Song des Tages: Kishi Bashi – „Manchester (Demo-arigato Version)“

Vor mehreren Jahren musi­zierte Kishi Bashi, der mit bürgerlichem Namen Kaoru Ishibashi heißt, noch zusammen mit Künstler*innen wie Regina Spektor und Son­dre Lerche, stand außerdem gemeinsam mit den US-Psychedelic-Indiepoppern von Of Montreal auf der Bühne. Inzwischen hat der studierte Vio­linist mit sowohl akademischen wie japanischen Wurzeln (beide Eltern Universitätsprofessoren, er selbst kam in Seattle, Washington auf die Welt) seinen Weg auch als Solomusiker gefunden und bislang vier Alben unter seinem Künstlernamen veröffentlicht: das jüngste, „Omoiyari“ erschien 2019, das Werk davor, „Sonderlust“ von 2016, bezeichnete etwa der „Rolling Stone“ als „die außerirdischste Pop-Platte des Jahres“.

Eventuell mag die Tatsache, dass Kishi Bashi trotz über einer Dekade im Musikgeschäft noch immer als „Geheimtipp“ zu verbuchen ist, darin seine Begründung finden, dass dieser „Orchestral Pop mit Special Effects“ („Rolling Stone“) nicht jedermann/-frau sofort leichten Zugang bietet. Andererseits hat Kaoru Ishibashi eben auch so wunderschöne Songs in petto wie etwa „Manchester„, seinerzeit erschienen auf dem 2012er Langspieldebüt „151a„. Songs, die einen nahezu unweigerlich an ähnlich tolle Künstler wie Andrew Bird, Sufjan Stevens, Owen Pallett oder die Fleet Foxes denken lassen. Songs, mit ihrer frohgemuten Melancholie wie gemacht dafür, um sich an einem Januarsonntag ein paar Sonnenstrahlen auf die Nasenspitze scheinen zu lassen.

Ähnlich fein wie das zu Streichern vom Leben und Verliebtsein schwelgende Original – eventuell sogar noch etwas schöner – ist die „Demo-arigato Version“ von „Manchester“, welche die „10th Anniversary Edition“ von „151a“ ankündigt, die im März erscheinen wird. Wer Kishi Bashi also noch nicht auf dem musikalischen Schirm (und der eigenen Playlist) hatte, der sollte den zwischen orchestralem Folk und cleverem Indie Pop geschickt hin und her schaukelnden Stücken des 46-jährigen Musikers aus Athens, Georgia durch mal ein Ohr leihen…

„I wrote me a book
I hid the last page
I didn’t even look
I think I locked it in a cage
Wrote a novel
‚Cause everybody wants to read a novel

It started with a word
And it started pretty well
About a rare and fragile bird that I couldn’t even spell
On the table
I think I left it on the table

I found the last page in the sky
Cold and sweet, like an apple
I found you and now the story has its proper end

Oh, hello
Will you be mine?
I haven’t felt this alive in a long time
All the streets are warm today, ay

I read the signs
I haven’t been this in love in a long time
The sun is up, the sun will stay
All for the new day

The very last breath of the hero of our tale
Would you only to guess
Did he truly prevail
In the the sequel?
I guess I’ll have to write a sequel

My favorite part’s when I die
In your arms like a movie (in the ending I)
It’s tragic, but now the story has its proper end

Oh, hello
Will you be mine?
I haven’t felt this alive in a long time
All the streets are warm today, ay

I read the signs
I haven’t been this in love in a long time
The sun is up, the sun will stay
All for the new day

Will you be mine? (Will you be mine?)
The days are short and I’ve wrote me my last rhyme
All the streets are warm today, ay (ay)
I read the signs (the signs)
I haven’t been this in love in a long time (in love, in love, time)“

Rock and Roll.

Das Album der Woche

Manchester Orchestra – The Million Masks Of God (2021)

-erschienen bei Loma Vista/Spinefarm/Universal-

Die Entwicklung von Manchester Orchestra verlief bis hierhin nach den recht typischen Mustern einer Gitarrenband. Die ungestüme Newcomer-Energie ihrer Anfangszeit kanalisierten die Jungs um Andy Hull in ihren 2009 erschienenen Zweitling „Mean Everything To Nothing„, einem späten Meisterwerk des Indie-meets-Emo-Rock der Nullerjahre. Auf „Simple Math“ wurden zwei Jahre drauf die Verstärker an mancher Stelle etwas leiser und die Ambitionen um einiges größer, ehe 2014 mit „COPE“ der unerwartet rohe, indierockig-krachige Rückfall folgte – nicht ohne jedoch ein akustisches Gegenstück namens „HOPE“ hinterherzuschicken und damit keinen verdammten Zweifel am durch „A Black Mile To The Surface“ endgültig festgezurrten Reifeprozess zu lassen. Zudem hatte die Band auf dem 2017er Album mit „The Silence“ mindestens ein Song-Meisterwerk in petto, bei welchem sich der Post Rock schon gefährlich nah ans Monumental-Poppige kuschelte, ohne jedoch je über die Grenze zu kippen. Näher an den nahezu perfekten Langspiel-Grower, der sich einem alsbald näher und näher ans Hörerherz schmiegte, konnten Andy Hull wohl kaum mehr kommen. Da kann man eigentlich nur scheitern – in Schönheit wie in Trauer, im Großen wie im Kleinen.

Dass „The Million Masks Of God“ nun eine ganze Albumhälfte der Reflexion widmet und die lauteren Momente nicht selten unter Beimengung von Elektronica-Bombast und Achtziger-Rhythmen füllt, überrascht wenig, schließlich liegt der Band seit jeher nichts ferner als kreativer Stillstand. Tappen Manchester Orchestra also etwa in die leider oft genug gehörte Falle, das Erwachsenwerden mit dem Abdriften in gut gepflegte, fleißig auf Hochglanz ausproduzierte Langeweile und Beliebigkeit zu verwechseln? Ganz so einfach, ganz so Coldplay, ganz so Mumford & Sons ist’s nun – zum Glück – auch wieder nicht…

Fotos: Promo / Shervin Lainez

Denn gerade zu Beginn tanzt der neue, sechste Langspieler der vierköpfigen Band aus Atlanta, Georgia die oft gesehenen Choreografien mit viel Leidenschaft und vollführt dabei auch ein paar unerwartete Bewegungen. So irritiert der Opener „Inaudible“ zunächst mit mehrstimmigen Vocals über einem synthetischen Sonnenaufgang, bis der Song zum Finale mit ordentlich Anlauf in den Orbit abhebt. Von dort oben lassen sich sicher noch die ausgebreiteten Arme von „Angel Of Death“ erkennen (das mit dem gleichnamigen Slayer-Song rein gar nichts zu tun hat) – astreiner Indie-Stadionrock, aber mit starkem Melodiebogen, leicht psychedelisch-trippigem Schlagzeug-Groove in den Strophen und vernebelter Coda. Auch die erste Vorab-Single „Bed Head“, bei der sich manch langjähriger Band-Kenner über die fehlenden Bratgitarren wunderte durfte, entwickelt im Verlauf seiner vier Minuten einen rauschhaft-mitreißenden Sog und fährt eine grandiose, von Frontmann Andy Hull mit überquellender Inbrunst geschmetterte Bridge auf. Mal schwimmt eine Akustikgitarre im Rhythmus oder treibt ein kleines Piano-Motiv an die Oberfläche, doch insgesamt kapitulieren die Folk-Einflüsse des vier Jahre zurückliegenden Vorgängers im ersten Albumdrittel vor Catherine Marks‘ und Ethan Gruskas fast schon dickflüssiger Produktion, die während der Dreiviertelstunde kaum ein Luftloch lässt. Auch das druckvolle „Keel Timing“ baut sich Stück für Stück auf, bevor es sich in einige Sekunden Introvertiertheit flüchtet, nur um am Ende nochmal richtig aufzudrehen.

Mit dem grazilen „Annie“ ändert sich diese Ästhetik, wirft damit allerdings auch ein Problem auf: Gott (welcher in Andy Hulls Texten nicht eben zufällig oft seinen Platz findet, schließlich ist der umtriebige Frontmann in einer Pastorenfamilie im Süden der US of A aufgewachsen) mag eine Million verschiedener Gesichter haben, doch hier setzt er – trotz der melancholischen Saitenklänge, des polyrhythmischen Schlagzeugspiels, den sphärischen Synthies und Hulls tragischem Gesang – ein wenig die Schlafmaske auf. Auch das kurze, sacht gezupfte „Telepath“, welches schließlich in die folkigere Phase des Albums überleitet, zieht etwas nichtssagend an einem vorbei – schon erstaunlich, konnte das US-Quartett auf früheren Werken der Ruhe eine ebensolche Intensität abringen wie dem Sturm. Mit Chören und plumpem Drumcomputer droht „Way Back“ gar in den seichtesten Folk-Pop-Tümpeln der US-Südstaaten zu verschlammen. You may call it nahende Altersmilde, you may call it Kitsch. Da lugen Mumford und Söhne beinahe schon unschön um Eck… Das ist auch deshalb so schade, weil dieses lose Konzeptalbum über Vergänglichkeit und die Begegnung mit einem Todesengel, welche inmitten des Schaffensprozesses mit dem Tod des Vaters von Gitarrist Robert McDowell aus dem fiktionalen Konzept traurige Realität werden ließ, textlich durchaus über eine Tiefe verfügt, welche das Musikalische dieses Mal zu selten angemessen widerspiegeln kann. Immerhin klingt das irreführend betitelte „Let It Storm“ nur knappe 60 Sekunden lang wie Ed Sheeran, ehe einen der Song mit komplexer Schlagzeug-Arbeit, geisterhaften Keyboards und fuzzig-verzerrtem Gitarrensolo in deutlich majestätischere Gefilde entführt.

Summa summarum zeigt der Daumen für Sänger und Gitarrist Andy Hull, Gitarrist Robert McDowell, Bassist Andy Prince und Schlagzeuger Tim Very dennoch einmal mehr nach oben, weil die Band auch auf der zweiten Hälfte von „The Million Masks Of God“ oft genug ihr Kompositionstalent zeigt. „Dinosaur“ etwa gemahnt tatsächlich an ihre Urzeiten, wenn einem Hull zunächst ins Ohr flüstert und sich dann gemeinsam mit dem Rest im wilden Galopp überschlägt. Auch der feine Abschluss „The Internet“ holt ganz weit aus, beginnt als sphärische, fast schon an Sigur Rós gemahnende Klavier-Ballade, nur um wenig später mit herrlich brutzelnden Saiten und einer ergreifenden Gesangspassage wieder auf dem Boden aufzuschlagen. Momente wie diese zeigen auf, wie organisch gewachsene und immer noch inspirierte Manchester Orchestra in ihrem aktuellen Entwicklungsstadium klingen könnten. Und verweisen damit auf zukünftige Potenziale – insofern die Jungs, pardon, Männer beim nächsten Mal gänzlich das Valium im Proberaum-Schrank lassen. Wem schon der Vorgänger zu viel Konzept, zu viel Weichzeichner und zu wenig Harte-Kerle-Rock war, der darf die Band hiermit hingegen wohl final für sich abschreiben. Manchester Orchestra haben ihre Bestimmung gefunden, in der sie mit groß Gedachtem bewusst gegen die Schnelllebigkeit und Inhaltsleere unserer Zeit angehen. Konzeptionell hat die Arbeit an Soundtracks wie für den Film „Swiss Army Man“ dazu geführt, dass das Quartett nun eher „Movie Albums“ im Sinn hat – vom Soundtrack zum Konzeptalbum, das eine Geschichte erzählt und Charaktere enthält, ist der Weg natürlich nicht mehr weit. Wer bei all dem jedoch sofort an U2 denkt, der hat wohl schon bei oft ganz ähnlich tief schürfend zu Werke gehenden Bands wie Biffy Clyro, Death Cab For Cutie oder Thrice nie richtig hingehört. Und obwohl „The Million Masks Of God“ dem faszinierenden Vorgänger unterm Strich nicht gänzlich Paroli bieten kann (als wenn es das wöllte), so brechen Manchester Orchestras elf neue Stücke mit all ihren großen Momentmelodien und ausgeklügelten Arrangements einmal mehr eine Lanze fürs sich Schicht für Schicht entfaltende Albumformat unterm Kopfhörergenuss.

Hier gibt’s „The Million Masks Of God“ in Gänze im Stream…

…sowie hier die Musikvideos zu „Bed Head“…

…“Keel Timing“…

…und „Telepath“:

Rock and Roll.

Song des Tages: Azure Ray – „Bad Dream“

Es war damals, kurz nach der Jahrtausendwende, als zwei junge Ladies von Athens, Georgia aus – und über das fantastische Indie-Label Saddle Creek, dessen Releases man zu jener Zeit quasi per Blindkauf vertrauen konnte – die auf Dream-Pop geeichte Indie-Folk-Welt verzauberten. Drei wunderschöne Alben und ein paar EPs lang musizierten einem Orenda Fink und Maria Taylor als Azure Ray in ihrem turmhoch tönenden Wolkenkuckucksheim die melancholischst gestimmten Geigen um die Gehörgänge, bevor die beiden eine (erste) Bandpause einlegten , um sich fortan etwas mehr ihren Solo-Karrieren zu widmen, 2010 mit dem vierten Album „Drawing Down The Moon“ zurückzumelden und hernach eine erneute, zweite Pause einzulegen. Bis jetzt. (Nunja, fast: 2018 erschien mit der EP „Waves“ ein kleines Lebenszeichen des Duos…)

Nun melden sich Azure Ray einmal mehr zurück – und lassen nach dem Titelstück mit „Bad Dream“ einen zweiten neuen Song vom am 11. Juni auf Maria Taylors eigenem Indie-Label Flower Moon Records erscheinenden Comeback-Album „Remedy“ hören, dessen zehn Stücke die beiden Mittvierzigerinnen (Kinners, wie die Zeit vergeht!) im vergangenen Jahr gemeinsam mit Produzent Brandon Walters (Lord Huron, Joshua Radin) an verschiedenen Locations in Südkalifornien aufgenommen haben. Und siehe da – auch gut zwanzig Jahre nach ihren Saddle Creek’schen Achtungserfolgen strahlen Fink und Taylor im Zweiergespann noch immer diesen geradezu unverkennbar magischen Charme aus, in den man sich am liebsten Tage, Wochen und Monate betten möchte… *hach*

„‚Bad Dream‘ ist unser Sommer-Jam. Es ist eher ein Song zum Ausatmen, ein Song, zu dem man die Autofenster herunter lässt. Alle Stücke auf ‚Remedy‘ wurden während der Pandemie geschrieben, also tragen sie alle Elemente der Anstrengungen, mit denen wir im vergangenen Jahr konfrontiert wurden, in sich. Viele von uns haben Trauer, Wut, Isolation und Angst erlebt, und in diesen Zeiten, in denen man an den gewohnten Orten keinen Trost finden kann, muss man ihn eben im Inneren suchen. Letztendlich bist du selbst deine eigene Kraftquelle, deine eigene Quelle der Hoffnung. Du bist ein Heilmittel – und meist das einzig Richtige. ‚Bad Dream‘ wiederum kombiniert die Ängste der letzten Zeit, aber verfolgt sie bis in unsere Vergangenheit und hinterfragt, wie unser unterbewusster Geisteszustand unsere Entscheidungen diktiert.“

Rock and Roll.

Auf dem Radar: Sarah & The Safe Word

Kurz nach der Jahrtausendwende sorgten so einige Bands für kleine bis mittelgroße Wellen von Begeisterung, die zwar aus verschiedenen Ecken der US of A stammten, deren Songs, in welchen sie augenzwinkernde Theatralik, zur Faust geballte Euphorie und sinistres Geschichtenerzählen vereinten, jedoch durchaus so einige Schnittmengen aufwiesen. Bands wie Panic! At The Disco, My Chemical Romance und The Dresden Dolls. Obwohl sich alle drei wenig später in recht unterschiedliche Richtungen entwickelten, heute teilweise auf Eis liegen (oder, wie im Fall von Panic! At The Disco, gen egalen Formatradio-Pop abbogen), so ist es kaum falsch, im Rückblick von der „heiligen Dreifaltigkeit des Freak-Punk“ zu schreiben, deren Fanbases all jene einsammelten, die sich zu Schulzeiten keiner der offensichtlichen Szenen und Cliquen – den Schönlingen, den Sportlern, den Draufgängern, den Strebern… – so richtig zugehörig fühlten. All hail the outcasts! Diese Mischung aus Haken schlagendem Alternative Rock, ein, zwei Prise Emo und Pop Noir, düstrem Cabaret Punk Rock und nicht selten in weltwundem Zynismus badenden Texten war zweifelsohne besonders, ist es – mit etwas Nostalgie an Bord – heute noch. Jedem nach Orientierung dürstenden Jugendlichen boten Alben wie „A Fever You Can’t Sweat Out“, „Three Cheers For Sweet Revenge“ oder „The Dresden Dolls“ ein ums andere Mal die Flucht in eine Welt voller Vaudeville-Songs, leicht angekitschtem Bombast und Freakshow-Zirkus-Orgien, die größer und oft einladender schien als der vom grauen Alltag getünchte Lebensnebel… All das liegt nun bereits stolze 15 Jahre zurück – und feiert in der Musik von Sarah & The Safe Word (s)ein kleines Revival.

Denn in der Tat vereint die siebenköpfige Band aus Atlanta, Georgia (zu der man hier eine ausführliche Vorstellung findet) so einige Trademarks der Formationen um Brendon Urie, Gerard Way und Amanda Palmer in ihren eigenen Songs. Die wiederum machen die drei bisherigen Alben „Strange Doings In The Night“ (2017), „Red Hot & Holy“ (2019) und „Good Gracious! Bad People.“ (2020) zu durch und durch unterhaltsamen Erlebnissen mit sympathischer DIY-Schlagseite, bei denen einem Einflüsse aus Gothic Rock ebenso zu Ohren kommen könnten wie aus Dark Pop oder Southern Gospel (schließlich steuert jedes der Bandmitglieder mal hier, mal da Gesangseinlagen bei), während die Queer- und PoC-positive Band mal von japanischen Metal-Kapellen wie Dir En Gray inspirierte Moshpit-Steilvorlagen zu Geschichten über diabolische Autorennen liefert („Formula 666“), mal Piraten-Räuberpistolen („Dead Girls Tell No Tales“), mal den süßlichen Duft der jüngsten Halloween’schen Trick-or-Treat-Ausbeute versprühende Geschichten, die so gut und gern auch direkt aus Tim Burtons Oberstübchen stammen könnten, ohne je eine Hookline links liegen zu lassen. Das Ergebnis tönt meist wie ein eskapistisch-würdevoller Revival-Abend im Geiste der „heiligen Dreifaltigkeit des Freak-Punk“ (welcher meinetwegen von Murder By Death organisiert wurde). Gut möglich also, dass in High-School-Tagen das ein oder andere Panic! At The Disco-, My Chemical Romance- oder Dresden Dolls-Poster in den Jugendzimmern von Frontfrau Sarah Rose, Keyboarderin Beth Ballinger, der Violinistinnen Susy Reyes und Courtney Varner, Gitarrist Kienan Dietrich, Bassist Maddox Reksten sowie Schlagzeuger Sam Freeman hing. Sounds good... All hail the freaks!

Rock and Roll.

Song des Tages: Aree and the Pure Heart – „Fifty Dollar Bottle Of Wine“

Bock auf ein neues The Gaslight Anthem-Album, welches schön retromäßig vor sich hin rockt und dabei nicht mit Spielereien der Duftmarke Against Me! geizt? Dann empfiehlt euch ANEWFRIEND wärmstens die – na klar! – aus den US of A stammenden Aree and the Pure Heart, die auf ihrem im vergangenen März erschienenen Album „Never Gonna Die“ schwungvoll und euphorisch rock’n’rollnen Heartland-Rock zelebrieren, der sich jedoch auch traut über die Punkrock-Kante hinaus zu lugen (und damit so einige verheißungsvolle Versprechen der 2015er „Heartsongs EP“ einlöst).

Mit dem herrlich hartnäckigen Singalong-Mini-Hit „Fifty Dollar Dollar Bottle Of Wine“ beginnt das Quartett um Frontmann Aree den bunten Song-Reigen, der nur selten langweilig wird. Auch wenn es zwischendurch mal nachdenklich oder melancholisch vom Piano aus tönt (wie bei der passablen Feuerzeug-Ballade „The Feeling I Get„), ist die Grundhaltung stets eine positive – eine die das Leben mit gereckter Faust feiert, obwohl es vielleicht nicht immer Geschenke für einen parat halten mag. Der erwähnte Opener reißt einen mit seiner Leidenschaft förmlich mit – insofern man poppigen Ambitionen nicht abgeneigt ist, denn der Mix aus Seventies-Springsteen-Rock, der hier und da gern mit Achtziger-Jahre Bläsern aufgepeppt wird, wirkt wie aus der Zeit gefallen und deswegen irgendwie auch zeitlos – zeitlos schön.

Klar, Aree and the Pure Heart sind mehr dem Mainstream zugewandt und hätten wohl perfekt in das Vorprogramm einer Tom Petty-Show gepasst. Zuweilen – wie beim Classic-Rocker „Under The Streetlight“ – erinnert Arees Gesang gar an Meat Loaf – zum Glück allerdings ohne dessen over-the-top’sches Pathos. Als würde der in stylishe Denim-Fashion gekleidete Punkrock-Frontmann eine Armee von Träumern auf die Welt loslassen, vereint Aree diese ganz besonderen Charakteristika der großen, großen Evergreen-Musiker von Springsteen bis Adams, während er sich die Leichtigkeit von Craig Finn (seines Zeichens Frontmann der New Yorker Kaschemmen-Indierocker The Hold Steady) oder einer – vergleichsweise – sehr ausgeglichenen Laura Jane Grace (Against Me!) behält. All das verbindet er wiederum mit viel Emotionalität, Herzblut, Authentizität und den roughen „The ’59 Sound“-Großtaten von The Gaslight Anthem. Es sind eben nicht selten die unscheinbaren – „kleinen“ – Bands, die das Genre weiterhin spannend gestalten – der Vierer aus Atlanta, Georgia reiht sich nahtlos in diese Geheimtipp-Riege ein.

Auch weitere Songs wie „Never Gonna Die„, „Gasoline Heart„, „Black Cats“ oder „Crash Into The Sun“ laufen gut geölt in die Gehörgänge, wobei es manchmal an den berühmt-berüchtigten Ecken und Kanten fehlt, die ein Lied schlussendlich so besonders, so memorabel machen. Freilich sind Aree, PJ, Chris und Dave handwerklich sehr versiert und verstehen es zweifellos, eingängige Songs zu schreiben, die nach mehrmaligen Hören durchaus für Wiedererkennung sorgen, aber konsequent hängenbleiben möchten die wenigsten der lediglich neun Stücke. Dennoch ist das halbstündige Album im Ganzen mehr als solide und dürfte gerade im nahenden Frühling gern noch einige Fans mehr finden…

 

 

Rock and Roll.

Song des Tages: Pony Bradshaw – „10×10“ (Live Session)

Auf seinem im vergangenen Juni erschienenen Debütalbum „Sudden Opera“ liefert der 39-jährige James „Pony“ Bradshaw so einige überzeugende Argumente für den etwas späteren Start mit der Kunst. Mit seinen fast vierzig Lenzen hatte der Musiker aus dem US-amerikanischen Chatsworth, Georgia Zeit, um erwachsen zu werden. Zeit, um zu leben. Zeit, alles zu vermasseln, von vorn anzufangen und (s)eine eigene Stimme zu finden. Der Titel des Albums mag insofern eine zwar recht janusköpfige, irgendwie jedoch auch treffende Beschreibung sein: sein Klang trifft den Hörer zunächst abrupt, dann jedoch stetig, wieder und wieder – wie eine Flut launischer Streicher, donnernd-abgründiger Enden und dramatischer Töne, und angeführt von Bradshaws Gitarre und  markdurchdringendem Soulgesang, der sehnsüchtig, tröstlich und fragend zugleich wirkt (und an mancher Stelle   Thrice-Frontmann Dustin Kensrue stimmlich recht nahe stehen mag).

„Ich bin ein großer Fragensteller, ganz sicher“, meint Bradshaw. „Flannery O’Connor sagte, sie wisse nicht, was sie glaubt, bis sie es schreibt. So kann man sein eigenes Glaubenssystem finden, und jeder kann sehen, wie man es durcharbeitet. Das Schreiben erzählt mir etwas über mich selbst.“ Er hält inne. „Es hilft sehr.“

Pony – geboren als James Bradshaw – ist schon als Kind viel herumgekommen. Der in Mississippi geborene Militärbursche hat sein Leben – gefühlt – in den gesamten US of A verbracht. Heute hat er sich in Georgia niedergelassen, und mehr als irgendwo sonst fühlt er sich nun dort zu Hause. Nachdem ihn die Air Force bereits mit 21 Jahren vor die Tür setzte, ließ er sich ziellos treiben, bis die Musik, die er mehr als ein Jahrzehnt später fand, zu seinem wahren Anker wurde.

Und damit lag er wohl auch ganz richtig, schließlich hatten ihn renommierte Radiosender wie NPR oder Amazon Music bereits vor ein paar Jahren „as one to watch“ auf dem Radar. Doch anstatt die unerwartete Aufmerksamkeit zum fixen Kickstart zu nutzen, ließ Bradshaw sich Zeit um die Kunst, die er erst vor kurzem für sich entdeckt hatte, genau zu fassen, zu formulieren. „Sudden Opera“, für das Bradshaw alle Songs selbst schrieb, bevor er sich vom zehnfachen Grammy-Preisträger Gary Paczosa (Alison Krauss, Dolly Parton), Grammy-Preisträgerin Shani Gandhi (Parker Millsap) und Jedd Hughes (Emmylou Harris & Rodney Crowell) im Studio helfen ließ, ist das lohnende Ergebnis.

„Van Gogh“ beginnt die Platte mit der dem Titel gebührenden Prahlerei und einem ordentlichen Maß Schmerz. „Es ist teils Traum, teils Fiktion“, sagt er. Bradshaw setzt lebhafte Imagination und rätselhafte Wortspiele zusammen, um eine Stimmung mehrdeutiger Sehnsucht zu erzeugen, die sich mit unverblümter Selbstwahrnehmung vermischt – eine Stimmung, die sich das ganze Album hindurch fortsetzt. Unterbrochen von einem spärlichen E-Gitarren-Groove brodelt „Jehovah„: “We go together like cocaine and time / Why don’t you go on and let it die?”

Wie bei vielen anderen Americana-, Southern Rock- und Blues-Musikern auch ist die Platte voller Lieder, die religiöse Bilder aufgreifen und wild durcheinander würfeln. „Shame“ widmet sich allen voreilig-glühenden Falsche-Finger-Zeigern, während „Ain’t No Eden“ das irdische Leben in seiner oft genug qualvollen Gegenwart akzeptiert und obendrein die Idee der paradiesischen Versprechung ablehnt. Mit tanzenden Händen in der Luft, einer Orgel und ordentlich Backbeat gibt sich „Didn’t It Rain“ dem Unbekannten hin. „Weißt du, ich habe das Gefühl, dass wir alle manchmal agnostisch sein sollten“, so Bradshaw. „Keine überzeugten Christen, keine überzeugten Atheisten – da bin ich mir sicher. Es gibt Dinge, die man nicht wissen kann. Es mag eine schöne Erleichterung sein, an etwas zu glauben und das Gefühl zu haben, dass man danach irgendwo hingeht. Ich kann das verstehen. Aber ich kann es einfach nicht unterschreiben.“

Getragen von einem Gospel-Chor im Background, ist „Sippi Sand“ das wohl autobiographischste Lied des Albums, in dem der US-Musiker aus seiner Familiengeschichte erzählt. Durch die elektrischen Gitarren von „Charlatan“ scheint Tom Petty auf seine Heartbreakers hinab zu lächeln, während der Song selbst vermeintlich spirituelle Südstaaten-Schlangenölverkäufer niederringt. „Bad Teeth“ überzeugt als grüblerischer Shuffle, und das verträumte „Loretta“ erforscht das Verlangen, die Auswirkungen und die Flucht in und mit einer anderen Person. Fast schon ergreifende Streicher treiben das turbulente „Gaslight Heart“ voran, während „Josephine“ das Album eindringlich zu Ende bringt.

Das Album-Highlight jedoch dürfte das tolle „10×10“ sein: auch dieses Stück setzt auf klagende Streicher und Piano, um die Bühne für einen Mann zu bereiten, der sich nach Ruhe seht. Der Song mag bewegend sein – sein Titel selbst ist jedoch relativ zu verstehen: „Ich möchte nicht, dass jemand im Gefängnis denkt, ich würde es romantisieren, aber ich war ein paar Mal selbst im Knast, und es war irgendwie friedlich“, so Bradshaw. „Das liegt daran, dass ich nicht verurteilt wurde – ich war nur über Nacht dort. Aber als ich das schrieb, dachte ich, dass einem das Leben manchmal bedrückend erscheinen mag und man einfach nur eine Pause will. Also steck‘ mich übers Wochenende einfach in eine kleine Zelle und lass‘ mich vor all dem Rauschen entkommen.“

James „Pony“ Bradshaw gibt freimütig zu, dass er heutzutage mehr Romane und Gedichte liest als dass er Musik hört, obwohl ihn Helden wie Townes Van Zandt und Guy Clark auch heute noch inspirieren und so freilich immer noch eine große Rolle für ihn spielen. Aktuell jedoch beschäftigen ihn vor allem die französischen Autoren, Dichter und Maler des 19. Jahrhunderts, allen voran Flaubert. Er interessiert sich für den kreativen Prozess, der das Gehirn dazu bringt, Inspirationen zu erkennen, bevor alles seinen Lauf nimmt. Zur Musik selbst und regelmäßigen Live-Auftritten (er selbst spielte in der Vergangenheit etwa als Support für Social Distortion) hat Bradshaw keine wirklich dezidierte Meinung: „Ich frage mich jeden Tag, warum ich darin gut sein will“, sagt er. „Es ist schwer. Ich ringe mit dem Ego und dieser ganzen Sache. Aber ich weiß einfach, dass das Schreiben, Singen und Spielen mich glücklich macht, also mache ich es weiter.“

 

Besondern eindringlich geraten die Album-Highlights „Bad Teeth“, „10×10“ und „Didn’t It Rain“ in ihren jeweiligen reduzierten Live-Session-Varianten:

 

Rock and Roll.