Song des Tages: Dizzy – „Joshua“

Die digital recht Geheimtipp-sachkundigen Damen- und Herrschaften von plattentests.de meinten letztens, Dizzy klängen, „als würde Julien Baker bei Beach House singen. Oder so.“  Spleenige Chill-out-Melancholie also? Hm… irgendwie bringt das die ersten Songs des jungen Quartetts aus dem kanadischen Oshawa, Ontario ganz gut auf den Punkt. Oder wie der Pressetext nun meint:

„Jede musikalische Geschichte, die sich um ein paar Freunde aus den kanadischen Suburbs dreht, kann gar nicht schlecht enden: Dizzy sind die drei Brüder Charlie, Alex und Mackenzie Spencer und deren Schulfreundin Katie Munshaw, gemeinsam drehen sie die Coming of Age-Story der Dorfis um, um zu berichten, wie viel Positives sie aus der High School Zeit – traditionell eher als undankbarste Umgebung für Teenager verschrien – mitgenommen haben. ‚Dass ich Musik mache, lag schon immer an meiner emotionalen Überempfindlichkeit gegenüber allem. Wenn du so eng auf so vielen Leuten hockst, ist es nur eine Frage der Zeit, bis du auf die Leute triffst, die dich genug verstören, um Songs über sie zu schreiben‘, fasst Sängerin Katie zusammen.“

Mit dem feinen „Joshua“ präsentierten Dizzy vor wenigen Tagen einen weiteren Vorboten aus dem am 17. August erscheinenden, von Damian Taylor (Arcade Fire, Björk, The Killers) produzierten Debütalbum „Baby Teeth„. Schenkt man Katie Munshaw Glauben, so ist der Song ihr „Lebewohl an eine Person, die unerwartet aus meinem Leben verschwunden ist“. Und hüllt für knapp vier Minuten fein perlendes E-Gitarren-Picking in Elektro-Beats und eine Stimme wie Stimmung, bei der nicht nur bereits erwähnte Julien Baker, sondern viel eher auch Daughter-Frontsirene Elena Tonra, ähnlich gelagerte Galore-Melancholikerinnen wie Hannah Reid (London Grammar) oder – meinetwegen – auch sich stets juvenil frei fliegende Gesangsvögelchen wie Lorde nicht ganz fern scheinen. Solle man in Auge und Ohr behalten, diese junge Band…

 

 

Rock and Roll.

Der Jahresrückblick – Teil 1

Was für Musik braucht man in einem Jahr wie diesem? Solche, bei der die Halsschlagader wild pocht und der ganze gerechte Zorn auf die Welt ein brodelndes Ventil bekommt. Solche, die einem sanft über den Kopf streicht und einem die Hoffnung einhaucht, dass alles schon besser werden wird – irgendwann, irgendwie. Und auch solche, die einen in ihrer Euphorie einfach gnadenlos mitreißt, und einen – im besten Fall – alles andere – das Gute wie Schlechte – für Momente vergessen lässt. Zwischen diesen drei Fixpunkten ist in meiner Bestenliste der persönlich tollsten Alben des Musikjahres 2017 wenig zu finden, an den Endpunkten dafür umso mehr. Bühne frei und Vorhang auf für ANEWFRIENDs Alben des Jahres!

 

 

1.  Faber – Sei ein Faber im Wind

Man kennt ja die Vorurteile gegenüber Schweizern: Reserviert seien sie, irgendwie meinungslos (oder mit selbiger stets hinterm Berg haltend), geheimniskrämerisch und außen vor. Nun, all das trifft auf Julian Pollina eben nicht zu.

Oder zumindest auf dessen alter ego Faber. Dessen Songs weisen den Mann als distinguierten Trinker, Raucher, Macker und Lebemann aus, der auch – wenn’s der Kontext denn erfordert – schon mal markige Worte wie „ficken“, „blasen“ oder „Nutte“ benutzt, sich die Häute seiner Landsleute überstreift und ihnen – ganz nonchalant, ganz un-schweizerisch – im Zerrspiegel ihre häßliche Fratze aus von Angst getriebenem Fremdenhass, oberflächlicher Geltungssucht oder gelangweilter Medien- und Konsumgeilheit vorhält. Dafür, dass das Ganze – in Form der Songs des Debütalbums „Sei ein Faber im Wind“ – nicht zur enervierend-hochgestochenen Gesellschaftsschelte gerät, sorgt die feine Liedermacher-Rock-Instrumentierung, die mal zu den Norddeutschen von Element Of Crime, mal zum Chanson á la Jaques Brel oder Leonard Cohen, mal auch gen Balkan schielt. Insgesamt stehen Fabers Stücke mit all ihrer unangenehmen Bissigkeit und Direktheit, mit ihrem Willen zur Kritik und dem unbedingten Wunsch, Salz in halb geschlossene Wunden zu streuen, in bester Tradition meines persönlichen Jahreshighlights von 2015, dem Debütwerk von Adam Angst. Dass all die unterhaltsame Zeitgeistigkeit aus der Feder eines Mittzwanzigers stammt, ist einerseits erstaunlich und lässt ebenso auf weitere Großtaten von Faber und Band hoffen…

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2.  Brand New – Science Fiction

Brand New – absolute Herzensband, spätestens seit dem 2006 erschienenen und bis heute und wohl alle Ewigkeit nachwirkenden Album-Monolithen „The Devil And God Are Raging Inside Me“. Und hätten all das lange Warten auf ein neues Werk (das vormals letzte Album „Daisy“ stammt von 2009), all das Kokettieren mit der eigenen Bandauflösung (vor einigen Monaten boten Brand New T-Shirts mit dem Aufdruck „2000-2018“ zum Kauf an), all die mysteriös in weltweite Netz gestreuten (Falsch)Informationen und einzelnen Appetithappen in Form von neuen Songs wie „Mene“ oder „I Am A Nightmare“ die letzten Fan-Jahre nicht schon schwierig genug gestaltet, bekam die Euphorie um das am 17. August in einer erstaunlichen Nacht-und-Nebel-Aktion (digital) veröffentlichte neue Album „Science Fiction“ bereits kurz darauf einen erheblichen Dämpfer.

Es passt wohl zum Jahr 2017 und all den Enthüllungen rund um #meetoo (wozu ich ja bereits unlängst meinen „Senf“ abgelassen habe), dass ausgerechnet einer Band wie Brand New, die ja Zeit ihres Bestehens einerseits um die Wahrung ihrer Privatsphäre auf der einen Seite (was wiederum die mysteriöse Aura ihrer Songs noch verstärkte) und größtmöglicher Fannähe auf der anderen Seite bemüht war, nun die Verfehlungen ihres Frontmanns vorzeitig das Genick brechen (werden). Stand heute hat das Alternative-Rock-Quartett aus Long Island, New York seit Oktober alle für Ende 2017 und Anfang 2018 geplanten – und wohlmöglich letzten – Konzerttermine abgesagt. Und ob Jesse Lacey, Vinnie Accardi, Brian Lane und Garrett Tierney überhaupt je wieder gemeinsam auf einer Bühne stehen werden, darf angesichts der Begleitumstände bezweifelt werden…

Die zwölf Songs von „Science Fiction“, das der Band überraschenderweise ihr erstes Billboard-Nummer-eins-Album überhaupt bescherte, hätten diese unrühmliche Nebenschauplatz-Promo freilich nicht nötig gehabt, bilden sie doch in Gänze all das perfekt ab, was Fans der Band bislang so faszinierend und mitreißend fanden: Stücke, die sich mal Zeit bis zur nicht selten plötzlichen Eruption nehmen, während andere wiederum diese komplett verweigern. Eine enorme stilistische Bandbreite an Musikalität und Einflüssen, die kaum noch etwas mit jenen Pop-Punk-Anfangstagen des 2001 erschienenen Debütalbums „Your Favorite Weapon“ gemein hat, sondern sich – vor allem auf den letzten Alben – vielmehr auf Post-Hardcore- und Indie-Rock-Szene-Favoriten wie The Jesus Lizard oder Neutral Milk Hotel bezog. Und Jesse Laceys enigmatische Texte, welche den geneigten Genau-Hinhörer und Lyrik-Goldgräber geradezu dazu einladen, sich via Reddit und Co. tagelang in ihnen und ihren tausendfachen Deutungswegen zu verlieren. Dass die Songs zwar deutlich reduzierter als noch auf dem wütend und (ver)quer um sich beißenden Album-Brocken „Daisy“ daher kommen und all die düsteren, geradezu apokalyptischen Schauer und Vorahnungen auch mal zur Akustischen anbieten (während die Band anderswo, wie im grandiosen Song-Doppel aus „137“ und „Out Of Mana“, mit Gitarren-Soli-Ausbrüchen aufwartet), beweist, wie sehr Brand New über die Jahre als Band gewachsen sind. Dass Lacey im finalen „Batter Up“ noch wiederholt „It’s never going to stop“ verspricht, dürfte zwar für die nach wie vor ungebrochene Anziehungskraft der Brand New’schen Stücke gelten, nicht jedoch für die Zukunft der Band. „Science Fiction“ ist ein leider definitiver Schwanengesang. Und zum Glück einer, dessen Wirkung auch über Jahre nicht nachlassen wird…

 

 

3.  Gisbert zu Knyphausen – Das Licht dieser Welt

Das am sehnlichsten erwartete Album des Jahres. Mein liebster deutschsprachiger Liedermacher. Die Erwartungshaltung an das neue, dritte Album von Gisbert zu Knyphausen hätte – auch durch das vorab veröffentlichte Titelstück – kaum höher sein können…

Vieles hat sich seit dem letzten, 2010 erschienenen Werk „Hurra! Hurra! So nicht.“ verändert. Und am meisten wohl Knyphausens Sichtweise auf das Leben selbst. Schuld daran dürften vor allem der plötzliche Tod seines Freundes Nils Koppruch im Jahr 2012 (kurz zuvor hatten beide noch als Kid Kopphausen noch ein gemeinsames Album in die Regale gestellt) sowie Knyphausens darauf folgendes, selbstgewähltes zeitweises Verschwinden in die musikalische Versenkung, welches er fürs Reisen und Gewinnen neuer Perspektiven und Eindrücke nutzte, gewesen sein.

Herausgekommen ist mit „Das Licht dieser Welt“ ein Album, das dem melancholischen Grau des Vorgängers nun vermehrt lichtdurchflutete Anstriche verpasst und mit „Teheran Smiles“ und „Cigarettes & Citylights“ sogar erstmals englischsprachige Songs aus der Feder des Liedermachers enthält. Für all jene wie mich, die sich über die Jahre so tief und fest in die Melancholie der Vorgängerwerke eingelebt haben, mag der 2017er Gisbert zwar Einiges an Gewöhnungsbreitschaft erfordern, wer jedoch, wie bei „Etwas Besseres als den Tod finden wir überall“, dem großen Tribut an seinen Freund Nils Kopproch, nicht mindestens ein Tränenlächeln im Mundwinkel sitzen hat, dürfte aus Stein sein. Willkommen zurück, Gisbert!

 

 

4.  BRUTUS – Burst

Besser, effektiver, überraschender und ungewöhnlicher durchgerockt als das Trio aus dem belgischen Leuven hat mich 2017 keine Band. Nuff said. Hörbefehl!

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5.  Father John Misty – Pure Comedy

Joshua Michael Tillman ist schon ein eigenartiger Kauz. Erst setzt sich der US-amerikanische Musiker jahrelang bei anderen hinters Schlagzeug (unter anderem in der Begleitband von Damien Jurado oder bei den Fleet Foxes), veröffentlicht nebenher etliche Alt.Country-Kleinode, die – trotz ihrer Großartigkeit – freilich unter dem Radar liefen, um dann ab 2012 als Father John Misty den groß angelegten Alleingang zu wagen. Das brachte ihm und den galant zwischen Seventies-California-Rock und Dandy-Chanson pendelnden Songs der ersten beiden Alben „Fear Fun“ (2012) und „I Love You, Honeybear“ (2015) zwar den Ruf des Kritikerlieblings ein, die breite Billboard-Masse fühlte sich von der Reichhaltigkeit seiner Werke jedoch – scheinbar – überfordert.

Ob sich das mit „Pure Comedy“ ändert? Darf bezweifelt werden. Besonders was die Texte betrifft – sind auch 2017 die ein- wie ausladenden Stücke des Fathers alles andere als leicht verdaulich. Denn Tillman geht es um nicht weniger als den Nukleus aus menschlich-philosophischer Existenz, apokalyptischen Vorahnungen und gesellschafts- wie konsumkritischer Revueschau, musikalisch versetzt mit Piano-Pop á la Billy Joel oder verschrobenem Songwriter-Folk wie einst bei Gram Parsons. Darf’s ab und zu noch eine Schippe Orchester-Pomp oder dicke Big Band-Soße sein? Aber gern doch! Und so tänzelt Josh „Father John Misty“ Tillman während der 75 Albumminuten scheinbar spielerisch zwischen tonnenschwer-kritisch und unterhaltsam-federleicht. Zum Entertainment-Gesamtpaket gehören auch die teils weirden Musikvideos zu „Total Entertainment Forever“ (in dem der einstige Kinderstar Macaulay Culkin als Kurt-Cobain-Verschnitt ans Kreuz genagelt wird, während Tillman seinerseits den Ronald McDonald gibt), zum Titelstück (eine Collage als bildhafte politische Gesellschaftskritik), zu „Things It Would Have Been Helpful To Know Before The Revolution“ (ein wunderbar geratenes Animationsvideo) oder „Leaving LA“ (ein passend intimer Clip zum mantraartigen 13-Minüter, welcher den Father im Studio zeigt). Und als wäre das noch nichts, hat der scheinbar um Dauerbeschäftigung bemühte Kreativling „Pure Comedy“ noch ein 25-minütigen Kurzfilm zur Seite gestellt, bevor im kommenden Jahr bereits das nächste Album erschienen soll… Der allumfassende Wahnsinn.

 

 

6.  Einar Stray Orchestra – Dear Bigotry

Wer ein Prise zuviel an reichhaltig instrumentiertem Indiepop, mehrstimmigen Chören und hippie’esk duftendem Pathos nicht scheut, für den war (und ist) „Dear Bigotry“, das dritte Werk der zur Band angewachsenen Norweger des Einar Stray Orchestra, ein gefundenes Fressen.

Und: Kaum ein Song bringt auch Ende 2017 die bedrohlich schiefe Weltlage besser zum Ausdruck als „As Far As I’m Concerned“. Isso.

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7.  Julien Baker – Turn Out The Lights

Mit den Songs ihres 2015 erschienenen Debütalbums „Sprained Ankle„, die die oft spröde aufleuchtende Intimität eines Jeff Buckley mit der teils bitteren Melancholie eines Elliott Smith vermengten, setzte eine aus Memphis, Tennessee stammende junge Newcomerin namens Julien Baker gleich mehrere Ausrufezeichen.

Mit dem zweiten Album „Turn Out The Lights“ setzt die 22-Jährige nun diesen Weg fort. Und während sich der Großteil der Stücke des Debüts noch musikalisch auf ihrer Fender Telecaster abspielte, entlädt die Musikerin all ihren juvenilen Herz- und Weltschmerz auf dem Nachfolger vornehmlich auf den weißen und schwarzen Tasten ihres Pianos. Anders, jedoch keineswegs schlechter. Und immer noch herzerweichend intim, herzzerreißend groß.

 

 

8.  Kettcar – Ich vs. Wir

Mittlerweile sieht auch die Band selbst es so ehrlich: Mit dem 2012 erschienenen Album „Zwischen den Runden“ war – zumindest vorerst – die Luft raus.

Also legten die fünf Hamburger eine Bandpause ein, während derer sich ihr Chef Marcus Wiebusch auf seine Solo-Karriere konzentrierte und als Ergebnis das formidable Album „Konfetti“ (Platz 4 in ANEWFRIENDs Bestenliste 2014) veröffentlichte, auf dem der ehemalige …But Alive-Punker einmal mehr verstärkt die Finger in gesellschaftliche Fleischwunden legte.

Selbiges tun nun auch Kettcar wieder. Und spätestens mit dem ebenso großartigen wie ungewöhnlichen und wichtigen Song „Sommer ’89 (Er schnitt Löcher in den Zaun)“ weiß man, wie sehr diese Band und ihr Pathos, ihr mahnender Zeigefinger, ihr Nicht-damit-anfinden der bundesdeutschen Indie-Szene gefehlt hat…

 

 

9.  Burkini Beach – Supersadness Intl.

Verschrobener Singer/Songwriter-Pop made in Germany. Was bereits 2015 als vielversprechender Geheimtipp begann, findet in diesem Jahr – und mit den zehn Stücken des Debütalbums „Supersadness Intl.“ – seinen vorläufigen Höhepunkt.

Hinter dem eigenartigen Bandnamen steckt – ganz frei von Glamour – Rudi Maier, einst Teil des bayrischen Indie-Rock-Duos The Dope (welches ja seinerzeit selbst nie über den Status eines Geheimtipps hinaus kam). Und zaubert mal eben Songs wie das längst bekannte „Luxembourg“ oder die faszinierende Bonnie-und-Clyde-Lovesory „Bodyguards“ hervor…

Einen Extrapunkt heimsen Burkini Beach für die schönste Albumverpackung ein: Zwar wurde das Debüt (bislang) nur digital veröffentlicht. Wer jedoch via Bandcamp für verhältnismäßig schlanke 15 Euro zuschlägt, bekommt zum Download-Code noch ein fein aufgemachtes, 48-seitiges Hardcover-Buch mit dazu. Toppy!

 

 

10. Love A – Nichts ist neu

Die wütenden Punkpopper um Frontmann Jörkk Mechenbier lassen auch 2017 mit ihrem mittlerweile vierten Album „Nichts ist neu“ nicht nach und machen ebenso unnachgiebig wie unnachahmlich beinahe genau da weiter, wo Love A mit dem formidablen Vorgänger „Jagd & Hund“ anno 2015 aufgehört hatten.

Die zwölf neuen Stücke schlagen sich durchs Feld des „Wir schaffen das!“-Palavers von Mutti Merkel oder der selbstgerechten Wutbürgerei von Petry, Gauland, von Storch, Höcke und Konsorten und bieten all jenen eine Stimme, die viel zu oft durchs gesellschaftliche Raster fallen. Da poltert das linke Punkerherz freudig-fies gegen den Takt, während Mechenbier schon wieder Gift und Galle spuckt! Wichtig.

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…und auf den weiteren Plätzen:

Gang Of Youths – Go Farther In Lightness

Roger Waters – Is This The Life We Really Want?

Noah Gundersen – WHITE NOISE

Lorde – Melodrama

Judith Holofernes – Ich bin das Chaos

 

 

Persönliche Enttäuschungen 2017:

The National – Sleep Well Beast

Es bleibt zwar dabei: Auch im 18. Bandjahr können Matt Berninger und Co. kein wirklich schlechtes Album veröffentlichen. Allerdings muss ich ebenso feststellen, dass ich auch nach mehreren Hördurchgängen – und trotz dem ein oder anderen tollen Einzelsong wie „Day I Die“ oder „Carin At The Liquor Store“ – nie so ganz warm mit dem im September erschienenen siebenten The National-Werk „Sleep Well Beast“ werde. Dafür verfranzt sich die fünfköpfige Band aus dem US-amerikanischen Cincinnati, Ohio auf ihrem neusten Album einfach zu oft im halbgaren Experiment, welches jedoch – und da liegt wohl der musikalische Hund begraben – viel zu oft ins Nirgendwo führt. Da kann auch eine Weltstimme wie die von Matt Berninger nix mehr rausreißen…

 

 

Casper – Lang lebe der Tod

Ähnliches gilt auf für Casper, dessen letzten beiden Alben „XOXO“ und „Hinterland“ ja 2001 beziehungsweise 2013 noch in meinen persönlichen Top 5 landeten.

Doch mit „Lang lebe der Tod“, welches bereits 2016 erscheinen sollte, bevor der Wahl-Berliner „Emo-Rapper“ die Veröffentlichung schlussendlich um ein komplettes Jahr verschob, werde ich nicht so richtig warm. Klar, die Trademarks des gebürtigen Bielefelders sind noch immer da: Benjamin „Casper“ Griffeys raue Stimme, die mal dicke Instrumentierung aus der Studiokonserve, mal via rockigem Bandsound nach vorn gepeitschten Songs. Und, wenn man so möchte, sind auch die Stücke selbst, in denen sich Casper auf Missstände im Jetzt, draußen in der Welt, aber auch im eigenen seelischen Milieu konzentriert, gut. Aber eben nur: gut. Das Gesamtbild von „Lang lebe der Tod“ wankt irgendwie unrund daher. Hat sich die verlängerte Wartezeit hierfür gelohnt. Leider nein. Leider gar nicht.

 

 

Rock and Roll.

Mein Senf: #metoo – und die Folgen

Was wusste Lorde? Oder, besser: Was weiß Lorde?

Eine berechtigte Frage. Schließlich erscheint der Tweet, den der neuseeländische Jung-Popstar Anfang Januar so enigmatisch ins weltweite Kurzmitteilungsnetz entließ, rückblickend und auf dunkle Weise geradezu prophetisch. Es sei denn, Ella Marija Lani Yelich-O’Connor wusste schon damals aus sicherer Quelle, was sich nur wenige Monate später ereignen würde…

Das, was passierte, dürfte jedem, der 2017 nicht hinter einem von jeglichen Nachrichten befreiten Stein verschlafen hat, hinlänglich bekannt sein. Stichwort: #meetoo. Oder nennen wir doch gleich ein paar Namen: Filmproduzent Harvey Weinstein, die Schauspieler und zweifachen Oscar-Preisträger Kevin Spacey und Dustin Hoffman, der nie um eine bissige Fussnote verlegene Comedian Louis C.K., Rush Hour“- und „X-Men“-Regisseur Brett Ratner, das ehemalige Backstreet Boys-Schnuckel Nick Carter, „Star Trek“-Mime George Takei, der Kopf der Disney-Animationsgilde, John Lasseter, „Mad Men“-Schöpfer Matthew Weiner, Ex-Marilyn-Manson-Bassist Jeordie „Twiggy Ramirez“ White, „The Voice“-Pop-Sternchen Melanie Martinez, Brand New-Frontmann Jesse Lacey… Die Liste der prominenten Köpfe, denen in den letzten Monaten Missbrauch – ganz gleich, ob physisch-sexuell, psychisch oder ganz simpel ihrer scheinbaren Macht – vorgeworfen wurde, ist lang – und könnte bei tieferem Interesse noch beinahe endlos verlängert werden.

Harvey Weinstein

Und auch die Folgen dürften bekannt sein: Der seit den Achtzigern gefühlt omnipräsente Hollywood-Mogul Harvey Weinstein verlor binnen kürzester Zeit sein komplettes Netz an Kontakten, Best Buddies und Fürsprechern, Kevin Spacey etwa seine Rolle als machthungriger US-Präsident Frank Underwood in der erfolgreichen Netflix-Serie „House Of Cards“ und wurde gar aus dem im Grunde bereits fertig gedrehten Film „Alles Geld der Welt“ heraus geschnitten. Wie für diese zwei gilt auch für all die anderen, deren Namen innerhalb kürzester Zeit über die Newsfeed-Titelleisten flimmerten: Ihre Karrieren dürfen die einstigen „Saubermänner“ und „Charaktermimen“ als beerdigt ansehen.

Und Lorde? Die fühlte sich bestätigt:

Dass Weinstein, Spacey und Co. dieses – schlussendlich selbstverschuldete – Schicksal – zumindest im moralischen Sinne – verdienen, dürfte außer Frage stehen. Und auch das, was sich da innerhalb der Mauern und hinter dem schönen Schein der „Traumfabrik Hollywood“ bereits seit Jahrzehnten zugetragen haben muss, dürfte lediglich all jene schockieren, die bislang mit Selbstschutz-Scheuklappen durch diese Welt gelaufen sind. Immerhin gab es sie über die Jahre immer wieder, all die Vorwürfe, all die Skandale, all die Risse im nur nach außen hin perfekten Perlweiß-Glanz der Entertainment-Industrie: die bis heute nicht verebbten Kindesmißbrauchsvorwürfe gegen den 2009 verstorbenen gefallenen „King Of Pop“, Michael Jackson, all die Drogen-und-Sex-Eskapaden, die „2 And A Half Men“-Star Charlie Sheen schließlich seine Comeback-Karriere kosteten, die Techtelmechtel, die sich Popstar R. Kelly immer wieder mit minderjährigen Fans erlaubte, die Anschuldigungen gegen TV-Urgestein Bill Cosby, die eigenartigen sexuellen Vorlieben von Star-Regisseur Woody Allen, die altbekannten Vergewaltigungsvorwürfe gegen dessen Regie-Ass-Kollgegen Roman Polanski, die KIndesmißbrauchsvorwürfe gegen Seventies Glas-Rocker Gary Glitter sowie den einstigen BBC-Moderator Jimmy Saville oder all jene schrecklichen Taten, für die der ehemalige Lostprophets-Frontmann Ian Watkins 2013 zu schlappen 35 Jahren Haft verurteilt wurde. So viele Namen, und wer ins Detail geht, der erkennt, dass all diesen Taten immer wieder dasselbe Prinzip zugrunde liegt: mächtige Person – vornehmlich: männlich, weiß und aus gut situierten Familien stammend – mißbrauchen ihre Macht und ihren sozialen Status, um sich die ihnen Untergebenen – in welcher Weise auch immer – gefügig zu machen. Aus Einsamkeit? Reiner Boshaftigkeit? Kranken Neigungen wegen? Aus bloßer Selbstüberschätzung? Über die wahren Gründe kann nur spekuliert werden. Und die Tatsache, dass das US-amerikanische Wahlvolk vor etwas mehr als einem Jahr jemanden wie Donald Trump, der über die Jahre – und seit einiger Zeit bevorzugt via Twitter – frank und frei, Slogan-fertig preisgibt, was er von Frauen oder anderen Ethnien hält, ins potentiell mächtigste Amt der Welt gewählt hat, zeigt eigentlich nur, mit welcher dummdreisten Stupidität die selbsterklärte „großartigste Nation der Welt“ (zu der ja auch Hollywood gehört) gern am eigenen Abgrund balanciert.

Doch zurück zu #meetoo. Das schockendste waren wohl nicht die Enthüllungen selbst, denn schließlich ist es nur allzu logisch, dass sich, sobald eine – vornehmlich weibliche – Person ihr Schweigen, welches für ebenjene ein jahrelanges Martyrium bedeutet haben dürfte, gebrochen hat, noch mehr Opfer ans Licht der Öffentlichkeit wagen. Für das meiste Unisono-Kopfschütteln dürfte gesorgt haben, wie die Täter versuchten, ihr Handeln zu rechtfertigen. So versuchte etwa Kevin Spacey, die Vorwürfe mit (s)einem vermeintlich noch spektakuläreren Outing als Homosexueller zu übertünchen, während Dustin Hoffman es bei einem simplen „Es tut mir leid. Das spiegelt nicht wider, wer ich bin.“ beließ oder Weinstein mit Benjamin Brafman ebenjenen Strafverteidiger engagierte, welcher vor einiger Zeit bereits den Politiker Dominique Strauss-Kahn in ganz ähnlicher Situation vertreten hatte. Auch Brand New-Frontmann Jesse Lacey dürfte mit (s)einem halbgaren Statement, in dem er sich zwar bei seiner Familie, jedoch mit keiner Silbe bei den Opfern selbst entschuldigte, sondern lediglich versuchte, sein (Fehl)Verhalten in irgendeinem Sinne zu rechtfertigen, für mehr Verärgerung denn Verständnis gesorgt haben. Kaum Einsicht, wenig gelernt…

Jesse Lacey

Und, wenn wir ehrlich sind, so ist der Aufruhr um #metoo zwar eines der wichtigsten Ereignisse, welches vom Jahr 2017 hängen bleiben wird (und brachte einigen der Frauen, die den Skandalstein ins Rollen brachten, unlängst den „Times“-Titel zur „Person des Jahres“ ein), doch was sollte man(n), was sollten wir aus diesen Geschichten lernen und für unser eigenes Leben und Handeln mitnehmen?

So schrieb etwa die Journalistin Annett Scheffel unlängst im Jahresrückblick des „Musikexpress“: „Natürlich ist #MeToo ein Glücksfall. Ein Momentum, ein masturbierender Elefant mitten im Raum, über den man jetzt gezwungen ist, zu sprechen. Völlig zu Recht ist dieser Hashtag von Frauen (und Männern) genutzt worden, um Erfahrungen zu teilen und auf Ungerechtigkeiten hinzuweisen. Und zwar von so vielen, dass jetzt wirklich keiner mehr sagen kann, ihm wäre nicht klar, wie verbreitet sexistische Strukturen immer noch sind.“

So weit, so wahr. Ebenso wahr übrigens wie die unumstößliche Meinung, dass Gewalt – ganz egal, ob nun physisch, sexuell oder psychisch – gegen alles und jeden zu jeder Zeit und an jedem Ort lediglich eines ist: scheiße.

So sollten für jeden folgende Fragen im Raum stehen bleiben:

Wie konnte etwas so Großes, etwas so Präsentes und Allumgreifendes so lange „gut gehen“? Sind nicht die, die Weinstein, Spacey, Hoffman und Co. jahrzehntelang hofiert und deren Handeln wissentlich wohlmöglich gedeckt (oder zumindest geduldet) haben, im moralischen Sinne genauso mitschuldig? Sollte der ganze Skandal nicht etwas mehr in der Unterhaltungsindustrie auslösen als jener „stille Protest“ (eine Debatte hierzu ist unlängst zwischen #metoo-Aktivistin und Schauspielerin Rose McGowan und Hollywood-Grande-Dame Meryl Streep entbrannt)?

Verändern die Möglichkeiten des Internets, die sozialen Netzwerke, in denen sich jeder so offen oder bedeckt, wie er/sie es möchte, bewegen und äußern darf (Stichwort „trollen„) und eben #metoo gerade, wie wir denken, handeln und unterteilen? Denn obwohl man freilich jeder einzelnen Seele, die sich – stets unter dem schützenden Mantel der vorherigen Geständnisse – da gerade der medialen Öffentlichkeit offenbart und ihre „Peiniger“ bloß stellt, Glauben schenken mag, so galt doch immer: In dubio pro reo. Im Zweifel für den Angeklagten. Ist die bloße Behauptung, jemand wäre diesem oder jenem Fehlverhalten schuldig, mittlerweile Grund genug, sich diese Person „zurecht zu legen“ und (vor) zu verurteilen? Das Resultat wäre wohl eine (digitale) Hexenjagd sondergleichen, proudly sponsored by Facebook, Twitter und Co…

Und was bedeuten diese – zumeist finalen – „Schandflecken“ in den Karrieren der „Täter“ für ihre „Fans“ – also all jene unter uns, die Charaktermimen wie Kevin Spacey und Dustin Hoffman stets gern von der anderen Seite der Leinwände aus zugesehen haben, oder an jedem Wort und jedem einzelnen Akkord hingen, welche Brand New auf ihren bislang fünf Alben tief in die Hörerherzen gruben (mal ganz davon abgesehen, dass diese Band noch drei weitere Mitglieder hat, welche nun unter dem Fehlverhalten ihres Frontmanns leiden)? Sollten alle Werke – also alle Filme, Serien-Episoden, alle Alben – nun auf dem imaginären Scheiterhaufen landen sowie aus jeglichen Mediatheken, Playlists und Bestenlisten verbannt werden? (Für alle, die von nun an ausschließlich Filme mit absolut straffreien Mimen sehen möchten, gibt es übrigens bereits eine eigene Webseite, auf welcher man die Zelluloidwerke vorab prüfen kann.)

Wer gerade Schwierigkeiten mit ebenjener Frage haben und – aus vor allem moralischen Gründen – mit sich selbst hadern sollte, für den habe ich an dieser Stelle eine ganz grundsätzliche Überlegung: War es denn nicht schon immer so, dass vor allem kreative Menschen eine weitaus dunklere Seite hatten als alle „normalen“? So war etwa ein gewisser Adolf Hitler – ja, das Bespiel mag dezent krass gewählt sein, es stützt jedoch den Kontext – vor seiner Zeit als Führer eines Massenvernichtungsapparates ein leidlich begabter Aquarell-Maler oder der kürzlich verstorbene Massenmörder und Sektenführer Charles Manson ein von den Beatles besessener Hippie-Singer/Songwriter. Oder Klaus Kinski ein zwar unberechenbarer Soziopath (und mutmaßlicher Kinderschänder), jedoch auch einer der wohl großartigsten Schauspieler der (deutschen) Filmgeschichte.

Will heißen: Große Kunst kam schon immer als Ergebnis des Drahtseilaktes kurz vorm Abgrund hervor und hat meist so wenig mit dem „normalen Leben“ von Otto Normal und Erika Mustermann gemein wie Donald Trumps verachtenswerte Twitter-Ausbrüche mit Frauen- und Menschenrechten. Alles andere würde klingen wie die Cranberries zu Zeiten des bezeichnenden „Wake Up And Small The Coffee„, oder meinetwegen die letzten Alben von Coldplay. Also: langweilig und uninteressant. Große Kunst brauchte und braucht seelischen Aufruhr und emotionale Schieflagen. Isso? Isso. Und obwohl dieser Gedanke kein falsches Handeln je rechtfertigen sollte (oder kann), so darf er gern beim Verstehen und Nachdenken über die Hintergründe helfen.

Natürlich ist es jedem selbst überlassen, welche Schlüsse man aus #metoo, aus all den Skandalen, Enthüllungen, Ereignisse und Debatten zieht. Wem man fortan seine Zeit vor den Bildschirmen und zwischen den Kopfhörern schenkt. Klar: Arschlöcher wird es immer geben – im wahren Leben wie in der Kunst. Ebenso übrigens wie Enttäuschungen. Zwar muss man es nicht so fatalistisch in Worte fassen wie eine Person, welche – sinngemäß, denn ich finde das Originalzitat auch nach eingehender Google-Suche nicht mehr – unlängst meinte, dass „2016 das Jahr war, an dem unsere Helden starben und 2017 jenes, in dem sie für uns gestorben waren“. Menschlicher – zumindest was ihre Fehlbarkeit betrifft – hat 2017 jedoch all jene einstigen „Lichtgestalten“ wie Harvey Weinstein, Kevin Spacey oder Jesse Lacey gemacht.

Und jetzt sind wir am Zug…

 

(Und, noch als kleiner Gedanke zum Schluss: All jene, die Spacey und Konsorten fortan an ihrem Sehverhalten entfernen, sollten – wenn schon, denn schon – konsequent handeln und auch bei jedem verdammten Mal, wenn einem Mariah Careys „All I Want For Christmas Is You“ aus den Lautsprechern entgegen plärrt, das Radio stumm schalten, schließlich sollte längst bekannt sein, wie die der Welt enthobene irre Pop-Diva mit ihren Angestellten und Untergebenen umgeht. Alles andere wäre janusköpfige Doppelmoral, mates…)

 

Rock and Roll.

Song des Tages: Lorde – „Perfect Places“

Vergesst all die Madonnas, Beyoncés, Katy Perrys, Rihannas, Lady Gagas, ja sogar all die Taylor Swifts – Ella Marija Lani Yelich-O’Connor ist im Jahr 2017 die nahezu perfekte, da gerade nicht perfekte Queen of Pop. Wohlmöglich sogar, ohne das wirklich zu wollen.

Ein Geheimtipp ist die heute 20-jährige Neuseeländerin, besser bekannt als Lorde, freilich längst nicht mehr. Spätestens seit sie 2013 mit ihrer Debüt-Single „Royals“ quasi aus dem neuseeländischen Nichts die gesamte Popwelt auf links drehte und sich über Nacht vom Außenseiter zum Spitzenreiter mauserte: „And we’ll never be royals / It don’t run in our blood / That kind of lux just ain’t for us / We crave a different kind of buzz“. DIY-Pop aus einem Land, dass sonst eher für Hobbits und Schafzucht und betörende Backpacker-Romantik bekannt ist. Und obwohl die Songs des Debütalbums „Pure Heroine“ an vielen Stellen an den elektronischen Minimalismus von The xx, an die entrückt-laszive Alterslosigkeit von Lana Del Rey, an die unterschwellig sinistre Feier des Lebens einer Lykke Li erinnerten, war das, was da ein gerade mal 16-jähriges Pop-Kücken auf die vorderen Charts-Plätze rund um den Globus katapultierte, vor allem eines: anders. Less-is-more-Pop mit Herz und Hirn, mit coolen Beats und intelligent gesetzten Sounds, die kein Gramm zu viel hatten und so weit weg wie nur irgendwie möglich waren von all der Übersteigerung, von all der schmonziert-sexualisierten Übertreibung der Konkurrenz. Und da die Popkultur nicht nur gern ihre größten Stimmen zum Frühstück verspeist, bevor sie ihre vermeintlichen neuen  „Wunderkinder“ pünktlich zur Lunch Time feiert, liebte die Welt diese Lorde.

Doch auch die Kehrseite dieser plötzlichen Erfolgswelle ist keine neue: Wie geht Ella Marija Lani Yelich-O’Connor mit der Erwartungshaltung, die all die neuen Fans – sowohl unter der „normalen“ Hörerschaft als auch vom Feuilleton – an das berühmte „schwierige zweite Album“ hatten, um? Einfach den Stiefel durchziehen, und zehn, elf neue Songs der gleichen Machart noch einmal abliefern? Bereits im jungen Alter einen kompletten Richtungswechsel wagen?

Nun: beides. Oder keines von beiden?

Natürlich tragen die elf neuen Stücke von „Melodrama„, dem im Juni erschienenen zweiten Album, die die mittlerweile 20-Jährige mal in Abgeschiedenheit ihrer neuseeländischen Heimat, mal im wuseligen New York City und gemeinsam mit Produzent Jack Antonoff (Bleachers, Fun.) schrieb, zunächst einmal vor allem ihre Handschrift. Doch war „Pure Heroine“ das schwärmerische Teenie-Dasein in einer vom Internet und Social Media geprägten Welt, so ist „Melodrama“ die Adoleszenz, das Erwachsenwerden. War „Pure Heroine“ die juvenile Chilling Zone in der Nachmittagssonne und die frisch verknallte Vorfreude auf die nächste Party, so ist „Melodrama“ die Nacht und der Morgen danach, der vernebelte Kater, der bittere Nachgeschmack der ersten Liebe: „I do my makeup in somebody else’s car / We order different drinks at the same bars / I know about what you did and I wanna scream the truth / She thinks you love the beach, you’re such a damn liar“ („Green Light“). Vor allem jedoch – und das ist neu – funktioniert „Melodrama“ als Gesamtkunstwerk, das zu keinem Zeitpunkt den Eindruck eines Kompromisses erwecken mag und bei dem subtile, durch moderne Trap-Rap-Beats und altbackenes Schulterpolster-Schlagzeug rhythmusgetriebene Knochengerüste der Marke The xx neben orchestralen Tränenziehern (mit dem ein oder anderen Powerballaden-Moment), Hochdruckhymnen aus der Windmaschinen-Ära und Handclap-Momenten für die nächste (verregnete) Festivalsaison funktionieren. Natürlich wollen diese Songs keine Welten bewegen, aber besser, zeitgeistiger als Lorde, die ebenso burschikos wie feminin erscheint, die gleichsam angepasst wie rebellisch daher kommt, die in Interviews schüchtern gackert, jedoch auch große Festival-Bühnen wie beim diesjährigen Glastonbury mit ihrer ganz eigenen Art in ihren Bann ziehen kann, wird es wohl 2017 nicht mehr. Eine Queen of Pop wider Willen, die ihrer Rolle mehr als gerecht wird.

 

Einer der besten Songs auf „Melodrama“ ist das ganz ans Ende gestellte „Perfect Places“, das mit Zeilen wie

„Every night, I live and die
Meet somebody, take ‚em home
Let’s kiss and then take off our clothes
It’s just another graceless night, ‚cause

All of the things we’re taking
‚Cause we are young and we’re ashamed
Send us to perfect places
All of our heroes fading
Now I can’t stand to be alone
Let’s go to perfect places“

die letzten Momente der ewig erscheinenden Jugend feiert, während die neuseeländische Sängerin im Musikvideo an ihren mutmaßlich „perfekten Orten“ zu sehen ist: Das ist mal ein vietnamesisches Reisfeld, ein karibischer Sommerstrand, ein Wald oder eine luxuriöse Hotel-Lounge mit Champagner.

 

Dass Lorde mit ihren neuen Songs auch im reduzierten Gewand zu bestehen weiß, zeigte die Sängerin kürzlich während einer in den berühmten New Yorker Electric Lady Studios mitgeschnittenen Live Session, bei der sie sechs Songs von „Melodrama“ mal zu Piano-Begleitung, mal mit Unterstützung eines Frauenchors, zum Besten gab – ein Stück, die Doppel-Nummer „Hard Feelings / Loveless“, gar auf dem Studiodach:

 

Rock and Roll.

Wo ist Bono? – BBC veröffentlicht Allstar-Version von „God Only Knows“

Die britische BBC hat ein Cover des Beach Boys-Klassikers „God Only Knows“ veröffentlicht. Eingespielt wurde die Neuinterpretation vom Impossible Orchestra, an dem neben dem BBC Concert Orchestra und dem Tees Valley Youth Choir auch internationale Größen des Musikgeschäfts wie Foo Fighters-Vorsteher Dave Grohl, Florence „and the Machine“ Welch, Lorde, Coldplay-Frontmann Chris Martin, Jamie Cullum, Jake Bugg, Pharrell „Happy“ Williams und die Boygroup One Direction beteiligt sind. Auch altgediente Musiklegenden wie Stevie Wonder, Queen-Gitarrist Brian May, Sir Elton John und natürlich Brian Wilson, der Komponist des Originals, haben an den Aufnahmen mitgewirkt und sind im Video – in der Regel nur für einen wenige Sekunden währenden Einsatz – zu sehen. Klassische Musiker wie Alison Balsom, Martin James Bartlett und Nicola Benedetti sowie Moderatoren wie Jools Holland trugen ebenfalls ihren Teil zur Neuinterpretation des beinahe 50 Jahre alten Welthits bei. Brian Wilson selbst zeigte sich geehrt: „Alle Künstler haben so einen herrlichen Job gemacht, ich kann ihnen gar nicht genug danken. Ich fühle mich sehr geehrt, dass ‚God Only Knows‘ ausgesucht worden ist.“ Mit der Aktion wirbt die BBC für ihre neue Sparte BBC Music sowie die hausinterne Charity-Kampagne „BBC Children in Need„. Dem kundigen Popmusikfreund stellen sich da wohl ganz automatisch zwei Fragen: Ja, ist denn scho‘ wieder Weihnachten? Und: Wo zur Hölle steckt Bono? Da war der U2-Fronter wohl noch zu beschäftigt damit, via Apple Freialben zu verteilen…

Trotz der Tatsache, dass man bei der Aufzählung all jener Künstler, die nicht dabei sind, fast schneller fertig wäre als bei der Liste der beteiligten Künstler – hier der Vollständigkeit halber der gesamte Cast:

„God Only Knows features the song’s original writer and creator, Brian Wilson, alongside 26 award-winning musicians including popular music stars Sir Elton John, One Direction, Stevie Wonder, Pharrell Williams, Jake Bugg, Lorde, Emeli Sandé, Chris Martin, Kylie Minogue, Paloma Faith, Sam Smith and Florence Welch; rock musicians Chrissie Hynde, Brian May and Dave Grohl; classical musicians Alison Balsom, Martin James Bartlett, Danielle de Niese and Nicola Benedetti; folk performer Eliza Carthy; Senegalese singer Baaba Maal; jazz performer Jamie Cullum; British Asian Music star Jaz Dhami; the BBC’s Zane Lowe, Lauren Laverne, Katie Derham, Gareth Malone and Jools Holland; with the youthful vocals of the Tees Valley Youth Choir and the BBC Concert Orchestra at its heart.“

 

 

 

Rock and Roll.

Die Woche in Bild und Ton…

Damit ihr nicht vollkommen den Überblick über alle hörens- und sehenswerten Neuerscheinungen der letzten Woche(n) verliert, hat ANEWFRIEND hier wieder einige der Video- und Songneuerscheinungen der letzten Tage für euch aufgelesen…

 

Johnny Cash – She Used To Love Me A Lot

Johnny Cash – da haben die meisten sicherlich das gebrechliche Bild jenes Mannes in Erinnerung, der sich im Musikvideo zur großartigen Nine Inch Mails-Coverversion von „Hurt“ über die Tasten des vor ihm stehenden Pianos schaut und auf (s)ein langes Leben zurückblickt… Nicht umsonst gelten Cashs letzte Jahre, für die er sich mit Erfolgsproduzent Rick Rubin zusammentat, um mit der Aufnahmereihe der „American Recordings“ sein eigenes, in all den Jahren leicht country’esk angestaubtes Image aufzupolieren, als seine wohl besten und produktivsten.

Doch der „Man in Black“ war auch vor (und nach) seiner Zeit der Alternative Credibility äußerst umtriebig und veröffentlichte in seiner Karriere zwischen 1954 und 2003 nahezu 100 Alben auf diversen Labels. Dass bei dieser Masse freilich so einiges unters Mischpult rutscht, dürfte nicht verwundern. Dass nun, elf Jahre nach Cashs Tod im Alter von 71 Jahren, nach und nach all die „verschollenen Aufnahmen“ plötzlich (?) das Licht der Plattenläden entdecken, gehört wohl dazu. „Out Among The Stars„, das in Deutschland am 21. März, erscheint, enthält nun Songs, die Johnny Cash zwischen 1981 und 1984 (also in den Jahren seiner Popularitätsflaute) mit dem Country-Produzenten Billy Sherrill aufgenommen hatte. Weil sich sein damaliges Label Columbia Records jedoch weigerte, das Album zu veröffentlichen, verschwanden die Songs und tauchten erst kürzlich wieder auf, als sich Cashs Sohn John Carter Cash deren annahm und ein wenig auf Zeitgeist „polierte“.

Im Musikvideo zur Auskopplung „She Used To Love Me A Lot“ stellt der verantwortliche Film- und Musikvideoregisseur John Hillcoat in eleganten, schwarzweiß und matt farbig gehaltenen Bildern der romantischen Vorstellung des amerikanischen Traumes die Entfremdung und soziale Zwiespältigkeit der Realität entgegen: Ur-amerikanische Landschaftsaufnahmen reihen sich an Bilder von Naturzerstörung, Symbolen des Kapitalismus – auf zwei kämpfende Bisons in der Steppe folgt beispielsweise der Stier der New Yorker Wall Street – und vom Leben gezeichneten und geprüften Menschen mit traurigen Augen. „Der Text des Liedes klang für mich, als hätte er ihn an das heutige Amerika gerichtet“, erklärt Hillcoat seine Interpretation des Cash-Songs. „An die Nation, die ihn liebte, und gegen deren Spaltung er immer gekämpft hat. Diese Spaltung hat sich seit seinem Tod nur noch extrem verstärkt, deshalb wollten Amerika in diesem krassen Licht zeigen, als Hommage an den Grund, aus dem Cash immer schwarz getragen hat: weil es beschämenderweise immer mehr Entrechtete und Ausgeschlossene gibt.“

Gleichzeitig ist das Musikvideo laut Hillcoat auch ein Kommentar zu Cashs persönlichem Leben – nicht umsonst sind immer wieder Bilder des Musikers im Hintergrund auf Wänden zu sehen. „Wir wollten auch den Kampf und die Reise dieses großen Mannes zeigen, von der Liebe seines Lebens hin zu den verbrannten Ruinen seines berühmten Hauses am See, persönliche Fotos, die Höhle, wo er versuchte, sich das Leben zu nehmen und dann sein Leben umkrempelte, den Ort wo er zuletzt aufnahm und das letzte Foto von ihm vor seinem Tod.“ Letzteres bildet denn auch eindrucksvollen Schluss des Videos…

 

 

 

Editors – Sugar

Im krassen Gegensatz zu den weiten Landschaften des Cash-Clips stehen die Bilder des neuen Musikvideos zu „Sugar“, der aktuellen Singleauskopplung aus dem im vergangenen Juni veröffentlichten vierten Editors-Studioalbum „The Weight Of Your Love„. Darin finden sich Sänger Tom Smith & Co. inmitten grauen Betons und kühler Neonbeleuchtung wieder. Und während geradezu aggressive Basslinien und Textzeilen wie „You swallow me whole / With just a mumbled hello / And it breaks my heart to love you / It breaks my heart to love you“ mal wieder ordentlich Melancholie ins Hörerherz pumpen, verlieren Schwerkraftgesetze ihre Gültigkeit und kommen die Wände immer näher…

 

 

 

Yesterday Shop – Trees & Games

Ähnliches Setting inmitten verlassener Industriebauten und den nagenden Zähnen der Zeit, identisches Gespür für schwebende Indie-Schwermütigkeit: Das aus dem schwäbischen Reutlingen stammende und sich mittlerweile auf Hamburg und Berlin verteilende Quintett Yesterday Shop gewährt mit „Trees & Games“ einen ersten Vorgeschmack aufs kommende Album „Parodos“, welches ab dem 9. Mai in den Plattenläden stehen wird. Ob das ähnlich gut wird wie der Ende 2012 erschienene selbstbetitelte Erstling? ANEWFRIEND bleibt am Ball!

 

 

 

Warpaint – Love Is To Die (live at Conan O’Brien)

Indie? Melancholisch? Schwebend? Faszinierend? All diese Attribute treffen freilich auch auf den All-Female-Vierer von Warpaint und deren aktuelles Album zu. Dass die Band aus Los Angeles bei allem Touren rund um die Welt und all den Vorband-Aufritten für The National, Nick Cave & The Bad Seeds oder die Queens Of The Stone Age das heimische (TV-)Publikum nicht vergessen hat, bewiesen Emily Kokal, Theresa Wayman, Jenny Lee Lindberg und Stella Mozgawa kürzlich bei Late Night-Talker Conan O’Brien, bei dem sie eine tolle Live-Version der aktuellen Single „Love Is To Die“ zum Besten gaben…

 

 

 

Joan As Police Woman – Holy City

Für den hartnäckigsten Ohrwurm in den ANEWFRIEND’schen Gehörgängen sorgte in der vergangenen Woche übrigens Joan „Joan As Police Woman“ Wasser mit „Holy City“, der aktuellen Single aus dem neuen Album „The Classic„. Dabei sei betont, dass sich der dazugehörige Rest von Platte Nummer fünf der 43jährigen Wahl-New Yorkerin ebenso lohnt, immerhin lässt sich laut.de in seiner knappen Review zu dem euphorischen Urteil hinreißen, das in den zehn neuen – und absolut zeitgemäß mit Elementen aus Soul, Blues, Swing und Sixties-Doo-Wop spielenden – Stücken „das echte Leben tobt“…

 

 

 

Die Coverversion(en) der Woche…

…stammt von der jungen Musikerin Kawehi, die im Rahmen ihrer Kickstarter-Kampagne für das Musikprojekt Robot Heart Cover-Wünsche annahm. Einer dieser Unterstützer-Vorschläge war Nirvanas „Heart-Shaped Box“, das die Künstlerin mit Beatboxing intoniert und nach und nach – mittels Loop-Maschine – Gesangs- und Keyboard-Schleifen einfügt, bis am Ende eine komplett eigene Variante des Kurt Cobain-Angstkleinodes entsteht.

Auch gut ist Sarah Stones A Capella-Handclap-, Tischklopf- und Becherknall-Variante von „Royals“ (das Original von Neuseelands 17-jährigem Shooting Star Lorde dürfte wohl hinlänglich bekannt sein), während Meytal Cohens Drum-Cover des Tool-Evergreens „Forty Six & 2“ beweist, wie *hust* ansehnlich und leichtfüßig weibliches Schlagzeugspiel inmitten schöner Sonnenlandschaften daher kommen kann. Das Auge hört ja bekanntlich auf YouTube mit, oder?

 

 

Rock and Roll.