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Monday Listen: River Giant – „River Giant“


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Es passiert ja oft genug, dass Künstlern oder Bands mit allerlei Vorschusslorbeeren bepackt der baldige große Durchbruch vorhergesagt wird. River Giant etwa. Über ebenjenes Dreiergespann aus dem US-amerikanischen Seattle schrieb etwa das Label Indigo vor einiger Zeit:

„Die Eckdaten lassen Großes vermuten: Indie-Rock, Folk, Americana, 70er-Jahre-Soul und Seattle. Letzteres nicht nur als Herkunft, sondern schon als musikalisches Selbstverständnis eines Trios, das mit ‚River Giant‘ sein Debüt vorlegt. Die drei Musiker – Sänger und Gitarrist Kyle Jacobson, Schlagzeuger Liam O’Connor sowie Bassist Trent Schriener – fanden sich Ende 2009 zusammen. Nach einer selbst produzierten EP im Frühjahr 2011 wurde Chris Early (Gold Leaves, Grand Hallway, Band Of Horses) auf sie aufmerksam und wollte unbedingt ihr Debütalbum produzieren, welches sehr viel reifer und ausgewogener daherkommt als die damalige EP. Schon der Opener ‚Out Here, Outside‘ zeigt ihre großartigen Harmoniegesänge, ‚Pink Flamingos‘ kommt mit Soul-Anleihen, das stark groovende ‚I Permute This Marriage‘ und das treibende ‚Taylor Mountain‘ geben neben all den harmonischen Gesängen die eigentliche Stoßrichtung vor. Ein tolles Debüt einer Band, von der noch viel zu hören sein wird.“

river-giant-142306Allein die Tatsache, dass diese lobenden Zeilen bereits gut sechs Jahre alt sind, zeigt, dass River Giants 2012 erschienenes selbstbetiteltes Debütwerk (welches knapp ein Jahr später in Deutschland nachgereicht wurde) zwar auch hierzulande die ein oder andere recht positive Review einheimsen konnte (etwa bei plattentests.de oder bei laut.de), der Band aus dem Nordwesten der US of A – aller tönenden Qualitäten zum Trotz – die breitere Aufmerksamkeit versagt blieb. Auch ich selbst bin erst vor ein paar Tagen aufgrund einer Erwähnung von River Giant durch Jörg Tresp, den Chef des deutschen Indie-Labels DevilDuck Records, der das Trio andernorts als „Fleet Foxes auf Grunge“ beschrieb (während sein Label anno 2013 ebenfalls kaum an warmen Lobesworten sparte), recht zufällig auf das zehn Songs starke Debütalbum gestoßen…

Und ein wenig schade ist es schon, dass Kyle Jacobson (Gesang, Gitarre), Trent Schriener (Bass) und Liam O’Connor (Schlagzeug) nach dem starken Erstling, der mit seinen Songs die „Flanellhemd-Fraktionen“ des Grunge mit ebenjenen des Indie-Rocks, Alt. Country oder Americana zusammenbrachte, nichts nachfolgen ließen. Sechs Jahre nach Erscheinen von Stücken wie „I Premute This Marriage“ oder „Pink Flamingos“ lassen sich über das Seattle-Trio – mal abgesehen von einer empfehlenswerten Live Session für den Radiosender KEXP (findet ihr weiter unten) – kaum noch digitale Fußspuren nachverfolgen – nicht einmal einen Facebook-Auftritt besitzt die Band (mehr). Nichtsdestotrotz sei allen, die schon immer stilistische Schnittmengen zwischen Nirvana, Pearl Jam, The Black Crowes, Band Of Horses oder Neil Young ausmachen konnten, das leider etwas unter dem Radar gelaufene, mit allerhand Herzblut zwischen den Karohemd-Stilen rockende Album definitiv empfohlen…

 

 

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: R.E.M. – „Let Me In“ (Remix)


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Neues Musiknerd-Wissen aus der Hintergrundinfo-Hölle: Auf „Monster“, dem neunten, 1994 erschienenen Studiowerk von R.E.M., befindet sich mit „Let Me In“ ein Song, den Frontmann Michael Stipe kurz nach dem Tod von Grunge-Gallionsfigur Kurt Cobain schrieb, und diesem folglich auch widmete.

Der Vorwurf, dass die Alternativerocker aus Athens, Georgia damit ins Unisono-Tribut-Horn bliesen, lässt sich allerdings allein schon durch den Fakt entkräften, dass sowohl R.E.M. als auch den Nirvana-Frontmann zeitlebens eine gegenseitige Bewunderung verband. So brachte Cobain in einem Interview mit dem US-„Rolling Stone“ im Januar 1994, kurz vor seinem Tod, seine Verehrung für R.E.M. zum Ausdruck:

„I know we’re gonna put out one more record, at least, and I have a pretty good idea what it’s going to sound like: pretty ethereal, acoustic, like R.E.M.’s last album [„Automatic For The People“]. If I could write just a couple of songs as good as what they’ve written… I don’t know how that band does what they do. God, they’re the greatest. They’ve dealt with their success like saints, and they keep delivering great music.“

500x500Da Cobains Witwe Courtney Love von der gegenseitigen Verehrung wusste, schenkte sie Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills und Bill Berry kurz nach dem Tod ihres Rockstar-Gatten eine seiner Gitarren, eine Linkshänder-Fender, die R.E.M.-Gitarrist Mills neu besaitete (schließlich war er, anders als Cobain, Rechtshänder) und unter anderem für und auf „Let Me In“ verwendete.

Übrigens war Kurt Cobains Tod nicht der einzige, der die Arbeiten an „Monster“ beeinflusste. So war Michael Stipe auch gut mit Schauspieler River Phoenix („Stand By Me“, „My Private Idaho“) befreundet, der im Oktober 1993 im Alter von nur 23 Jahren an einer Drogenüberdosis starb. Angesprochen auf die Todesfälle seiner Freunde meinte R.E.M.-Frontmann Stipe in einem Interview in der „Radio 1’s Evening Session Show“ 1994:

„We feel like we reached a zenith with that record. River’s death prevented me from being able to write for almost five months. When I did start writing I came up with ‚Crush With Eyeliner,‘ ‚What’s the Frequency, Kenneth?,‘ ‚Circus Envy‘ and then when Kurt died halfway through making the record and I just threw my arms up and I had to express the frustration that I had, trying to pull him out of the state of mind he was in and not succeeding you know, I wrote that song [‚Let Me In‘] and we put it on the record.“

Im November bringen R.E.M., die seit 2011 – wohl aufgelöst – auf Eis liegen, „Monster“ zu dessen Vierteljahrhundert-Jubiläum in einer „25th Anniversary Edition“ zu neuen Ehren. Diese wird neben etlichen Live-Aufnahmen und weiteren, bislang unveröffentlichten Demo-Versionen auch einen neuen Remix der Demo-Version von „Let Me In“ enthalten, welche noch einmal um Einiges rauer als das Original tönt. Man benötigt wohl nicht allzu viel Fantasie, um sich auszumalen, dass Kurt Cobain auch diese gemocht hätte…

 

 

Rock and Roll.

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Auf dem Radar: Last Train


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Nur einen kräftigen Steinwurf (oder eben etwa zwanzig Kilometer) mag das französische Mulhouse von der deutschen Grenze entfernt liegen. Und trotzdem hat hierzulande bislang kaum jemand vom derzeit wohl erfolgreichsten musikalischen Export der Elsass-Stadt, die man in Deutschland auch als Mülhausen kennt, Notiz genommen. Woran liegt’s? Weben Last Train ihre Melodien etwa in feingliedrig-harmonischen Chanson, der sich – Weltmusik-Chanteusen wie ZAZ mal außen vor – einfach nicht ins bundesdeutsche Formatradio pressen lassen mag? Bon, mesdames et messieurs… Daran wird es kaum scheitern, denn einerseits sind die Songs des bereits seit mehr als zehn Jahren gemeinsame Sache machenden Quartetts ebenso weit von süßlichen Jacques Brel-Variationen entfernt wie Fromage et Baguette von Peking-Ente süß-sauer, zum anderen singt Frontmann Jean-Noël Scherrer auf Englisch. Und auch wenn sich dort natürlich ein kleiner französischer Akzent breit macht, liegen die Vorbilder der Band ganz woanders…

a0127936159_16Vielmehr könnte der Grund dafür, dass Last Train erst jetzt, mit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums „The Big Picture„, hierzulande die Runde machen, darin zu suchen sein, dass die junge Band in den letzten Jahren zwar weit mehr als 300 Konzerte im heimischen Frankreich, in Asien und Nordamerika spielte, jedoch kaum in Deutschland – auch wenn gerade das ob der Nähe verwundern mag.

Ein Publikum wäre für die Songs, die sich mal in staubtrockem Lederkutten-Rock suhlen wie anno dazumal die jungen Black Rebel Motorcycle Club (man höre zum Beweis die großartig ausufernde Live-Version von „Fire“), mal arschcool abliefern wie die Aussie-Derwische The Vines schon längst nicht mehr („Disappointed“), mal Reminiszenzen an selige Grunge- und Alternative-Rock-Zeiten der Neunziger erahnen lassen (etwa an den Jugendlich-wütenden Elan von Silverchair). Und: Jean-Noël Scherrer und seine täuschend milchgesichtigen Jungs haben die selbstverordnete Pause nach den Touren zum 2017er Debütalbum „Weathering“ scheinbar ideal genutzt, und so den Stücken ihres in Norwegen aufgenommenen Zweitlings noch mehr Abwechslung verliehen. Denn obwohl auch ein Großteil von „The Big Picture“ das altbewährte Laut-Leise-Schema, bei der eine trügerische Ruhe nur vor dem nächsten Sturm warnt, bis in den letzten Winkel ausreizt, versteckt sich unter den zehn neuen Songs die ein oder andere Abwechslung. So wird bei „Tired Since 1994“ aus einem ruhigen Rocksong plötzlich eine Art cineastische Filmmusik, während bereits vorher, beim achtminütigen „On Our Knees“, die Gitarren nach einer wahren Achterbahnfahrt mit Streichereinsatz theatralisch hinfort gespült werden. Nach bluesigen Gitarreneinleitungen reduziert der Vierer seinen oft brachial drauflos rockenden Sound nicht selten bis aufs polternde Schlagzeug, um danach wieder Fahrt aufzunehmen und mit konsequenten Breaks, die die Songstruktur endgültig aufbrechen, zu überzeugen – hat bereits auf dem Erstling oft genug überzeugt, also wird diese Indierock-Rezeptur nun auch wieder zur Genüge geboten (man höre hier „The Idea Of Someone“ oder „Right Where We Belong“). Wenn sich die titelgebende Abschlussnummer ganze zehn Minuten gönnt, scheint selbst die Britpop-Gigantomanie von Oasis nicht weit entfernt. Und aufgrund von Scherrers eindringlich-quengeligem Gesang, dessen langgestreckte Vokale einen wohl unweigerlich auch an Ober-Smashing-Pumpkin Billy Corgan denken lassen, könnte man hier beinahe von einer wilden Rock-Orgie zwischen San Francisco, Seattle, Manchester, Chicago und Down Under sprechen – nur eben findet diese 2019 in einer 100.000-Einwohner-Stadt im Elsass unweit der deutschen Grenze statt…

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Einen ersten Eindruck vom Last Train-Zweitling „The Big Picture“ (den man via Bandcamp im Stream findet) kann man sich anhand der Musikvideos zu „Disappointed“…

 

…“The Idea Of Someone“, einem in schwarzweißer Retro-Optik festgehaltenen Schleicher, der erst gen Ende Fahrt aufnimmt…

 

…und dem titelgebenden Album-Abschluss „The Big Picture“ verschaffen:

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Luna Sol – „Below The Deep“


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Foto: Promo / George Blosser

Blitze leuchten weit oben in den Bergen auf. Sie hallen noch auf der Iris nach, als das ferne Grollen des Donners längst verklungen ist. Dunkle Wolken schieben sich über die Gipfel und Kämme. Sie tragen Regen in sich, den sie über den Hängen ausspucken als würden sie sich übergeben. Aber so ist die Natur in den Bergen. Roh, ungezähmt, gefährlich.

Natürlich ist man bei all dieser buchstabenen Bildmalerei nur ein, zwei Pinselstriche von Caspar David Friedrich entfernt. Und wäre obige Worte Musik, sie würde klingen wie die Songs aus dem Hause Luna Sol: Wuchtiger, dröhnender Rrrrrrock, geboren in der Einsamkeit der Rocky Mountains. Doch Luna Sol sind mehr. Ihr Signature Sound aus dem trockenen Groove des Desert Rock, der sumpfigen Gravitas des Blues und den naturmystischen Legenden verschrobener Bergbewohner trägt auf dem kürzlich erschienenen zweiten Album „Below The Deep“ das Gefühl von etwas Gewaltigem, Übermächtigen in sich, das stets außerhalb der Wahrnehmung lauert. Und wohlmöglich ziemlich verkatert ist…

81yX9dITTCL._SS500_.jpgDrei Jahre nach dem süffigen Luna Sol-Debüt „Blood Moon“ legt Stoner-Rock-Veteran David Angstrom (Ex-Supafuzz, Hermano) ein Album vor, das so wohl nur in der felsigen Abgeschiedenheit Colorados entstehen konnte und dennoch den Southern Rock seiner ursprünglichen Heimat Kentucky in sich trägt wie Restalkohol im Blut. „Ich liebe Colorado und mein Leben hier, singe immer noch leidenschaftlich gern über die Legenden dieser kleinen Bergdörfer, die ich oft besuche. Diesmal wollte ich aber ein paar meiner Southern Roots und meine Südstaaten-Erziehung exhumieren“, sagt er. Das ist nicht alles, was sich auf „Below The Deep“ verändert hat. Für Shanda und Pat sind Justin Baier (Schlagzeug) und David Burke (Gitarre) in die Band gekommen, außerdem, so Angstrom, „klingen Luna Sol jetzt deutlich mehr, wie er sich das in seinem Kopf immer schon vorgestellt hat. Damit können wir gut leben.“

Angstrom ist einer dieser Künstler, die sehr von ihrer Umgebung geprägt werden. Morgens macht er Yoga in der Stille der freien Natur, trinkt Kaffee und hört Tom Waits, danach fährt er mit seinem alten Truck an der Seite seiner Frau durch die Gegend und sammelt Sagen und Mythen ein wie ein Schrotthändler verrostete Einzelteile. „Außerdem liebe ich Denver und seine Musikszene“, betont er. „Hier kann ich einfach ich sein. Als Künstler, Ehemann, Vater – und als Musik-Nerd!“ 

David Angstrom ruht in sich. Das merkt man ihm an, das merkt man auch seiner Musik an, bei deren Selbstbeschreibung „High Mountain Southern Kentucky Desert Blues Rock“ sich Luna Sol erst gar nicht großartig Mühe geben, irgendwelche spezifischen Grenzen abzustecken. Was für den einen nach allerlei Stoner-Rock-Klischees tönt, klingt für den anderen frisch wie der morgendliche Bergtau: bratende Rock-Riffs, dicke Grooves, John Garcia-/Mark Lanegan-ähnlicher Gesang, Southern Licks á la Corrosion Of Conformity. Und freilich lugen die üblich-verdächtigen Referenzen von Kyuss über die (frühen) Queens Of The Stone Age bis hin zu Baroness (zumindest deren wilde Lust auf Jam-Sessions) ums Eck. Gibt’s trotzdem die ein oder andere Überraschung auf „Below The Deep“? Klaro! „Along The Road“ beginnt mit einer rückwärtslaufenden Gesangsspur, holt sich eine Orgel und weibliche Gesangsunterstützung von Bassistin Shannon Fahnestock dazu und endet als A-cappella-Gospel. „Man Worth Killing“ ist ein ZZ Top-artiger Blues, extra herrlich crunchy. Mit „Sometimes We Get It Right“ gibt es eine Art Upbeat-Hit mit vielschichtigem Gesangsarrangement. Das fast siebenminütige „Garden Of The Gods“ nimmt sich zurück, wirkt wie eine der großen Grunge-Hymnen der Neunziger (Güteklasse: Alice In Chains). „Halleluja“ ist Southern Rock mit Gospel-Schmiss, „The Dying Conglomerate“ eine als Riff-Furor getarnte Abrechnung mit US-amerikanischen Politikern und bei „Mammoth Cave“ kommt neben der psychedelischen Orgel eine Akustikgitarre dazu. All das gelingt freilich nur, wenn man seine Persönlichkeit in die Musik legt. Oder gleich die der ganzen Sippe: Seine Frau ist am Piano zu hören, seine beiden Kinder singen in einem Song, die engen Freunde David W. Prasse und Jason Groves halfen bei der Produktion.

Zeitlos? Auf der Höhe des Zeitgeistes? Desert Rock aus den Rocky Mountains? David Angstrom wird’s herzlich egal sein. „Ich bin sehr glücklich, dass ich dieses Leben führen darf. Luna Sol ist da das absolute Tüpfelchen auf dem ‚i‘. Und verhindert“, lacht er, „dass meine Finger einrosten.“. Mission übererfüllt.

 

 

(Weitere Infos gefällig? Bei den Kollegen von rockhard.de findet man ein aktuelles Interview mit Luna Sol-Mastermind David Angstrom…)

 

Rock and Roll.

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„Girls to the front!“ – Die Dokumentation „The Punk Singer“ über „Riot Grrrl“-Sprachrohr Kathleen Hanna


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Sie gilt als „Rebel Girl“ und „Punk Feminist“. Als die Symbolfigur der Riot Grrrl-Bewegung Anfang der Neunzigerjahre und vereint feministische „Pro Choice!“-Revolution mit lautstarkem Punk Rock: Kathleen Hanna. Die 2013 erschienene Dokumentation „The Punk Singer“ zeichnet ein gleichsam persönliches wie einzigartiges Bild der Frontfrau von Bikini Kill, Le Tigre und The Julie Ruin.

 

„I’ve always thought that ‚punk‘ wasn’t really a genre. My band started in Olympia where K Records was and K Records put out music that didn’t sound super loud and aggressive. And yet they were punk because they were creating culture in their own community instead of taking their cue from MTV about what was real music and what was cool. It wasn’t about a certain fashion. It was about your ideology, it was about creating a community and doing it on your own and not having to rely on, kinda, ‚The Man‘ to brand you and say that you were okay.“

(Kathleen Hanna)

 

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Zwanzig Jahre Filmmaterial visualisieren mit collagenhaften Rückblenden sowie zahlreichen Interviews und Konzertausschnitten den Kampf für Frauenrechte und weibliche Selbstbestimmung sowie gegen Gewalt, Sexismus und männlichen Machismus. Die via Kickerstarter finanzierte Dokumentation von Regisseurin Sini Anderson taucht noch einmal ein in den DIY-Zeitgeist der frühen Neunziger und in eine ebenso wilde wie kreative Keimzelle, welche während dieser Zeit im US-amerikanischen Nordwesten um Portland, Olympia und Seattle herum entstand, und aus der eben nicht nur Bands wie Pearl Jam, Soundgarden oder Nirvana hervorgingen, sondern eben auch Bikini Kill. (Übrigens: Der Legende nach hätte es Nirvanas Grunge-Evergreen „Smells Like Teen Spirit“ ohne Kathleen Hannas Zutun so nie gegeben, schließlich entstand der Songtitel, als Hanna, die damals gut mit Frontmann Kurt Cobain befreundet war, den Satz „Kurt Smells Like Teen Spirit“ – auf deutsch: „Kurt riecht nach Teen Spirit“ – an eine Wand in dessen Wohnung schrieb, da Cobain nach dem Deodorant namens „Teen Spirit“ roch, welches seine damalige Freundin Tobi Vail benutzte. Cobain gefiel die Implikation des Satzes, also verwendete er ihn schließlich als Songtitel. Der Rest? Ist allseits bekannte Musikgeschichte.) Und obwohl gerade Bikini Kill zwar einflussreich, bis zu ihrer Auflösung im Jahr 1997 jedoch lediglich leidlich kommerziell erfolgreich waren, machte gerade ihr Wirken Bands wie Pussy Riot (gerade bei den radikalen russischen Aktivistinnen ist der Einfluss unverkennbar), Gossip, Petrol Girls, War On Women oder Screaming Females erst möglich, während auch bei mit Lust die Grenzen der Konventionen sprengenden Künstlerinnen wie Amanda Palmer, Kate Nash und Miley Cyrus Hanna’sche Einflüsse deutlich erkennbar sind…

MV5BMjEzNzQxNzUxNF5BMl5BanBnXkFtZTgwMDY5MTY1MDE@._V1_UY1200_CR90,0,630,1200_AL_.jpgNeben Hanna selbst lässt Regisseurin Sini Anderson in ihrer 80-minütigen Dokumentation auch Freunde und Wegbegleiter wie Kim Gordon (Sonic Youth), Joan Jett (The Runways, Joan Jett & the Blackhearts), Carrie Brownstein und Corin Tucker (Sleater-Kinney), Johanna Fateman (Le Tigre) oder Ehemann Adam Horovitz (Beastie Boys) zu Wort kommen. Kathleen Hanna selbst nutzte vor einigen Jahren den Film, um ihr langjähriges Schweigen zu beenden und den tatsächlichen Grund ihres Rückzugs aus dem Rampenlicht im Jahr 2005, als sich ihre neue Electropunk-Band Le Tigre anschickte, größere Erfolge zu feiern und als neues Sprachrohr der LGBTQ-Bewegung zu etablieren, zu erklären. Denn obwohl es um das einstige Gesicht der Riot Grrrls still geworden sein mag (ihr letztes kreatives Lebenszeichen war 2016 das The Julie Ruin-Album „Hit Reset„), macht „The Punk Singer“ eines deutlich: heute wie damals nimmt die mittlerweile 50-jährige Ex-Bikini Kill-Frontfrau (politisch) kein Blatt vor den Mund. All girls to the front!

(Übrigens: Für all diejenigen, denen der Name Kathleen Hanna bislang rein gar nichts sagte, haben die Kollegen des ByteFM Blog eine musikalische Übersicht von „Kathleen Hanna in fünf Songs“ zusammengestellt. Feine Sache, das. Allen anderen sei so oder so der Soundtrack zu „The Punk Singer“ empfohlen.)

 

Hier gibt’s den Trailer…

 

…und hier „The Punk Singer“ komplett im Stream:

 

 

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Foto: Allison Michael Orenstein

 

Rock and Roll.

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Moment! Aufnahme.


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(gefunden bei Facebook)

 

Nevermind all the plastic waste? – Grunge Rock in Zeiten des Klimawandels…

 

Rock and Roll.

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