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Song des Tages: Campfires In Winter – „Free Me From The Howl“ + Interview mit Sänger Robert Canavan


Regelmäßige Leser von ANEWFRIEND wissen wohl längst, dass in den Venues und Backstageräumen meines Hörerherzens stets ein großer Platz für schottische Künstler und Bands reserviert ist. Und so war es wohl ein Leichtes für Campfires In Winter, sich dort ein Booking klar zu machen…

51566xpA5pL._SS500Immerhin bringt das aus dem schottischen Croy stammende und mittlerweile, nur ein paar Kilometer entfernt, im wuseligen Glasgow beheimatete Quartett – nebst einem Bandnamen, welcher per se schon ein Faustpfand für die richtige Prise Herbst-Melancholie hinterlegt – alles mit, was nach Heavy Rotation schreit: den stetigen Spannungsaufbau sowie die sinistre Lust am Aus- und Aufbruch ihrer Landsmänner von The Twilight Sad, den Bock darauf, mit einer Wagenladung Pop-Appeal einfach derbst drauf los zu rocken wie We Were Promised Jetpacks, die Folk-Emphase der großen Frightened Rabbit – garniert mit ruhigen Zwischentönen, lauthals tönenden Post-Rock-Passagen der Marke There Will Be Fireworks und – natürlich, natürlich! – Gesangsharmonien in feinsttollstem schottischen Akzent. All das bieten Robert Canavan (Leadgesang, Gitarre), Scott McArthur (Keyboard, Gesang, Gitarre), Wullie Crainey (Bass, Gesang) and Ewan Denny (Drums, Percussion), die bereits seit 2010 gemeinsam Proberäume und Konzertbühnen teilen, auf dem im Februar 2017 erschienenen Debütalbum „Ischaemia„, welches – nebst acht weiteren Stücken – auch den großartigen Dauerbrenner-Song „Free Me From The Howl“ enthält…






Freundlicherweise hat sich Frontmann und Sänger Robert Canavan kürzlich ein paar Minuten Zeit genommen, um ANEWFRIEND ein paar Fragen rund um die Band, ihre Inspirationsquellen und die schottische Musikszene zu beantworten…

NMY_9JYo_400x400Hey guys from Campfires In Winter. First of all: thanks for taking your time to answer some questions for ANEWFRIEND.
Could you please introduce yourself?
Hi! I’m Robert, and I sing and play guitar. And we also have Ewan on drums and percussion, Wullie on bass and backing vocals, and Scott on keys, guitar, cornet, and backing vocals too. He’s a pretty busy guy on stage. He should get paid more really.
You released your debut album „Ischaemia“ last year, in February, but have been playing as a band for almost a decade now. Why did it take so long to get a record finished?
We just wanted to get it right. We had released some singles and EPs but wanted to hone our sound so we were entirely happy and satisfied with the album. We started recording in late 2014, but didn’t get it out until February 2017. That was because we all have full time jobs, so recording sessions took place after work, through the night, finishing up just in time for work again the next day. Hence why it took so long!
Per definition, „Ischaemia“ is „a restriction in blood supply to tissues, causing a shortage of oxygen that is needed for cellular metabolism (to keep tissue alive)“. Why did you choose this medical term as the album’s title?
It’s not intentional, but the body and body parts tend to crop up in my lyrics often. Also, my dad has spent a lot of time in hospital in recent years, partly as a result of a stroke w while ago. So I suppose the word ‚ischaemia‘ was there in my mind and fitted with the recurring theme of bodies.
You recorded the album with Andrew Odell and Andrew Bush (The Twilight Sad, De Rosa, We Were Promised Jetpacks) at Unit 55 in Cumbernauld, a bit up north from Glasgow. Why them? And were there any specific reasons that made you choose this studio?
We’ve known Andrew Odell for a long time and had worked with him before. We work really well together and felt it was a great fit for the album. We just really like his studio, so that’s why we chose Unit 55 – it’s somewhere we feel comfortable, and Andrew is a big part of that. Andy Bush, we’d known for a few years as he mixed our single We’ll Exist. I also think De Rosa are one of the greatest bands to come out of Scotland and think they should be the biggest band in the world, so I jump at any chance to work with Andy. His work is outstanding.
Your band is originally from Croy, a small town near Glasgow. Do you think that there’s some unique „Glaswegian sound“ that connects you to other fellow rock bands such as The Twilight Sad, Admiral Fallow, Mogwai or Frightened Rabbit?
I think there might be something to that, aye! I can never quite put my finger on why it is, but there’s something distinct about the sound of Scottish bands. There’s a dark edge to it, something sinister lurking at the edges. Maybe we all write our music on dark, rainy, winter nights!
Many of the album’s songs got some melancholic feeling to it, which made me think of a quote from Glen Hansard (The Frames, The Swell Season etc.), who said that writing songs is pretty much like writing a diary – the pages stay blank on a good day. Would you agree with that?
I don’t know if it’s a case of the pages staying blank on good days, but I generally find happier songs less interesting. I’ll write them sometimes, to keep up writing if the good stuff isn’t flowing, but they generally don’t even make it to the ears of my bandmates. I seem to be able to tap into the darker stuff, even on a good day.
Though it might come up as a quite obvious question these days, especially for a Scottish indie rock band from Glasgow: How big of an inspiration were Scott Hutchison, the late Frightened Rabbit front man, and his band(s) to you? What did his unexpected death in May do to the scene? Did it change anything regarding the awareness of mental health issues?
Scott was a huge inspiration. I’d gotten to know him over the years, and anyone who met him will agree that he was a genuinely lovely, brilliant, and warm guy. He even once helped me get over a bout of writer’s block!
The scene was utterly devastated. What has changed is that it has got the mental health conversation going again, particularly in men. Scott was always very open about his own mental health struggles. Sadly, he wasn’t able to find his peace, but I sincerely believe that his honesty and openness on mental health in the past has inspired others to seek help, and to see that there’s no shame in talking to someone about how you feel.
As mentioned before, your album was released over a year ago. What are your next plans as a band?
We have some gigs coming up, we’ll have a single release soon, and we’re back writing new material – all very exciting!
Now, some more general questions to finish this short interview…
What’s your earliest musical memory?
I remember seeing Croy Silver Band play in my street one Christmas when I was around 3 or so. They’re an award-winning band, and performed on a few tracks on Ischaemia.
Who are your biggest „musical heroes“ or inspirations (if there are any)?
I have loads, but at the moment I think Annie Clark is untouchable. Pure genius. We don’t deserve her.
If you had the chance to go on tour or into the studio with any musician (dead or alive), who would that be?
See my previous question. I’d absolutely love to record with Annie Clark.
Name 5 records which would be your personal „soundtrack for the big city“…
Destroyer – Poison Season
Vampire Weekend – Modern Vampires of the City
The Har-You Percussion Group – The Har-You Percussion Group
St Vincent – Actor
Sylvan Esso – What Now
…and 5 records for a „desert island“.
Mogwai – Rock Action
Natalie Prass – Natalie Prass
Anderson.Paak – Malibu
Ennio Morricone – Once Upon a Time in the West
Rufus Wainwright – Poses



Rock and Roll.

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Zitat des Tages


„Menschen, die im Leben klarkommen, kämen gar nicht auf die Idee, Musik zu machen…“


(Christian „Flake“ Lorenz, *1966, deutscher Musiker, Keyboarder der Band Rammstein sowie ehemaliges Mitglied der Punkband Feeling B, kürzlich im Interview mit dem deutschen „Rolling Stone“)


Rock and Roll.

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Zitat des Tages


(gefunden bei Facebook / Spiegel Online)


„You know, I really thought that love would save us all. But now I’m wearing a Chairman Mao badge…“ (John Lennon in einem Interview mit dem US-„Rolling Stone“, Feb. 4, 1971 – Links zu selbigem findet man hier und hier)


Rock and Roll.

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Auf dem Radar: No Plato


Drüben auf GUTESHOERENISTWICHTIG werden die ersten Höreindrücke der Songs von No Plato wie folgt beschrieben: „Sprühende Gitarren, energiegeladene Drums, auf- und abwandernde Bassläufe, die Stimme der Frontfrau, die elektrisierend, spannungsvoll und zeitweise fast ein wenig schlecht gelaunt klingt und inbrünstig nach Zuneigung, nach Aufmerksamkeit ruft.“ Besser könnte ich’s nicht ausdrücken.

a0186878351_10Denn in der Tat passiert in den Stücken des Trios, welches irgendwo aus dem englischen Nirgendwo stammt (Rhyl, Burton-on-Trent & Cheddar, you know?), trotz der Tatsache, dass selten die Dreieinhalbminutenmarke geknackt wird, erstaunlich viel. Frontfrau Sorrell Kerrison schafft es scheinbar spielend, zwischen Liebreiz und Furie hin und her zu changieren, während ihr die beiden Jungs im Hintergrund (T. Baker und T. Hipwell) kraftvoll den Rücken freihalten. Rausch und Ruhe geben sich da gern die Klinke in die Hand. Stilistisch fallen die zwölf Stücke, die No Plato bislang ins Netz gestellt und kürzlich als „Collection“ zusammengefasst haben (welche man sich auf der Bandcamp-Seite der Band im „Name your price“-Prinzip aufs heimische Abspielgerät laden kann), schlussendlich wohl irgendwo zwischen rauen Indierock mit dezenten Riot-Grrrl-, Postpunk- und Shoegaze-Ausflügen. Aber hört selbst…



Auch gut: die sechs Songs starke Live-EP „Live at Metropolis Studios“…


und das Musikvideo zum einminütigen Song „Heretic Alone“:


Wer ein wenig mehr über die englische Band erfahren möchte, der findet hier ein Interview mit von 2011.


Rock and Roll.

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Sunday Listen: Kraków Loves Adanas „Contrast EP“


Schon mit den ersten Gitarrenklängen der „Contrast EP“ erwachen die Erinnerungen an ein wunderschönes Projekt: Im Jahr 2012 haben Kraków Loves Adana, welche sich damals auch auf ANEWFRIENDs „Radar“ befanden, ihr zweites Album „Interview“ veröffentlicht und in diesem Zusammenhang dem Song „Silver Screen“ gar eine eigene Website gewidmet. Unendliches Rauschen wird hier von einer stimmungsvollen und eindringlichen Melancholie getragen. Diese Melancholie fand in ähnlicher Form und in Stücken wie „Porcelain“ oder „Red Paperclips“ auch schon auf dem zwei Jahre zuvor aufgenommenen Debütalbum „Beauty“ ihre Vollendung. Nach großer Aufmerksamkeit um ihre Musik und mehr als zwei Jahren Pause haben Deniz Cicek und Robert Heitmann nun mit „Contrasts“ im vergangenen Oktober eine neue EP veröffentlicht. Dass nach einer solch langen Zeit zunächst aber einige Veränderungen anstanden, klingt nur logisch.

Krakow_Loves_Adana_Interview_01Kraków Loves Adana setzen mit ihrer neuen EP zwar die Mixtur aus sphärischen Texten und minimalistischen Sounds fort, doch an der Herangehensweise der beiden Musiker hat sich einiges geändert. Sängerin Deniz Cicek beschreibt auf dem Blog der Band einen schlichten Grund für die veränderte Arbeitsweise: „I stopped caring about the opinion of people of the music industry, trying to tell me how a song should be written, how a song should be sung or how a guitar should be played and I definitely do not care about the material benefits. I write because there is an urge in me to do so. All I care about is the music and all I want is to share it with you.“ Wie zu Beginn des gemeinsamen Arbeitens hat das Duo bei den Aufnahmen alles auf das Nötigste reduziert: Keine teuren und geschönten Produktionen, einfach nur Gitarren, Klavier und eine Drum Machine. Hinzu kommt natürlich der nach wie vor rohe und zerbrechliche, dezent an Nico erinnernde Gesang, durch welchen die Songs erst ihre ganze Schönheit offenbaren.

Die Schönheit der Songs der „Contrast EP“, welche komplett im Indie-Eigenvertrieb erscheint, beweist bereits der Opener „Tender Trap“. Mit seinen Gitarren und der Zeile „It’s a tender trap, you got yourself in, with no room to act, oh, it’s so unforgivable“ spiegelt er so etwas wie pure Authentizität wider. Nach wie vor steht das Duo nämlich für eine äußerst persönliche Art von Musik. So prägen Emotionen und träumerischen Passagen auch „Friends“, das mit einem eindrucksvollen Vibrato im Gesang zu einem ersten Highlight der EP avanciert. Der Spannungsbogen findet seine Klimax jedoch in „Lost“, das sich mit abwechslungsreichen Sounds und einem spannenden Aufbau zu einer besonderen Pop-Ballade entwickelt. Auch „Trouble“ und „Sudden Drafts“ reihen sich in ein Gesamtbild ein, bei dem Schlichtheit noch immer der Schlüssel zum Erfolg ist. Kraków Loves Adana beweisen endlich wieder, warum man auf ihre Musik einfach nicht gänzlich verzichten mag – und sei es auch ein Cover von Drakes „Hotline Bling“, welches das Duo einige Tage vor ihrer EP veröffentlicht hat.

Freilich ist auch die „Contrast EP“ nichts für die breite Masse, einen feinen Sontagssoundtrack geben die fünf neuen Song jedoch allemal ab…



Rock and Roll.

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Das Album der Woche

Ryan Adams – 1989 (2015)

ryan-adams---1989-d17a2d2867f184b4-erschienen bei PAX AM/Sony-

Anfang August ging ein Raunen durch den digitalen Blätterwald. Der einfache Grund: Niemand Geringeres als Ryan Adams kündigte an, Taylor Swifts vor ziemlich genau einem Jahr erschienenes Erfolgsalbum „1989“ in Gänze (!) neu interpretieren zu wollen – und das nicht (nur) einmalig und für ein begrenztes Publikum an einem Bühnenabend, sondern im Aufnahmestudio, um es für alle (Musik)Welt nachher hörbar höchst offiziell zu veröffentlichen. Da fragte sich die vornehmlich jüngere Zielgruppe von Taylor „TayTay“ Swift freilich nicht ohne Grund: Ryan wer? Und selbst langjährige Hörer des Mannes aus Jacksonville, North Carolina waren ob dieser Ankündigung hin und her gerissen. Einerseits wussten sie, dass beileibe nicht jede Ankündigung des 40-jährigen gestandenen Musikers, der in den letzten zwanzig Jahren wohl bereits so ziemlich jede Kaschemme wie ehrwürdige Konzertbühne von Oslo bis Tokyo bespielt haben dürfte, für bare Münze zu nehmen sein dürfe (so wartet etwa das grandiose „Suicide Handbook“ – nebst wasweißichwievielen anderen fertiggestellten Alben – seit mehr als zehn Jahren weiterhin auf seine offizielle Veröffentlichung) und sich der musikverliebte, unruhige Kauz gern mal einen popkulturellen Scherz erlaubt. Andererseits ist gerade Ryan Adams jederzeit so ziemlich alles zuzutrauen – von gefälligem Pop über rüden Punk bis Alt.Country und kruden Metal (und nicht einmal HipHop darf man ausschließen). Plus: So fern, wie diese Paarung auf dem Papier scheinen mag, ist sie gar nicht – doch dazu später mehr. Widmen wir uns doch einmal den aktiven und passiven Akteuren dieses musikalischen Paukenschlags…


Auf der einen Seite freilich David Ryan Adams, nimmermüder Musiker Jahrgang 1974 und seit vielen Jahren Wahl-New-Yorker. In den Neunzigern machte der Mann mit der leicht angerauten Honigsonnenstimme, in der viel Energie und noch viel mehr Melancholie mitschwingen mag, mit seinen damaligen Bands The Patty Duke Syndrome und Whiskeytown (vor allem jedoch mit zweiterer) erstmals von sich hören. Bezeichnend schon damals: Es hielt – trotz auch heute noch fein anzuhörender Alben wie „Strangers Almanac“ – nicht lange, Anfang der Nullerjahre war für Whiskeytown Schluss. Und Ryan Adams hätte wohl rückblickend gar nicht Besseres passieren können, war doch bereits der erste albumfüllende Alleingang „Heartbreaker„, 2000 veröffentlicht, ein ebenso stilles wie genüssliches Fest für jeden Singer/Songwriter-/Alt.Country-Freund, der noch heute Ton für Ton, Note für Note zu begeistern weiß. Und Sie ahnen es wohl bereits: Schon im Jahr darauf folgte mit dem nicht minder tollen „Gold“ der nächste Kurswechsel. Von „New York, New York“ bis „Goodnight, Hollywood Blvd“ platzierte Adams 16 Hymnen, die mal (halb)laut, mal leise der Welt entgegen zu schreien schienen: „Da bin ich! Nimm‘ meine Songs, hör‘ sie – und lasse sie nicht mehr los!“ Dass bereits wenige Monate danach die gar nicht mal so üble Restsammlung „Demolition“ („Nuclear“! „Starting To Hurt“! „Dear Chicago“! etc. pp.) nachgeschoben wurde, sprach wohl nur für den Lauf, den der umtriebige Musiker zu haben schien. Ebenso wie das darauf folgende „Rock N Roll“ (2003), das auch über zehn Jahre danach noch um Längen besser ist als der zwiespältige Ruf, der dem vierten Alleingang anno dazumal entgegen schlug. Dabei war das Album sowieso nur Adams‘ Musik gewordener Mittelfinger an seine Plattenfirma, denn viel lieber wollte er – und sowohl die Qualität als auch seine Fans geben ihm da noch heute recht – das mehr ode minder zeitgleich in zwei EP-Teilen auf den Markt geworfene „Love Is Hell“ veröffentlicht wissen, welches im Rückspiegel eine ganzer Latte der schönsten, ruhigsten und tiefsten Songs enthält, die Ryan Adams in seiner (bisherigen) Karriere unters Hörervolk gebracht hat – und das mag etwas heißen. Außerdem bewies er schon damals mit seiner Interpretation des bierseligen Oasis-Gassenhauers „Wonderwall“ eindrucksvoll, dass er auch FremdkompoRyan-adams_532_1385453asitionen neues Leben einzuhauchen vermag (und nötigte selbst dem Gitarre spielenden Chefgrantler der Britpop-Heroen, Noel Gallagher, das seltene Lob ab, dass Adams‘ Version um Längen besser sei als das eigene Original). Und da Stillstand für Adams seit jeher der Teufel höchstselbst zu sein scheint, legte er sich schon kurz darauf mit den Cardinals eine neue (temporär) feste Begleitband zu, mit denen er zwischen 2005 und 2010 ausgiebig – natürlich! – Platten in die Läden stellte (vier an der Zahl, von „Cold Roses“ bis zur Resteverwertung „III/IV“ ) und auf den Konzertbühnen seine umjubelte, jammige Variante der Grateful Dead zum Besten gab. In den Pausen legte er mit dem grandios stillen „29“ (2005) und „Easy Tiger“ (2007, und eventuell das erste mediokre Album seiner Karriere) noch solo nach, brachte 2004 mit PAX AM sein eigenes Plattenlabel an den Start (auf dem er endlich so Krudes wie das getrost vernachlässigbare *hust* Sci-Fi-Metal-Koenzeptalbum „Orion“ veröffentlichen konnte), und tourte, tourte, nahm auf, tourte, nahm auf – nur ein Bruchteil dessen, was Adams damals so auf Tonbändern bannte, erblickte tatsächlich das Licht der Öffentlichkeit (die Bandbreite reicht von seinem Black-Metal-Projekt Werwolph über schnellen Punk mit The Finger, zu denen auch Kumpel Jesse Malin zählte, und Hard Rock bis hin zu höchst sensiblen Acoustic-Alleingängen, etwa einen kompletten Soundtrack zum Cameron-Crowe-Film „Elizabethtown“, von welchem dieser letztlich allein das Stück „Words“ tatsächlich verwendete). Kein Wunder also, dass Adams‘ Arbeitspensum nach all den Jahren der Rastlosigkeit seinen Tribut forderte: Nach allerlei Problemen mit legalen wie illegalen Betäubungsmitteln in der Vergangenheit (die Gerüchteküche reicht da von Alkohol und Pillen bis hin zum harten Heroin-meets-Kokain-Mix) erkrankte der Musiker 2009 an Morbus Menière, einer Erkrankung des Innenohrs, welche ihn mit etwas weniger Glück um ein Haar sein Gehör gekostet hätte (und nach einem heftigen Armbruch im Jahr 2004, welchen er sich klassischerweise beim Sturz von einer Konzertbühne zuzog, bereits zum zweiten Mal seine künstlerische Existenz bedrohte). Also quittierte er noch im selben Jahr seinen Dienst bei den Cardinals – was freilich der Band als solche den Todesstoß gab – und stellte die Gitarre fürs Erste beiseite. Doch da ein Workaholic ohne „Work“ dumm dasäße, suchte er sich flux ein neues Betätigungsfeld: das Schreiben. So erschienen 2009 – Sie ahnen es wohl bereits – mit „Infinity Blues“ und „Hello Sunshine“ gleich zwei (!) Sammlungen mit Gedichten und Kurzgeschichten, welche allerdings ohne Adams‘ Gesang nur wie die „halbe Miete“ wirken. Plattentechnisch wurde es (vorerst) stiller um ihn, mit dem okayen „Ashes & Fire“ erschien 2011 der achte albumfüllende (Quasi-)Alleingang. Vielmehr legte Adams den Fokus erst einmal aufs private Glück, heiratete im Februar 2009 das Countrypop-und-Filmsternchen Mandy Moore. Eine eigenartige Paarung? Schon. Aber es schien zu passen, zu funktionieren – fürs Erste zumindest (auch dazu später mehr). 2012 durften sich dann auch alle, die bislang noch keiner der zahlreichen Konzerte von Adams beigewohnt hatte, mit dem 15 (!) Shows umfassenden, mehr als 16 (!!) Stunden langen Box-Set „Live After Deaf“ (offensichtlich nur halb im Scherz eine Anspielung auf seine Morbus-Menière-Erkrankung), welches diverse Konzertmitschnitte seiner europäischen „Acoustic Nightmare“-Tour im Juni 2011 enthält, von den Solo-Live-Qualitäten des Singer/Songwriters überzeugen. Und nach etlichen kleineren Single- und EP-Veröffentlichungen schob Ryan Adams im September 2014 endlich sein bislang letztes, selbstbetiteltes Album nach, mit dem er sich einmal mehr als verlässlicher Lieferant von feinem Alt.Countryrockpop empfahl. Und dann, im kaum noch überschaubaren Monatsrhythmus, noch mehr EPs Singles auf den Markt brachte. Und bringt. Zu viel Informationen? Dann stelle sich die geschätzte Hörerschaft mal mein Pensum als Fan vor! Bis heute maße ich mir an, so ziemlich jeden Song aus Ryan Adams‘ Feder gehört zu haben und hören zu wollen. Glauben Sie mir: Da kommt man(n) kaum hinterher! Denn dem kreativen Nimmersatt ist echt alles zuzutrauen, jederzeit…


Auf der anderen Seite dann Taylor Swift, süße 25 Jahre jung und seit einiger Zeit die mit Abstand wohl erfolgreichste Konsenspopkünstlerin des Planeten (im vergänglichen Pop spart man freilich selten mit Superlativen, wohlweislich). Mehr noch: Swift ist einerseits hübsch anzusehen, gut erzogen (oder von Agenten trainiert) und andererseits keineswegs frei von Intelligenz oder Talent oder gar auf den Mund gefallen. Taylor Swift ist All American, unisono Everybody’s Darling und dermaßen aalglatt auf Erfolg getrimmt, dass selbst Teflon neidisch werden würde. Machte die gebürtige Pennsylvanianerin zwischen 2006 und 2012 mit Alben voller gefälligem, jedoch harmlosem Countrypop von sich reden, legte sie mit dem ihrem fünften Werk – nicht umsonst nach ihrem Geburtsjahr „1989“ benannt – dreizehn Stücke vor, vor denen es in den Folgemonaten kaum ein Entkommen für all die gab, die – selbst nur ab und an – mal ein Ohr bei Youtube, Twitter, Facebook oder im Radio riskierten. Und sogar all jene, die ansonsten gegen poplastigen Weichspüler immun sind, müssen wohl zugeben, dass Songs wie „Shake It Off“, „Blank Space“ oder „Bad Blood“ astrein komponierte, clevere Nümmerchen sind, die zwar nie und nimmer für Einträge in die Annalen reichen, jedoch für den Moment ausgezeichnet funktionieren – und die Gehörgänge so schnell nicht mehr räumen. Ganz klar: Taylor Swift ist derzeit verdammt big in business, mit allein mehr als acht Millionen verkauften Einheiten von „1989“ weltweit, in die Milliarden reichenden Youtube-Klickhits und allem an Rang und Namen, das sich um einen kleinen Gastauftritt bei den Konzerten ihrer aktuellen „1989“-Tournee reißt.

Was zur Hölle also eint Swift und Adams? Nun, zum einen sind die beiden scheinbar schon seit einiger Zeit gute Bekannte, haben sogar bereits die ein oder andere Stunde gemeinsam im Tonstudio verbracht (von den Ergebnissen ist freilich bislang nichts an die Öffentlichkeit gelangt). Zum anderen bewundern beide das musikalische Schaffen des anderen: Taylor Swift, da sie mit ihren 15 Jahren Altersunterschied vom 40-jährigen Adams und dessen angerockt-rauer Attitüde der steten Unangepasstheit wohl noch Einiges lernen kann. Adams, da er als ewiger Freund eines gut geschriebenen Popsongs stets seine Ohren überall hat, ganz egal, wo sich dieser am Ende finden lässt – vom tiefschwarzen Metal über Sonic Youth und die Smiths bis hin zu eben Taylor Swift. Scheiß der Hund drauf, der Song zählt!


Doch trotz allem war es wohl ein ganz profaner Grund, der Adams auf die erst einmal abstruse Idee brachte, sich Swifts Erfolgsalbum in Gänze zur Brust zu nehmen: Im Laufe des vergangenen Jahres trennte sich der Musiker nach sechs gemeinsamen Jahren von (Noch-)Ehefrau Mandy Moore – und stand an Weihnachten zum ersten mal seit vielen Jahren plötzlich allein da. Wohin also mit der unverhofften leeren Zeit und dem Katzenjammer? Klar wäre – gerade für einen Rockstar – da der alte Teufel Droge viel näher gewesen, aber Adams wäre nicht Adams, hätte er diesen Punkt nicht bereits für sich abgearbeitet und ad acta gelegt. Also fasste er den fixen Entschluss, sich jedem Stück von „1989“ in Tiefe zu widmen und alle dreizehn Teile des Albums einzeln für sich neu zu interpretieren (und hier sei einmal ein Trennstrich zum bloßen Coverversion gezogen, denn Adams‘ Neubearbeitung der Swift’schen Originale geht noch zwei, drei Schritte weiter). Er wollte den Kompositionen das musikalische Fleisch über die Rippen ziehen und allem dann einen Smith’schen dezent tragisch-poppigen Anstrich verpassen. Erst danach holte er sich seine Band ins Studio, und teilte die Idee seines Vorhabens peu á peu mit dem weltweiten Netz. Nicht wenige frohlockten ob der Vorfreude, das komplette „1989“ in Adams’scher Variante zu hören, und selbst die Interpretin der Originale selbst ließ sich via Twitter zu einem dezent hyperventilierenden Post hinreißen…


Doch ist Adams‘ Neubearbeitung, welche am 21. September zunächst digital erschien und nun physisch nachgeschoben wird, am Ende den ganzen Trubel, der darum gemacht wurde, wert? Darauf kann man wohl nur mit einem entschiedenen „Jein!“ antworten.

Bereits der Opener „Welcome to New York“, im Original eine aufgedrehte Pop-Perle voller jugendlicher Ekstase und Abenteuerlust, wird, ebenso wie „Style“, in der maskulinen Neufassung des 40-Jährigen zur abgeklärt rockenden Alt.-Pop-Nummer. Adams selbst ist – anders als vielleicht Swift – längst im „Big Apple“ angekommen, Beweise gibt es in seinem eigenen Songkatalog freilich zur Genüge, man denke nur an „New York, New York“ , „My Blue Manhattan“ oder „When The Stars Go Blue“. Er kennt die Stadt, sie schimmert für ihn längst nicht mehr, er weiß um die dunkelsten Ecken – was seine Liebe jedoch nicht schmälert. „Shake It Off“, einst Swifts augenzwinkernde Leadsingle mit mildem MIttelfinger, die den Hatern die eigene verlogene Doppelmoral um die Ohren haut, kommt hier mit Springsteen’scher „I’m On Fire“-Reminiszenz daher und wirkt beim Mann aus North Carolina deutlich zögerlicher, ja fast schon ängstlich. Ganz anders klingt da schon das wunderbar entspannte „Wildest Dreams“, in dem deutlich wird, dass Adams der Romantik noch nicht ganz abgeschworen hat und bei allen traurigen bis schmerzhaften Erinnerungen die schönen nicht vergessen hat. Ähnlich geschieht es auch in „This Love“, in welchem es dem gestandenen Musiker gelingt, sich vom ursprünglich dick aufgetragenen Kitsch zu entfernen und eine klassische Piano-Ballade zu Tage zu fördern, bei der man verträumt „Ryan + Mandy“ in den Holztisch ritzen möchte – nur um sich anschließend im wunderbar twanglastigen Highlight „I Wish You Would“ dafür zu schämen, und im träumerischen „All You Had To Do Is Stay“, das eine kleine Eighties-Schlagseite verpasst bekommt, auf dem Fenster zu starren. Während sich die Beziehungs-Nabelschau „Out Of The Wood“ mit seinen fast schon elegischen sechs Minuten Ton für Ton zu einem der besten Songs des Albums entwickelt (und Swift höchstselbst kürzlich dazu veranlasste, dem Stück als Solo-Piano-Nummer eine Neubearbeitung zuteil werden zu lassen), igelt sich Adams im verhuschten „Blank Space“ unter einer Wolldecke ein, im nach vorne marschierenden „Bad Blood“ schmeißt er sie aber gleich wieder in die Ecke. Einen Platz in Swifts Kampftruppe wird er trotz seines Charmes wohl nicht ergattern, muss er aber auch nicht. Adams lässt sich eben nicht unterkriegen, sondern geht aus seinen Niederlagen scheinbar gestärkt hervor, selbst wenn er bestimmte Situationen dafür etwas anpassen muss: So wird die James-Dean-Referenz im aufgewühlten „Style“ in der neuen Fassung zu einer durchaus passenden, da aufmüpfigen Hommage an Sonic Youth, eine von Ryan Adams‘ erklärten Lieblingsbands. Der Mann gönnt sich in diesem begrenzten Rahmen eben auch seine Freiheiten, und das ist nur richtig so. Anders hätte weder seine Version von „Clean“ im Whiskeytown-Outfit wohl nicht so hervorragend funktioniert, noch wäre es derart faszinierend, wie gut das Ergebnis dieser einst befremdlichen und absurden Nachricht tatsächlich erfreut. „1989“ nach Adams-Art kommt zwar vollkommen ohne Ironie aus, aber zu keiner Minute ohne Herzblut – das muss man erstmal schaffen. Und Freunde seines letzten, selbstbetitelten Albums mögen kaum glauben, dass all diese Stücke letztendlich gar nicht von Adams selbst verfasst wurden – 15 Jahren Altersunterschied, scheinbaren kulturellen Welten zwischen ihm und Swift zum Trotz. Freilich, all die eh schon großartigen Pop-Nummern von „1989“ werden auch unter Ryan Adams‘ Obhut keineswegs kleiner. Trotzdem hätte das Ganze auch dezent in die musikalische Buxe gehen können… tut es jedoch nicht – im Gegenteil. Ryan Adams ist ein Phänomen, seit vielen, vielen Jahren schon. Dass er nun (noch) mehr Aufmerksamkeit bekommt, ist da nur verdient. Denn dem Mann ist auch in Zukunft jederzeit alles zuzutrauen.




Via Youtube kann man sich alle 13 Stücke der Adams’schen Variante von „1989“ anhören…


…sowie sich ein Interview, das Ryan Adams mit Taylor „TayTay“ Swift führte…


…und eine Fernseh-Performance des dauerbeschäftigten Musikers bei der „Daily Show“, bei welcher er unter anderem „Bad Blood“ und „Blank Space“ zum Besten gab, ansehen:

(Den gesamten Auftritt mit einem weiteren Song – „Style“ – kann man sich hier ansehen…)


Rock and Roll.

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