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Song des Tages: Noah Gundersen – „Robin Williams“


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Zu weit, so bekannt (und am Ende doch kaum übertrieben): Gäbe es einen Preis für Deutschlands inoffiziellen Noah Gundersen-Fanboy-Blog, ANEWFRIEND hätte am Schluss des Abends recht gute Chancen, die Trophäe mit ins heimische Nest zu nehmen…

Und wer noch immer – schließlich lege ich euch den 30-jährigen US-Musiker bereits recht kontinuierlich seit 2014 und dem Debütwerk „Ledges“ wärmstens ans Hörerherz (und werde auch in Zukunft keinesfalls davon absehen) – von bloßer Schwärmerei ausgeht, der hat bis heute wohl keines der drei Solo-Alben des vielseitigen Singer/Songwriters aus Seattle, Washington gehört. Und bekommt nun eine weitere Chance…

Denn Noah Gundersen hat für den 23. August Album Nummer vier angekündigt: Dieses wird den Titel „Lover“ tragen (ein netter Spaß am Rande dürfte sein, dass eine gewisse Taylor Swift für den selben Tag ein neues Werk selben Titels angekündigt hat) und – laut Gundersen – weitaus „introspektiver“ ausfallen als noch der 2017 erschiene Vorgänger „WHITE NOISE„. Wird das was? Nun, schenkt man der ersten, einmal mehr herzzerreißenden Single „Robin Williams“ Glauben, welche nach ebenjenem Weltklasse-Comedian und -Schauspieler, der sich im August 2014 das Leben genommen hatte, benannt ist und in der Noah Gundersen die Erinnerung an Williams mit einer gewohnt großartigen Meditation über die Endlichkeit von allem sowie die Frage nach dem Sinn des Lebens und der Kunst verknüpft, könnten die 13 Stücke von „Lover“ genau an jener Herzschnittstelle andocken, der bereits ein Großteil des Debütalbums sowie einige Songs der nachfolgenden „Carry The Ghost“ und „WHITE NOISE“ (wie etwa „Heartbreaker“ oder „Cocaine, Sex & Alcohol (From A Basement In Los Angeles)„) ganz, ganz nahe gekommen sind…

Dock keine Sorge: der Fanboy bleibt an einem der besten und talentiertesten Singer/Songwriter der letzten zehn Jahre (Isso.) dran.

 

161595-lover.jpgNoah Gundersen über das neue Album „Lover“:

„On Valentines Day, 2019, I was in bed with my girlfriend, in a hotel room in Seattle, tripping on mushrooms. I was showing her bits and pieces of the album in its then unfinished form. at the time it was going to be called ‚I hope you meet everything you fear.‘ I guess it still could be. but as I was hearing the songs outside of my own ego, I began to see a pattern. or more so a person. A boy. A boy who had tried really hard for a long time to fill a space in his heart. A boy who didn’t know how to be alone, but regardless spent most of his time floating in his own head. A boy who really, really wanted to experience love – a majestic love, an epic love. And in the end, a boy who didn’t have anything to prove anymore.

It’s been a challenging couple years for me. I’ve had expectations shattered, relationships fail. I’ve felt the mortality of my own body. I’ve been hurt and caused hurt. I’ve spiraled into periods of substance abuse. But along the way I’ve sidled up to myself. I’ve been able to look in the mirror with more grace and be ok with who I see there, with all his flaws and imperfections.

Some of these songs are very old. Someone told me once that songwriters are like prophets (though he said you should never say that in an interview. Sorry John). We’re meant to see things that others can’t. Sometimes those ‚others‘ are ourselves. There are songs on this record that I wrote years ago, without really grasping their meaning until now. My therapist says art is the self talking to the self. I guess i was trying to get a message across, cast out into the sea of songs like a message in a shipwrecked bottle.

I imagine this album as a sci-fi movie, where a man travels through the infinite darkness of space, alone in his ship. He eventually goes mad, is visited by some interstellar being of light who bestows on him a revelation. He falls into a dream state and makes love with an angel and is made whole for a moment. Later he wakes up, alone in his cockpit, with that sort of sad but beautiful certainty that comes from accepting one’s aloneness.

This record is deeply personal. it’s about love, it’s about failure, it’s about drugs, it’s about sex, it’s about age, it’s about regret, it’s about itself (very meta, I know) and it’s about finding peace. I think it’s the most I’ve ever put of myself into something. It’s been cathartic. I’ve cried a lot.

My close friend and producer Andy Park also poured his soul into this record. We spent 2 years, mostly in his apartment, carving away at it. Sometimes it felt like we had poured a slab of concrete, with the blind faith that somewhere inside was a beautiful sculpture. This is just as much his record as it is mine. Also shoutout to his lovely girlfriend Tess for letting me invade their space constantly and making them miss Game of Thrones because of last minute mix recalls.

To all the people in these songs, I love you. I’m sorry for the hurt I’ve caused.

And to you, the listener, I hope you find a space for this record. I hope it moves you. I hope above all that it can remind you to be kind to yourself, to find patience and grace.

‚I do not know what I may appear to the world, but to myself I seem to have been only like a boy playing on the seashore, and diverting myself in now and then finding a smoother pebble or a prettier shell than ordinary, whilst the great ocean of truth lay all undiscovered before me.‘
– Isaac Newton“

 

robin-williamsNoah Gundersen über die Vorab-Single „Robin Williams“, welche auch das Album eröffnen wird:

„I wrote someone a letter once, apologizing for how things had gone down, handing it off to her outside an Alex Cameron show. She responded by saying, ‚You can’t lose what you don’t own.‘ I think this applies to a lot of things.

Things come to you in their own time. As I’ve gotten older, the less I really know and the more I’ve become ok with that. Dylan probably said it best in, ‚I was so much older then, I’m younger than that now.‘ I’ve tried so hard to change and shape myself around external and internal expectations, yet always seem to come back to the same place. I’m learning to accept this.

Death comes for us all, no matter how talented we are, no matter how much work we make. I had just finished the Robin Williams documentary when I wrote this and was deeply moved by his spirit and enormous talent. I had also been reading about the expansiveness of DMT in Tao Lin’s ‚Trip‘. Art is both everything and nothing. Living is the same.“

 

 

„One way or another, it’s gonna make its presence known
From one monkey to another, you can’t lose what you don’t own
It’s okay if you get anxious, just please don’t call the cops
There’s a couple things I’m sure of, and a whole lot more I’m not

There’s a sentimental value to the memory of love
It’s a pretty looking rainbow, what does it remind you of?
Is it somewhere there’s a heart of gold that’s never gonna rust?
Or it’s a hard rain, honey, but it’s never gonna flood

Despite all my reservations, I’ve been doing this for years
Hoping that some magic touch would finally make it clear
But when it all comes crashing down, I’m still standing here
Looking at the same face in the same place, just a different kind of mirror

Well, nothing lasts forever, and every other trope
I guess it just depends how much DMT you smoked
But when I think of Robin Williams at the end of his rope
It makes no difference what you’re making, the reaper makes the final joke

So I gather my impressions of the universal sigh
And hope that someone’s listening to their radio tonight
Though it doesn’t really matter with so many come before
And who the hell are we fooling? No one buys records anymore“

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Noah Gundersen – „Cocaine, Sex & Alcohol (From A Basement In Los Angeles)“ (live)


Photo by Sean Mathis

Foto: Sean Mathis / Twitter

Wenn man so mag, dann könnte man durchaus behaupten, dass man Noah Gundersen hier auf ANEWFRIEND über die Jahre beim Erwachsenwerden zuhören konnte, denn auch – und: vor allem – künstlerisch hat sich seit der ersten Erwähnung im März 2014 (einer Review zum tollen Solo-Debütalbum „Ledges“) so Einiges getan bei dem heute 29-jährigen US-Musiker: Vom Dreadlocks tragenden Jesus-Freak aus Seattle, Washington, der im Familienkreis fein harmonisch-gottesfürchtige Traditionals singt über den von Herzeleid geplagten jungen Barden („Ledges“) und juvenilen Troubadour (der ebenfalls großartige, 2015 erschienene Nachfolger „Carry The Ghost„) bis hin zu seiner neusten Reinkarnation des durch Los Angeles streunenden Lederjacken-Rockstar-Desperados. Und obwohl ich zugeben muss, dass das 0711297518023jüngste Album „WHITE NOISE“ seit seiner Veröffentlichung im September 2017 – der Mannigfaltigkeit seiner musikalischen Einflüsse und der erneut üppigen Spielzeit von 67 Minuten wegen – einige Durchgänge brauchte, um auch bei mir endlich zu zünden, ist auch Noah Gundersens aktuelles musikalisches Outfit vor allem: absolut großartig sowie in jeder Note mit Inspiration und Talent gesegnet.

Mal ehrlich: Wer hätte 2014 gedacht, dass der jungen Typ mit der Akustischen nur wenige Jahre später mit einen Song wie „Cocaine, Sex & Alcohol (From A Basement In Los Angeles)“, der es in Stimmung, Instrumentierung und Stimme tatsächlich mit Thom Yorke und seinen Radiohead zu „Kid A“-/“Amnesiac“-Zeiten aufnehmen kann, ums Eck biegt? Eben. Ganz große ♥. Und auch für die Zukunft gilt: ANEWFRIEND bleibt weiter an Noah Gundersen dran…

 

Hier gibt es erwähntes „Cocaine, Sex & Alcohol (From A Basement In Los Angeles)“ – für mich lediglich nur eines von vielen großartigen Stücken auf „WHITE NOISE“ (welches man sich am Besten am Album-Stück sowie über Kopfhörer zu Gemüte führen sollte) – als Live-Version, aufgenommen bei Noah Gundersens Heimspiel im Neptune Theatre in Seattle, WA:

 

Rock and Roll.

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Sunday Listen: Noah Gundersen – Live at BBC Celtic Connections


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Der regelmäßige Besucher von ANEWFRIEND dürfte mit Noah Gundersen und dessen Songs freilich längst vertraut sein, immerhin hat es der 27-jährige Folk-Singer/Songwriter in den letzten Jahren mit seinen zwei Soloalben stets unter meine liebsten zehn „Alben des Jahres“ geschafft.

Deshalb auch gar nicht mehr Worte, sondern einfach ein 24-minütiger Live-Mitschnitt eines Auftritts von Gundersen, dessen Schwester Abby aktuell mit dem ebenfalls in still-intensiven Gefilden musizierenden William Fitzsimmons on Tour ist, der für „BBC Celtic Connections“ im Centre for Contemporary Arts im schottischen Glasgow aufgezeichnet wurde, wo der aus dem US-amerikanischen Seattle, Washington stammende Musiker Ende Januar diesen Jahres auftrat. Neben fünf Stücken von „Ledges“ und „Carry The Ghost“ gab Noah Gundersen da auch (s)eine Version des Springsteen-Klassikers „Dancing In The Dark“ zum Besten.

 

 

Setlist:
1. Isaiah 0:00
2. Halo (Disappear / Reappear) 3:50
3. Selfish Art 7:13
4. Dancing in the Dark (Bruce Springsteen Cover) 11:49
5. Empty From The Start 15:22
6. Jealous Love 20:37

 

Rock and Roll.

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Das Album der Woche


Noah Gundersen – Carry The Ghost (2015)

cover-350x350-erschienen bei Dualtone Music-

Singer/Songwriter gibt es – gerade in Zeiten des weltweiten Netzes – wie den sprichwörtlichen Sand am Meer, klar. Und die meisten von ihnen spielen viel eher die leisen Töne an, ihre Stücke möchten und müssen erarbeitet werden. Zum Nebenbeihören oder fürs Radio eignen sich ihre Songs nur in den seltensten Fällen, mit viel Glück findet sich der ein oder andere Beitrag als Teil der musikalischen Untermalung eines Films oder einer TV-Serie wieder – etwa im Fall von Damien Rice („The Blower’s Daughter“) oder Glen Hansard („Falling Slowly“, das im Zuge des Indie-Filmhits „Once“ sogar einen Oscar als „bester Filmsong“ einheimsen konnte). Doch trotz der Leisetreterei denken auch heutzutage jüngere Semester – und das beinahe 60 Jahre nach den ersten musikalischen Gehversuchen eines gewissen Robert Allen „Bob Dylan“ Zimmerman – nicht daran, Abstand von der Akustischen oder dem Piano zu nehmen. Klar, die Mittel und Wege mögen im 21. Jahrhundert ganz andere sein als in den Sechzigern, als man sich sein Publikum auf kleinen Caféhaus-Konzertbühnen noch peu à peu erspielen musste, anstatt Youtube-Videos von jetzt auf gleich einem Millionenpublikum feil zu bieten. Doch so anders klingen die Melodien auch heute nicht. Und die Nadel im Heuhaufen darf nun gern auf digitalem Wege gefunden werden. The times they are a-changin‘? Gar nicht mal so sehr.

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Demzufolge ist auch Noah Gundersen, beheimatet in Seattle im Nordwesten der US of A, einer von vielen. Obwohl: beheimatet? Seit dem Erschienen seines Solodebüts „Ledges“ im vergangenen Jahr (sieht man mal vom vor vier Jahren veröffentlichten Album „Fearful Bones“ mit seiner Band The Courage ab) war der heute 26-Jährige quasi nonstop unterwegs, führte ein unstetes Nomadenleben on the road, um seine Stücke unters Hörervolk zu bringen. Und siehe da – er fand auch medial Gehör, denn unter anderem konnte der aufstrebende Singer/Songwriter gar den ein oder anderen Song in der erfolgreichen US-Bikerserie „Sons Of Anarchy“ unterbringen. In den besinnlichen Momenten der TV-Serie, welche unter der Sonne Kaliforniens spielte und im vergangenen Dezember nach sieben Staffeln zu Ende ging, waren dann etwa Gundersens Version des Rolling-Stones-Evergreens „As Tears Go By“ oder das eigens für die Serie verfasste „Day Is Gone“ zu hören. Dass die Macher von „Sons Of Anarchy“ zur musikalischen Untermalung ihrer bewegten Bilder auf Gundersen zukamen, kam wohl auch nicht von ungefähr, denn ebenso wie dem Bild von Lederkutten, heißen Öfen und noch heißeren Biker-Bräuten wohnt auch den Songs des Singer/Songwriters etwas uramerikanisches inne (insofern es das gibt): das gemeinsame Musizieren in Familie (so spielen Schwester Abby und Bruder Jonathan in seiner Begleitband), die beseelte Fiddle (etwa nachzuhören im Stück „Boathouse“ vom Debüt), dem A-capella-Harmoniegesang („Poor Man’s Son„), ein wenig Religiosität (mit dezent kritischem Augenmerk), Nachdenklichkeit und viel, viel Sehnsucht nach allem, was fern scheint. Gundersen selbst beschrieb seine Musik unlängst als „sad acoustic Americana“, und obwohl er damit gar nicht mal so falsch liegt, greift das freilich viel zu kurz. Sei’s drum. Alles in allem gelang ihm mit „Ledges“ ein formidables Album, welches es sogar unter ANEWFRIENDs Top 3 des Plattenjahres 2014 schaffte. (Dass der Rest Europas seinen Songs – bislang – die kalte Schulter zeigte, ist dabei einerseits schade, andererseits wohl der gefühligen Americana-Lastigkeit der Stücke geschuldet, für die man hier, auf der anderen Seite des Atlantiks, im Gros nicht wirklich empfänglich scheint.)

Umso höher ist nun die Messlatte für Album Nummer zwei. Und obwohl Noah Gundersen „Carry The Ghost“ nur knapp eineinhalb Jahre nach „Ledges“ abliefert, merkt man es den neuen Stücken, welche fast ausschließlich unterwegs in Hotelzimmern und Backstageräumen entstanden, an, dass es sich auch der Musiker selbst nicht zu einfach machen wollte. Denn mit den elf Songs des Debüts hat „Carry The Ghost“ nur noch wenig gemein.

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„She watched the valley burn like a slow dancer doing turns / My name was on every tongue / And all of the smoke and ash
Like the memory of the time gone bad / Hanging like a shadow“ – zu melancholischen Pianoklängen malt bereits die Eröffnungsnummer „Slow Dancer“ dunkle Bilder an die Studiowände, von denen sie sich auch nach dreieinhalb Minuten nicht so recht entfernt – dafür kommen sanfte Streicher und der Backgroundgesang von Schwester Abby hinzu. Ganz ähnlich verhält es sich darauf auch mit „Halo (Disappear_Reappear)“: „Take it like a man and shut your mouth / Yeah I could make it on my own / I watched my grandfather die alone“ – die zunächst beschaulich angeschlagene Elektrische ufert nach knapp drei Minuten aus gibt des Himmel für ein kleines Feedback-Solo frei, welches auch Neil Youngs Crazy Horse gut zu Gesicht gestanden hätte. Apropos Neil Young: das nicht tot zu kriegende kanadische Rock-Urgestein (beziehungsweise dessen richtungsweisende Alben wie „After The Goldrush“ oder „Harvest“) dienten Gundersen als eine der größten Inspirationen für die neuen Stücke. Und das hört man denn auch, etwa im Langsam-Schunkler „Show Me The Light“ oder dem Softie-Bekenntnis „I Need A Woman“ („I need a woman / To hold my hand / To make me feel / More like a man / I need a woman / It’s sad but true / I need a woman“). Eine andere Quelle muss wohl Ryan Adams gewesen sein, dessen 15 Jahre junges Solodebüt „Heartbreaker“ an so einigen Stellen ebenso gefühlt anklingt (und dem sieben Minuten langen vorletzten Song „Heartbreaker“, dessen E-Gitarren-Ausbrüche es obendrein erneut mit Neil Youngs Crazy Horse aufzunehmen scheinen, gleich seinen Titel leiht) wie Adams‘ spätere Werke mit seiner damaligen Begleitband The Cardinals und deren verstärkt elektrischer, oft in beseelte Jams mündender Americana-Sound. Mit dem vergleichsweise doch recht beschwingten Melodien von „Ledges“ haben die 13 neuen Stücke (oder drei Bonus Tracks mehr in der Deluxe Edition) von „Carry The Ghost“ indes weniger gemein. Gundersen zeigt sich, mal am Piano, mal an der elektrischen oder akustischen Gitarre, deutlich introspektiver als zuvor – etwa im feinen „Empty From The Start“ mit Zeilen wie „This is all we have / This is all we are / Blood and bones, no Holy Ghost / Empty from the start“ oder der kritischen Künstler-Betrachtung „Selfish Art“ („Sometimes / Making songs for a living / Feels like living to make songs /…/ I’m watching as the stage goes black / How long until we all go back / To being nothing at all / Nothing but a spark in someone’s eye / Am I giving all that I can give / Am I earning the right to live / By looking in a mirror / There’s nothing more sincere than selfish art“). Die klassischen Topoi des Singer/Songwriters – das Sentimentale, die Nachdenklichkeit, die beäugte Weltbetrachtung – finden auf „Carry The Ghost“ ebenso Platz wie Gundersens ganz private Dämonenkämpfe während des Touralltags oder – ebenso klassisch – die Sehnsucht nach Liebe und Frieden. Freilich erschweren soviele Ruhepole, erschwert soviel Introspektivität erst einmal den Zugang zum Album. „Carry The Ghost“ braucht Zeit, um sich zu entfalten. Gibt man dem Album in den schnelllebigen Zeiten, in denen wir leben, jedoch genau das, so wird man mit einem erneut großartigen Album belohnt. (Und der Rest Europas wird wohl wieder einmal weghören.)

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Hier kann man das komplette Album im Stream hören…

…und sich hier die beiden Album-Highlights „Selfish Art“, „Halo (Diappear_Reappear)“ und „Heartbreaker“ in Live-Session-Varianten ansehen:

 

Wie passend übrigens, dass Noah Gundersen sich kürzlich mit Schwester Abby, die dieser Tage ihr Debütalbum „Aurora“ veröffentlichte, und der Band Whitehorse den Neil-Young-Evergreen „Helpless“ vornahm:

 

ng_ctg_noisetrade1Und wie bereits in den vergangenen Wochen hat ANEWFRIEND auch diesmal einen – wahlweise – kostenlosen Download-Tipp für euch parat: Bei NoiseTrade kann man sich die sechs Songs starke „Carry The Ghost Primer“ EP, bestehend aus Stücken der 2014 erschienenen „Twenty-Something EP“ und von „Carry The Ghost“, aufs heimische Abspielgerät laden und einige von Noah Gundersens neuen Kompositionen vor dem Albumkauf probehören…

 

 

Rock and Roll.

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Der Jahresrückblick 2014 – Teil 3


Ein zwar nicht durch und durch hochkarätiges, jedoch ebenso wenig an tollen Veröffentlichungen armes Musikjahr 2014 neigt sich unausweichlich seinem Ende zu. Zeit also, ANEWFRIENDs “Alben des Jahres” zu küren und damit, nach der Rückschau aufs Film- und Serienjahr, auch die Königsdisziplin ad acta zu legen! Dem regelmäßigen Leser dieses Blogs werden sich wohl wenige Überraschungen offenbaren, schließlich wurde ein guter Teil der Alben meiner persönlichen Top 15 im Laufe des Jahres bereits besprochen. Bleibt nur zu hoffen, dass auch 2015 ein ähnlich gutes Niveau an neuen Platten und Neuentdeckungen bieten wird… Ich freue mich drauf.

 

 

LaDispute_ROTH1.  La Dispute – The Rooms Of The House

Wildlife„, La Disputes zweites, 2011 erschienenes Album, brauchte wahrlich keine Wiederholung, immerhin lieferte die Post Hardcore-Band aus Grand Rapids, Michigan bereits damals ihr Meisterwerk ab, in welchem sie die instrumental-brachialen Tour-de-Force-Rhythmen der Band mit der stellenweise brillanten und noch viel öfter erschütternden Alltagsbeobachtungslyrik von Sänger und Frontmann Jordan Dreyer zu einem wahnhaft faszinierenden einstündigen Albummonolithen verband. Der Nachfolger „Rooms Of The House“ gibt sich da – sowohl musikalisch als auch textlich – weitaus differenzierter, stellenweise gar zurückgenommener und introspektiver. Dreyers Musik gewordene Geschichten scheinen wie zufällig zu Boden gefallene alte Familienfotografien, die nach langer Zeit wieder in die Hand genommen werden, und dann die ein oder andere biografische Wunde aufreißen. Und doch ist alles auf „Rooms Of The House“ an seinem Platz. La Disputes drittes Album ist zwar anders als noch „Wildlife“, jedoch kaum weniger faszinierend.

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Pianos1-640x6402.  Pianos Become The Teeth – Keep You

Zumindest ich hatte die Band noch vor kürzerer Zeit zwar auf dem Zettel (beziehungsweise kannte ich deren Namen), jedoch so gar nicht in meiner rotierenden Playlist. Eine stilistische Beinahe-Einhundertachtzig-Grad-Wende und deren Ergebnis „Keep You“ haben das endgültig geändert. Kaum ein Album ging mir in den vergangenen Monaten mehr zu Herzen, bei keinem anderen finde ich weniger Worte, zu erklären, woran das nun tatsächlich liegt. Muss man ja aber auch nicht. Die Musik übernimmt für 44 Minuten all das, was nicht auszusprechen ist, bevor der krönende Albumabschluss „Say Nothing“ Note für Note davon getragen wird… Indierock, der von schweren Herzen erzählt, selbige damit nicht selten erst erweicht – und dann mit flinken Stichen flickt.

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noah-gundersen-ledges3.  Noah Gundersen – Ledges

Kein Album der Sparte „Singer/Songwriter“ lief öfter bei mir in diesem Jahr, in keines bin ich lieber und tiefer eingetaucht. Dem Debütalbum des 24-jährigen Noah Gundersen aus Seattle, Washington wohnt als Ganzes etwas Spirituelles, Heilsames und Reinigendes inne, dem der Hörer sich nur schwerlich entziehen kann. Große Vergleiche dürfen bereits jetzt angestellt werden, für die Zukunft sollte man den Herren und seine mitmusizierenden Geschwister auf dem Zettel haben. (M)Ein Geheimtipp? Noch.

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1196f14f-MW_Konfetti_Final4.  Marcus Wiebusch – Konfetti

„Der Tag wird kommen“ ist für Kettcar-Frontmann Marcus Wiebusch wohl Segen und Fluch zugleich. Zum einen ist das monumentale Stück, in welchem Wiebusch Homophobie im Profifussball offen und ganz Frank und frei thematisiert, samt dem dazugehörigen, via Crowdfunding finanzierten Kurzfilm, eine der besten, richtigsten und wichtigsten Sachen, die der deutscher Musik und Kulturgesellschaft in diesem Jahr passieren konnten. Andererseits überschattet der Song jedoch völlig zu unrecht seine zehn Kollegen auf Wiebuschs Solodebüt „Konfetti“, denn vor allem „Nur einmal rächen“, „Haters Gonna Hate“ oder der Abschluss „Schwarzes Konfetti“, bei welchen der gebürtige Heidelberger und Wahlhamburger Musiker mit Sozialisierung im DIY-Punk – stilistisch wie textlich – viele neue Wege geht und dabei so einiges richtig macht. Besser war 2014 wohl kaum ein deutschsprachiger Musiker, wichtiger und relevanter definitiv nicht.

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strand of oaks - heal5.  Strand Of Oaks – Heal

Timothy Showalter ist schon ein komischer Kauz. Freilich, das ist der 32-jährige Träger von amtlichem Vollbartes und Headbangermähne nicht eben erst seit „Heal“, dem vierten Album seines Band gewordenen Projektes Strand Of Oaks. Doch ausgerechnet auf Showalters rein textlich bisher persönlichstem und bitterstem Werk stellen sich all der schmerzhaften Lyrik ausgerechnet poppig anmutende Melodien und nicht wenige Fuzz- und Bratz-Gitarren (für ein, zwei Solos konnte er gar Dinosaur Jr.-Legende J. Mascis gewinnen) in den Weg, die dieses Album zu einer wahren Freude mit allerhand Repeat-Garantien machen. Man ist fast versucht, hier von „Hörspaß“ zu sprechen, wären die zehn Songs nicht eine derart tiefe Schlüssellochschau in die Wunden einer auf Kipp stehenden Beziehung.

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against-me-transgener-dsphoria-blues6.  Against Me! – Transgender Dysphoria Blues

Ein Album, dessen Ursprünge wohl – der Biografie von Against Me!-Frontfrau Laura Jane Grace wegen – lange in der Vergangenheit fußen, das – aller Eingängigkeit, allen Hooklines zum Trotz – einen durch- und überaus ernsten Themenanspruch besitzt, und wohl vor allem deshalb so aufrichtig zu Herzen gehen geraten ist. All das ist das so eigenartig wie passend betitelte „Transgender Dysphoria Blues“, da erste seit dem Outing von Ex-Frontmann Tom Gabel als Transgender-Frau, durch welches sie – also Laura Jane Grace, wie sich Gabel jetzt nennt – leider auch einen guten Teil der eigenen Band zum Abgang bewegte. Doch trotz so einiger dunkler Anklänge ist das sechste Studioalbum der Punkrock-Band aus Gainesville, Florida durch und durch kämpferisch, denn weder Gabel, die nach Erscheinen des Albums im Januar in der Webserie „True Trans“ Gleichgesinnte (im Sinne einer Geschlechtsidentitätsstörung) traf und mit ihnen über ihr neues und altes Leben sprach, noch seine Songs geben sich in einer trist-dunklen Ecke zufrieden, sondern kämpfen sich zurück ins Leben.

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we-were-promised-jetpacks-unravelling-album-cover-300-3007.  We Were Promised Jetpacks – Unravelling

Unter all den fantastischen schottischen Gitarrenrockbands waren die fünf Bleichgesichter von We Were Promised Jetpacks bislang auf die Abteilung „Indiediscohit“ abonniert, immerhin boten die beiden Vorgängeralben „These Four Walls“ (2009) und „In The Pit Of The Stomach“ (2011) so einige davon – man nehme nur  „It’s Thunder And It’s Lightning“, „Quiet Little Voices“ oder „Roll Up Your Sleeves“, zu denen sich wohl so einige Indiekids die Röhrenjeans und Chucks schweißnass getanzt haben dürften.  Nur die aus Edinburgh stammende Band selbst hat scheinbar die Lust an Mitgröhlrefrains und allzu repetitiv-zackigen Gitarrenakkorden verloren, denn auf Albumlänge ist – zumindest im Fall von „Unravelling“ – Schluss damit. Eventuell liegt es ja auch an Band-Neuzugang Stuart McGachan, der gleich sein Keyboard mitbringt und den neuen Songs ein vertrackteres, tieferes und ernsthafteres Outfit verpasst. Natürlich verzichten die Schotten weder auf prägnante Melodien (wie im Opener „Safety In Numbers“ oder „Peace Sign“) noch auf den signifikant-sympathischen Schotten-Slang von Sänger Adam Thompson, allerdings sind es 2014 die ungewöhnlichen Stücke, die besonders überzeugen, wie das Abschlussdoppel aus dem instrumentalen Sechseinhalbminüter „Peace Of Mind“ und dem getrommelt ausfadenden „Riccochet“. Dann nämlich steht die Band bereits mit einem Bein wahlweise im Post Punk oder Post Rock – und ist am Ende doch ganz bei sich selbst.

 

 

damon-albarn-everyday-robots8.  Damon Albarn – Everyday Robots

Kaum zu glauben, dass Damon Albarn, der in seinen 46 Lebensjahren schon so einige relevante Fußabdrücke im popmusikalischen Universum hinterlassen hat (vom Britpop von Blur über den megalomanischen Bastardpop der Gorillaz bis hin zu „Superband“-Geheimtipps wie The Good, The Bad & The Queen oder Ausflügen in die Opernwelt und Weltmusik Peter Gabriel’scher Couleur), erst 2014 sein offizielles Solodebüt „Everyday Robots“ vorlegte. Umso besser, dass Albarn das lange Warten nun auch mit Qualität belohnt. Wer die Karriere des Londoner Weltbürgers aufmerksam verfolgt hat, dem dürfte eh klar gewesen sein, dass Albarn kaum etwas mehr zu wurmen scheint als Wiederholungen. Folglich haben die zwölf neuen Stücke kaum etwas bis gar nichts mit seinen früheren Bands und Projekten gemein. Stattdessen jubelt Damon Albarn dem Hörer 2014 allerhand kleine verträumt-melancholische Kleinode unter, in welchen, wie in „Lonely Press Play“, Klaviernoten einsame Schleifen zieht, während Elektrobeats verschlafen pluckern. Anderswo hoppelt zu Kindergitarrenakkorden und Gospelchor in „Mr. Tembo“ ein kleiner Elefant durchs Steppengras, während sich der Musiker kurz darauf – in „Hollow Ponds“ – zurück zu den Plätzen seiner Kindheit begibt. All das gipfelt im hymnischen, gemeinsam mit Brian Eno und Chören entstandenen „Heavy Seas Of Love“. In „Everyday Robots“ lässt Damon Albarn tief in seine eigene Seele blicken – und die reicht ebenso ins nachdenkliche Gestern wie weit ins futuristisch-befremdliche Morgen.

 

 

damien rice MFFF9.  Damien Rice – My Favourite Faded Fantasy

Fast hatte man ihn vergessen, und längst noch weniger Hoffnungen auf eine Rückkehr von Damien Rice gehegt. Nach zwei ganz und gar bezaubernden Alben („O“ und „9“), die auch heute noch jeden in ihren Bann ziehen, der die Stücke zum ersten oder tausendsten Mal hört, nach der privaten wie künstlerischen Trennung von seiner kongenialen (Duett)Partnerin Lisa Hannigan verschwand Rice acht lange Jahre lang ganz und sonders von der Bildfläche. Die Ankündigung seines dritten Albums im September diesen Jahres muss sich daraufhin angefühlt haben, als würden die USA von heute auf morgen ihre Armee abschaffen und fortan einen Staat nach kommunistischen Maximen führen. Doch am Ende der acht Songs von „My Favourite Faded Fantasy“ ist doch wieder vieles beim Alten. Der irische Singer/Songwriter weidet in den gemeinsam mit Produzentenass Rick Rubin (!) in Studios zwischen Los Angeles und Island (!!) entstandenen Songs in der eigenen Seelenpein, dass auch diesmal nicht wenige männliche wie weibliche Herzen schwer werden, während ihm die Akustische, das Piano und ganze Heerscharen von Streichern aufopferungsvoll zu Hilfe eilen. Vermeintliche „Hits“, wie es sie früher noch mit „Volcano“, „The Blower’s Daughter“, „Cannonball“ oder „9 Crimes“ gab, sucht man indessen auf „My Favourite Faded Fantasy“ vergebens – dafür sind die neuen Stücke, von denen nur einer unterhalb der Fünf-Minuten-Marke liegt, zu elegisch, zu introvertiert. Unverhofft schön ist Damien Rices Rückkehr jedoch allemal.

 

 

SKM21021410. Sun Kil Moon – Benji

Viele Dinge mögen außer Frage stehen. Dass der öffentlich ausgetragene Musikerstreit zwischen Mark Kozelek und The War On Drugs-Frontmann Adam Granduciel (über die Hintergründe weiß Google freilich Antworten zu liefern) einerseits verdammt albern war, andererseits aber auch den – wenigstens für kurze Zeit – amüsanten Kozelek-Songkommentar „War On Drugs: Suck My Cock“ hervor brachte. Dass Mark Kozelek – ob nun mit Jimmy LaValle oder den Kollegen von Desertshore im vergangenen Jahr, unter dem eigenen Namen und solo oder mit seiner aktuellen Hauptband Sun Kill Moon – einer der bewegendsten, produktivsten und brillantesten musikalischen Geschichtenerzähler unserer Zeit ist. Denn genau das macht der grantige US-Amerikaner nun mal: er erzählt, während die jeweilige Instrumentierung stets nur Mittel zum Zweck bleibt. Das Bewegende daran ist, dass all diese Geschichten seinem Leben und Erlebten entspringen, und somit auch 2014 eine erstaunliche thematische Bandbreite aufweisen, die vom tragischen Tod einer Cousine zweiten Grades (der Opener „Carissa“) über Attentate in den eben nicht so glorreichen US of A („Pray For Newtown“) bis hin zu Episoden aus Kozeleks Sexualleben („Dogs“) und die Freundschaft zu Death Cab For Cutie-Frontmann Ben Gibbard (der Abschluss „Ben’s My Friend“) reichen. Klar mögen viele Dinge außer Frage stehen: Dass Mark Kozelek wohl privat ein vom Leben zynisch geformtes Arschloch ist. Dass seine Songs eine immer schönere karge Klarheit ausstrahlen, derer man sich so schnell nicht entziehen kann. Dass man das Arschloch für Stücke wie die auf „Benji“ auch gern weiterhin in Kauf nimmt.

 

 

…und auf den weiteren Plätzen:

Foxing – The Albatross

The Afghan Whigs – Do To The Beast

Foo Fighters – Sonic Highways

Ryan Adams – Ryan Adams

Warpaint – Warpaint

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Noah Gundersen – „Smells Like Teen Spirit“


Noah

Seattle. Die Herkunft aus der Großstadt im Nordwesten der USA (beziehungsweise aus deren Umland) dürfte wohl im ersten Augenblick die größte und beinahe einzige Gemeinsamkeit von Kurt Cobain und Noah Gundersen sein. Auf der einen Seite der ungewollte Posterboy des Grunge, der einer ganzen Generation eine Stimme verlieh, dabei jedoch beständig zwischen typischem Rockstar-Hedonismus und geradezu manischen Lasst-mich-in-Ruhe-Attacken hin und her pendelte, um sich im Alter von 27 Jahren (mutmaßlich) selbst ins Jenseits zu befördern. Auf der anderen Seite der stille, gläubige und spirituelle Singer/Songwriter, der mit seinem absolvierten Vierteljahrhundert die „magische 27“ erst in zwei Jahren erreichen wird.

benbloodNein, um Noah Gundersen muss man wohl kaum die gleichen Bedenken haben, die man damals in den wilden Neunzigern um Kurt Cobain hatte, als MTViva tatsächlich noch Musikvideos spielte und da auch eines mit ausgelassen moshenden Highschoolkids und Cheerleadern inmitten einer damals noch unbekannten Band auf Heavy Rotation setzte. Trotzdem – oder gerade wegen dieser vermeintlichen Diskrepanz – hat sich Gundersen, der im Februar diesen Jahres sein starkes Albumdebüt „Ledges“ veröffentlichte, nun ausgerechnet den größten Nirvana-Erfolg „Smells Like Teen Spirit“ vorgenommen (die Coverversion ist Teil von Gundersens „Twenty-Something EP“ die der Singer/Songwriter exklusiv während Konzerten seiner US-Herbsttournee zum Kauf anbieten wird). Wo Cobain im Original all jenen Verunsicherten und Zurückgelassenen der „Generation X“ eine lauthals krakeelende Stimme gab, zieht Noah Gundersen alle Wut und Frustration vom Songgerüst und bringt so die Trauer zum Vorschein, die wohl im Nirvana-Frontmann hochgekocht sein mag, als er den Song im Mai 1991 gemeinsam mit Bassist Krist Novoselic und Schlagzeuger Dave Grohl aufnahm. Und irgendwie erinnert er mit dieser Vorgehensweise der Entschleunigung eines nahezu unantastbaren Klassikers an die ähnliche große Covervariante, die Ryan Adams 2004 vom Oasis-Evergreen „Wonderwall“ veröffentlicht hat – was ja nun mal nicht die schlechtesten Voraussetzungen sind…

 

 

Rock and Roll.

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