riefen unlängst zum Spenden für die Bekämpfung der australischen Buschbrände auf und engagieren sich ehrenamtlich bei Girls Rock!, einer Non-Profit-Organisation, die sich zum Ziel gesetzt hat, weibliche, transsexuelle und non-binäre Jugendliche in der Musik zu stärken. 🤘

 

„Hope is a really important theme on the album. In the past, I thought I could change things. I thought I pointed out how messed up everything is, then people would see a clear path to fixing these problems. By the time I started writing this album, I had lost this hope. But it’s about the importance of getting hope back, even when you can see no logical reason to have it. Without hope, anger becomes despair or bitterness.“ (Jenny McKechnie)

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Georgia Maq – „Easy To Love“


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Georgia „Maq“ McDonald, die sonst bei den australischen Alternative-Punkrockern Camp Cope für Gitarre und Gesang zuständig ist, hat mit „Pleaser“ überraschend ihr erstes Soloalbum veröffentlicht.

(Stille)

(Drei, vier Mal Anflüge von verdutztem Klatschen)

pleaser.jpgKlar, Begeisterungsstürme dürfte die Mittzwanzigerin damit hierzulande kaum auslösen, denn von den acht Stücken ihres halbstündigen Solodebüts dürften sogar noch weniger Leute Wind bekommen als vom unlängst, 2018 veröffentlichten Camp Cope-Werk „How To Socialize And Make Friends“. Doch gerade weil sich McDonald im Alleingang sowohl musikalisch als auch inhaltlich ein gutes stückweit weg vom Lofi-Indiepunk ihrer dreiköpfigen Hauptband mit Home Base in Melbourne bewegt, lohnt es sich in der Tat, mal ein Ohr zu riskieren.

Denn wo sich die Songs von Camp Cope mehrheitlich um Politisches und Familiäres drehen (und sich das All-Female-Trio, zu dem noch Kelly-Dawn Hellmrich am Bass und Sarah „Thomo“ Thompson am Schlagzeug gehören, in ihrer Heimat bereits eine treue Fangemeinde erspielen konnte), widmet sich Georgia „Maq“ McDonald, deren Name Anfang des Jahres durch die Musikpresse „geisterte“, als sie gegen ihren Ex-Freund, den The Smith Street Band-Sänger Wil Wagner, im Zuge der #metoo-Welle schwere Vorwürfe (unter anderem wegen Gewaltandrohungen) erhob, auf ihrem ohne größeren Ankündigungszirkus Album-Alleingang einem universelleren Thema: der Liebe – sowohl der romantischen als auch der Selbstliebe. „Liebe, von der du dich entfernt hast, um dich selbst zu lieben, unerwiderte Liebe, vergebende Liebe, Liebe ohne Sinn und Verstand“, wie sie die Sujets selbst in einem Statement beschrieb.

“Running in circles, I’m still learning / To be comfortable standing still…” („Big Embarrassing Heart„)

Musikalisch docken die Stücke in deutlich poppigeren und ruhigeren Gefilden an und sortieren sich ein ums andere Mal im Referenzregal gleich neben Alleinstellungs-Indiepop einer Robyn („Body Talk“) oder Lorde („Melodrama“) ein. Was noch einmal mehr Sinn ergibt, wenn man weiß, dass McDonald in der letzten Zeit Gesangsunterricht nahm: „Anstatt nur zu schreien versuche ich nun, tatsächlich etwas zu erschaffen, das sich für mich schön anhört. Es wird kein wütendes Geschrei über irgendwas mehr geben.“ Und dann hört man in zarte Electronica-Beats und Synthie-Lines getauchte Songs wie „Easy To Love“ oder „You’ll Be Singing My Name“ und stellt fest, dass diese Kompositionen – wenn auch dann in deutlich radiotauglicher, „fetterer“ Produktion als der von Darcy Baylis und Katie Dey – auch einer Taylor Swift ebenso gut zu Gesicht stünden wie Camp Cope (dann wiederum in wilderen „Power Emo“-Indiepunk gehüllt) – ein größeres Vielseitigkeitskompliment für clever komponierten Zeitgeist-Pop gibt’s eigentlich kaum. Da scheint eine durchaus profilierte Pop-Songschreiberin á la Sia (die ja kaum zufälligerweise ebenfalls aus Down Under stammt) in Georgia McDonald zu stecken…

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Angie McMahon – „Pasta“


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Mal eben eine kleine Aufzählung: Gang Of Youth, Courtney Barnett, The Jezabels, Nick Murphy (fka. Chet Faker), Middle Kids, King Gizzard & The Lizard Wizard, Moaning Lisa, Tame Impala, Amyl and the Sniffers, Tash Sultana, Polish Club, Ziggy Alberts, West Thebarton… Was haben all diese gemeinsam? Na? Allesamt tolle Bands und/oder KünstlerINNEN aus dem Land, wo die Kängurus springen und Aborigines links und rechts des Uluru (aka. Ayers Rock) ihre Bumerangs werfen. Die hierzulande vereinzelt – bislang noch – einem kleinen Publikum etwas sagen mögen (von manchen war auf ANEWFRIEND sogar bereits zu lesen, von anderen wird wohl noch zu lesen sein), in jedem Fall jedoch den ein oder anderen Hörversuch wert sind. Fakt ist: die australische Musikszene ist seit Crowded House, Natalie Imbruglia, Angus & Julia Stone oder den Go-Betweens keineswegs stehen geblieben, oder mit dem großen Nick Cave ins nasskalte koloniale Mutterland entschwunden…

Der eine bestimmte Musikerin fehlt auf obiger Liste definitiv noch: Angie McMahon. Klingelt’s noch nicht? Macht nix.

In ihrem Heimatland ist die Newcomerin aus Melbourne jedoch schon längst mehr als ein flüsterleiser Geheimtipp. Bereits ihre ersten, 2017 beziehungsweise 2018 veröffentlichten Singles „Slow Mover“ und „Missing Me“ sowie die darauf folgenden Songs „Keeping Time“ und „Pasta“ mauserten sich in der Indie-Szene von „Down Under“ zu kleinen Erfolgen. Egal, ob es in ihrer Heimat um Nominierungen zum „Song des Jahres“ (bei den australischen APRA-Awards) oder als „Breakout Artist of the Year“ (der australischen Vereinigung unabhängiger Plattenfirmen AIR) ging – die Experten hatten die Mittzwanzigerin durchweg auf dem Zettel, das Publikum sang alsbald fleißig mit. Das blieb natürlich auch den Kennern außerhalb des Kontinents nicht verborgen. Bald schon war Angie McMahon als Support von Größen wie Father John Misty, Angus & Julia Stone, den Pixies, Mumford & Sons oder auch The Shins unterwegs, spielte Headliner-Shows auf der ganzen Welt sowie auf mehreren Festivals – wie etwa dem diesjährigen South by Southwest Festival (SXSW) in Austin, Texas, bei dem sie „Mr. Country Pothead“ himself, Willie Nelson, sogar für einen Liveaufrtitt auf seine Ranch einlud (leider ist nicht überliefert, ob good ol‘ Willie dem Ehrengast denn auch einige Blunts reichte). Keine Frage: Mittlerweile zählt Angie McMahon zu den freshsten Indie-Musikexporten Australiens.

5056167115168.jpgUnd so hatte man ihr im Juli erschienenes Debütalbum natürlich mit Spannung erwartet. Mit jeder Menge Demos im Gepäck, die sie im Laufe der letzten Jahre in ihrem Schlafzimmer aufgenommen hatte, zog sich McMahon, die Bruce Springsteen, Adele, Angel Olsen, Nick Cave und Leonard Cohen zu ihren größten Inspiratoren zählt (während früher im Elternhaus auch Bob Dylans oder Johnny Cash liefen), zusammen mit dem Co-Produzenten und Bassisten Alex O’Gorman in ein angemietetes Landanwesen unweit ihrer Heimatstadt zurück. Dort ging dann alles ganz schnell. Gerade mal eine Woche sollen die Aufnahmen zu „Salt“ gedauert haben. Kann man mal so machen.

Herausgekommen sind elf Songs, die eine ziemlich große Bandbreite abdecken – von zarten, geradezu flüsternden Bedroom-Balladen bis hin zu schlagkräftig rumpelndem Indie Rock ist quasi alles dabei. Man sollte die Platte zwar mehrmals hören, damit sie sich in ihrer ganzen Finesse erschliesst. Gibt man „Salt“, diesem Sammelsurium voller wie beiläufig indierockender Intimität, Schmerz und Wut, eine echte Chance, wird man jedoch belohnt. Denn die vielversprechende Musikerin mit der herrlich rauen Stimme zeigt, dass sie – aller Juvenilität zum Trotz – eine gute Storytellerin ist. Eine, die in ihren Texten die mal beiläufigen, mal brutalen Lektionen behandelt, die das Leben ihr bislang erteilt hat. Eine, die mal schnoddrig, mal verletzlich klingt, die sich jedoch stets aus einer melancholischen Introspektion heraus zu speisen scheint. Romanzen und Beziehungen werden genauso verhandelt wie weibliche Selbstermächtigung, Brathähnchen und Pasta, denn, wie sie selbst meint: „Humor ist wichtig beim Schreiben.“ Wer Referenzen braucht: Man denke sich eine Jam-Session mit Lucy Dacus, Julien Baker und Angel Olsen, nachdem das Trio sich kreuz und quer durch das Oeuvre des „Boss“ gehört hat…

Zu den Glanzlichtern gehören hier – neben den bereits bekannten Singles – sicherlich das bluesige „Push“, welches sich mittels einer komplexen Struktur vom zarten musikalischen Streicheln zum fast brutalen Getöse aufbäumt, während zwischen den Extremen alle Nuance leidenschaftlich ausgelebt werden und dann auch noch Zeit bleibt für einen melodischen, mitreißenden Höhepunkt. Oder auch das kraftvolle „And I Am A Woman“, das auch inhaltlich eine große persönliche Bedeutung für die Künstlerin aus Melbourne hat. Sie meint: „Heutzutage gibt es all diese Dinge, die uns unsere Gesellschaft über unsere Körper, Freiräume, Entscheidungen, Gefühle oder Sicherheit erzählen will. Dinge, die wir hinterfragen und vergessen und besser machen sollten. Dieser Song begann als hitzige Konversation. Doch ich musste ihn allein zu Ende bringen und in Musik verwandeln, denn mir war nicht danach, zu reden – mir war nach Schreien zumute. Ich wollte, dass das Verletztsein offensichtlich wird.“

 

Hier gibt’s das Musikvideo zu „Pasta“ zu sehen, über welches sie sagt: Sie sei beim Dreh krank gewesen – und habe daher sich nur sich selbst gespielt…

 

„My bedroom is a disaster
My dog has got kidney failure (failure)
I’ve been sitting at the bar too much
Kissing people in my head
And saying rubbish things I should not have said

And they’re building things outside my window
Everywhere I look there’s signposts (signposts)
I just sit in my house making noise for fun
And I’m not moving much or proving much to anyone

I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost for a while
And I’m feeling tired

I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost for a while
And I spend so much time eating pasta
Although I’m probably allergic and other people seem to move so much faster

I wonder why I’m feeling lonely
When there’s plenty of ways to be alone
I guess I spent all of yesterday on my phone

I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost for a while
And I’m feeling tired

I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost for a while

Now I am simultaneously on top of someone’s pedestal and also underneath someone else’s shoe
Oh isn’t it a shame about the view
Can anybody climb aboard this structure I have made to wrap myself around the promise that there is room
Oh isn’t it a shame about the view

I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost
I’ve been lost for a while
And now I’m feeling tired…“

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Alex St Joan – „Kick And Rise“ (Småll Sessions)


Photo- @kensio_

Foto: @kensio_ / Facebook

„If St. Vincent, The Cranberries and James Blake got together in an underwater cave with a drum machine, a mellotron orchestra and a synthetic saxophone quartet, it might sound something like this.“

Was sich im erstem Moment wie eine an den Indiepop-Haaren herab gesponnene Umschreibung liest, macht – als Hilfestellung zur Einordnung der Songs von Alexia Peniguel – durchaus Sinn. Denn wenn die aus Melbourne, Australien stammende und seit 2004 in Berlin lebende Multi-instrumentalistin, Produzentin und Songschreiberin nicht gerade (scheinbar) in die verquere Melodienwelt einer Laurie Anderson eintaucht, um diese dann – anhand von Keyboard-, Gitarren- oder Vocal-Loops – mit dem Timbre einer Chanteuse der 90er Jahre zu paaren, klingt Peniguel, die als A Seated Craft bereits zwei Alben veröffentlicht hat (2011 und 2015 war das), unter dem neusten Moniker Alex St Joan im Herbst eine erste EP in die Plattenläden stellen wird und in den vergangenen Monaten bereits als Support-Act für ähnliche Künstlerinnen wie Kat Frankie, Bryde oder PHIA auf hiesigen Konzertbühnen stand, tatsächlich nach einer ominös mäandernden Schnittmenge irgendwo zwischen St. Vincent und James Blake. Indiepop mit nokturner Schlagseite…

 

 

Rock and Roll.

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