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Zu kurz gekommen – Teil 13


Archive – You All Look The Same To Me (2002)

You_All_Look_the_Same_to_Me-erschienen bei Hangman/Eastwest/Warner-

Es gibt Bands, die begleiten einen bereits schon so lang, dass man sich kaum an eine Zeit erinnern kann, als sie mal nicht da waren. Gut, in meinem musikverrückten Fall dürfte es dabei wohl um eine ganze Riege an Gruppen, Künstlern und Alben handeln, die irgendwie schon immer da gewesen zu sein scheinen. (Off topic: Ich habe kürzlich von einer Studie gelesen, anhand derer findige Lehrgesellen belegen möchten, dass man *hust* „im Alter keine“ – oder, vielleicht besser: kaum noch – „neue Musik hört“. Und obwohl ich mir durchaus stets einen Resthunger auf Neues und Interessantes erhalte, so muss ich zugeben: Stimmt.) Eine dieser Bands ist definitiv Archive.

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Und das aus London stammende Kollektiv um die beiden Kreativköpfe Danny Griffiths und Darius Keeler hat freilich auch schon einige Lenze auf dem Bandbuckel. Mehr sogar: Seit der Bandgründung im Jahr 1994 haben Archive wohlmöglich ein ganzes Genre überlebt. Denn während man die ersten beiden Alben, „Londinium“ (1996) und „Take My Head“ (1999), noch ganz klar im TripHop-meets-Electronica-Fahrwasser von Massive Attack vermuten konnte, sollte sich um die Jahrtausendwende vieles bei Archive ändern. Das „Cool Britannia“ der Neunziger lang in einem anderen Jahrzehnt, und wohlmöglich stellte sich das Kernduo Griffiths-Keeler für die Zukunft der Band etwas anderes vor, als immer nur den Sound des „großen Bruders“ aus Bristol, in welchem sich mal gefällig, mal bedrohlich anmutende Electronica-Klänge mit echtem Bandsound aus GitarreSchlagzeugBass vermengten, um dann mit – vornehmlich weiblichem – Gesang unterlegt zu werden, für sich zu adaptieren. Also taten sich Archive mit dem Sänger Craig Walker – ehemaliger Frontmann der mäßig erfolgreichen irischen Poprocker Power Of Dreams – zusammen, banden ihn fest ins Bandkonzept ein – und schufen „You All Look The Same To Me„.

archiveMan muss auch gar nicht lang suchen, um den ersten prägnanten Unterschied zwischen Album Nummer drei und seinen beiden Vorgängern auszumachen, denn bereits der Opener „Again“ nimmt sich satte sechzehnenhalb (!) Minuten Zeit und Raum. So weit, so oberflächlich die ersten Fakten. Und auch klanglich hat all das nur noch entfernt mit dem kühlen TripHop der Neunziger zu tun. Eine Akustische leitet sanft ein, bald schon gesellen sich eine wehmütige Mundharmonika hinzu, dann eine warm vibrierende Hammondorgel. Und auch der von Walker gesungene Text verheißt Innerliches: „You’re tearing me apart / Crushing me inside / You used to lift me up / Now you get me down“. Herzschmerz statt Vertonung von Metropolenfassaden? Scheint ganz so. Griffiths und Keeler nehmen sich zwar reichlich Zeit, den neuen Bandsound einleitend vorzustellen (Hut ab allein dafür!), doch famoser könnte der Einstieg in „You All Look The Same To Me“ wohl kaum sein – „Again“ ist ein Statement an Breitwand und Tüftelei, an Intensität und Freigeist, der sich Ruhepausen und Ausbrüche gönnt, Wirren und Flirren, Schmerz, Katharsis und ein klein Bisschen Erlösung. Wer erst einmal über diese Schwelle gestiegen ist, den zieht Archives drittes Werk immer tiefer in seine Eingeweide der Nacht. So ist „Numb“ die gelungene Symbiose aus hitzigen TripHop-Beats und derben E-Gitarren, „Meon“ der süße Hilferuf nach Liebe in Cinemascope („Does anybody want to take me home?“), „Goodbye“ und „Now And Then“ melancholische Blinklichter an Vergangenes, die auf das zweite ausladende Highlight hinfiebern lassen: „Finding It So Hard“. Denn auch bei diesem (über)langen Fünfzehnminüter astgabeln sich Vergangenheit und Zukunft von Archive, lassen einen feurige TripHop-Bausteine die Arme tanzend und taumelnd in die Luft werfen, während Synthie-Orgeln windschief ihre Bahnen ziehen, die Bässe pumpen und Gitarren nach gut zehn Minuten für ordentlich Feedback sorgen. „Fool“ ist da textlich nur ein weiterer Versatzstein im Abgesang an die Liebe („It’s never sure / It’s never pure / It always hurts“), während die Mundharmonika des Auftaktsongs ihre Rückkehr feiert und Craig Walker und Maria Q, der bereits das kurze „Now And Then“ gehörte, erneut beweisen, wie gut ihre Stimmen miteinander harmonisieren. Einen bösen Schalk hat auch das pianogetrangene „Hate“ im Nacken („I hate your face right now / I can’t stand a sight of you / So please / Leave me alone / I thought you were a friend / But you’ve ruined my tale again / So please / Just go away /…/ Don’t believe a word I say“), bevor „Need“ lieblich und folkloristisch wie anno dazumal eine Pilzkopf-Kombo ums Eck biegt. Und „Absurd“ verpackt seine zehn mal mehr, mal weniger langen Vorgänger in watteweiche Wolken, um ins Morgengrau zu verschwinden.

In den Jahren darauf sollten Archive diesen eingeschlagenen musikalischen Weg noch verfeinern, sollten noch mehr Bandsound-Organik auf ihre Platten und in ihre Bühnenauftritte mit einbinden, sollten sich von persönlichen Songinhalten immer mehr hin zu subtiler gesellschaftlicher Kritik wandeln. Dem Konzept der mehr oder minder festen Gastsänger sind Danny Griffiths und Darius Keeler freilich, obwohl Craig Walker längst nicht mehr mit an Bord ist, weiter treu geblieben. So hat man sich auch nach nunmehr zehn Alben – die letzte, „Restriction„, erschien im Januar diesen Jahres – eine gewisse Spannung bewahrt, ohne jedoch Trademarks einzubüßen. Hat Soundtracks aufgenommen (etwa den zum französischen Rennfahr-Film „Michel Vaillant“) oder gar die Filme zu fiktiven Scores selbst produziert („Axiom“ aus dem vergangenen Jahr) – was böte sich bei einer Band wie dieser den mehr an? Natürlich finden sich auf den Nachfolgern zum dritten Album die bekannteren, die *hust* schmissigeren Songs (etwa „Fuck U“ oder „Bullets„), aber „You All Look The Same To Me“ wird auf ewig das Werk bleiben, auf dem Archive zu dem wurden, was sie (bis) heute sind: ein spannendes Kollektiv mit mehr als zwanzigjähriger Historie, bei dem nicht selten bis zu 15 Personen hinter Studiotüren oder auf den Bühnenbretter mitmischen. Eine Band, die, wie so oft, wenn es um Anspruch geht, die größte Fanschar in frankophilen Ländern (Frankreich, Schweiz, Belgien) auf sich vereinen kann. Eine Band, die den TripHop hinter sich gelassen hat, um sich eine eigene kleine Nische zu schaffen, und noch lange nicht am Ende angekommen zu sein scheint – trotz den 13 Jahren, die mich „You All Look The Same To Me“ nun schon begleitet. Ein Meisterwerk, gefühlt.

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Rock and Roll.

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Das Album der Woche


Benjamin Clementine – At Least For Now (2015)

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Echt jetzt? Wollen die einen etwa für dumm verkaufen? Mittelloser Junge aus *hust* „schwierigen Umständen“, der sich bereits seit Kindestagen – und das nicht nur seiner Hautfarbe wegen – als beflissener, belesener Außenseiter fühlt, flieht erst – von verheißungsvollen Versprechungen und vom Fernweh getrieben – aus dem Zig-Millionen-Einwohner-Molloch der englischen Hauptstadt und nach Paris, von dem er einst so viel las, sich so viel versprach. Dort führt er ein Vagabunden-, ein Herumtreiberdasein, schläft unter Brücken und dem freien Himmel, spielt seine Lieder in Metrostationen und wird dann und dort – endlich – von einem findigen Musikmanager erhört, der ihn alsgleich mit einem Plattenvertrag ausstattet… Was sich liest wie die größte, sich immer und immer wieder wiederkäuende Klischee-Räuberpistole des Pressesprechs, ist
so wohl tatsächlich die (bisherige) Lebensgeschichte von Benjamin Clementine.

Bilder: Micky Clement / Promo

Bilder: Micky Clement / Promo

Der heute 26-Jährige wurde 1988 als fünftes Kind einer ghanaischen Einwandererfamilie im Südlondoner Stadtbezirk Crystal Palace geboren. Einen Großteil seiner Kindheit, die wohl tatsächlich keine einfache war, verbrachte er bei seiner Großmutter in Edmonton im Norden der englischen Hauptstadt. Clementine wurde unter anderem wegen seiner Hautfarbe schikaniert und von seinen Mitschülern gemieden, ja: gemobbt, was er mit häufigem Schulschwänzen beantwortete. Er flüchtete sich in die Welt der Literatur, der Kunst und Musik, befasste sich unter anderem mit den Dichtungen von William Blake und der Bibel und bereicherte damit seinen Wortschatz.

Nachdem Clementine sein Studium der Rechtswissenschaften an die Wand gefahren und sich mit seinem damaligen Mitbewohner verkracht hatte, brach er seine Zelte in London ab. Er flüchtete nach Paris, wo er mehrere Jahre als Obdachloser lebte und unter Brücken schlief, bis er seinen Lebensunterhalt als Straßenkünstler (er spielte etwa in der Pariser Métro Songs auf der Gitarre) sowie als Pianist in Bars und Hotels bestreiten und sich eine Unterkunft in einem Wohnheim im Pariser Künstlerviertel Montmartre leisten konnte. Benjamin begann, eigene Songs zu schreiben und vorzutragen und wurde von einem A&R-Manager entdeckt, der ihn förderte und mit Kontakten versorgte. Die waren es denn auch, die ihm im Jahr 2012 einen Auftritt beim „Festival de Cannes“ ermöglichten, wo er Lionel Bensemoun, einen französischen Medienmogul, kennenlernte. Der war von Benjamin derart begeistert, dass er ihm prompt einen Vertrag beim renommierten französischen Label Barclay Records besorgte. Nach zwei kleineren Ausrufezeichen, die Clementine 2013 und 2014 mit EP-Veröffentlichungen setzten konnte, erscheint nun sein Debütalbum „At Least For Now„. Um eines vorweg zu nehmen: es ist kein Werk zum Nebenbeihören.

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Das wird schon mit dem Eröffnungsstück „Winston Churchill’s Boy“ allzu deutlich. „Nobody knows what’s on this boy’s mind / Nobody knows what he’s been picturing“ – zunächst einzig und allein von (s)einem Piano begleitet, erzählt er die Geschichte von Randolph Churchill, dem einzigen Sohn des großen Staatsmannes, einem Dandy, Trinker, Reporter – und tatsächlich später auch Abgeordneten. Den Schatten des Übervaters wurde er dennoch nie los, und so ist der Song auch eine Fabel, die von allen Söhnen mit starken Vätern handelt: „Don’t you ever judge Winston boy“. In den ersten fünfeinhalb Minuten des Albums nimmt Clementine bereits Vieles vorweg, was in den kommenden zehn Stücken noch kommen wird: die stets unstete Struktur seiner Stücke, die Brüche aufweisen, die der junge Künstler gekonnt mit unerwarteten Stimm- oder Tempowechsel füllt. Hier eilen ihm Streicher zu Hilfe, da huscht ein sacht angeschlagenes Schlagzeug vorbei. Die Mitte, das Zentrum bilden immer Benjamin Clementine und sein Piano. Und wie! Er erzählt bedächtig und staatstragend, er barmt und fleht („Then I Heard A Bachelor’s Cry“), er frohlockt („London“), er greint, er windet sich von den höchsten stimmlichen Höhen hinab in abgrundtiefe Tiefen (und das alles innerhalb weniger Augenblicke – zu hören in „Adios“), er rührt mit Ehrlichkeit, Direktheit und einer Menge Tremolo nicht selten mitten im Herz.

Vor allem die beiden Fixpunkte Paris und London sind auf den Stücken von „At Least For Now“, das Clementine gemeinsam mit dem Produzenten Jonathan Quarmby (u.a. Ziggy Marley, Pretenders, Eagle-Eye Cherry, Sugababes) in der englischen Hauptstadt aufnahm, kaum zu überhören, winden sich doch Größen wie Léo Ferré, Nina Simone, Edith Piaf, Leonard Cohen und Jaques Brel, aber auch Erik Satie, Nick Drake oder Jeff Buckley aus jeder Pore der gut 50 Minuten – kein Wunder, dass sich vor allem die französischen Hörer mit Jubelarien überschlagen. Chanson steht gleichberechtigt neben Jazz, Blues, Gospel, Soul, Kammermusik, Singer/Songwritertum, Neo-Klassik und Neuer Musik, ja sogar einen Spritzer nervöser Dubstep (man höre „Condolence“!) huscht durch die Songs. Benjamin Clementine baut darum seine Erzählungen auf, die mal autobiografische („London“, „Cornerstone“, „Adios“), mal historische („Winston Churchill’s Boy“), mal rein fiktive Ursprünge haben. Und er ist ein ebenso fesselnder Erzähler wie Sänger! Seine Biografie, seine Begabung, seine nicht selten unorthodoxe Herangehensweise an Songwriting und Vortrag lassen an große Künstler der letzten Jahrzehnte denken, wie Rufus Wainwright (ohne den Schwulst) oder Patrick Wolf (in seinen schönsten, berührendsten Momenten), vor allem jedoch an einen: Antony Hegarty. Denn ebenso wie das androgyne Frontwesen von Antony & The Johnsons, dieser scheue Pausbackenpummel mit der Jahrhundertstimme, schafft Benjamin Clementine etwas, was auch tausend Orchester mit Pomp und allerlei Tamtam nicht auszugleichen wissen: er berührt allein schon durch seine Stimme, ohne dass es in diesem Minuten allzu mehr bedarf. Der Abgang in „Gone“ ist ein stiller, ist ein einfach fulminanter: „But it all doesn’t matter anymore / It doesn’t matter / All because I’m here now“.

Freilich werden sie in unseren schnelllebigen schönen neuen Zeiten, in denen Taylor Swifts Outfit bei ter x-ten Preisverleihung mehr Aufmerksamkeit zukommt als ihren Songs (ein zufälliges Beispiel, natürlich), dem Zweimeterschlacks kaum die roten Teppiche ausrollen. Viel zu sehr sind Clementines Songs in einer Zeit verhaftet, in der Qualität alles war, Quantität etwas, dass Schellack nur überfordert hätte. Und obwohl seine Stücke bereits ein kumuliertes Raunen durch den (digitalen) Blätterwald geblasen haben, tastet sich „At Least For Now“ zunächst mit einigen Top-20-Plazierungen (etwa in – natürlich – Frankreich, den Niederladen oder Belgien) an größere Meriten heran. Die große Bühne, die schweren Samtvorhänge, die feine Abendgarderobe – all das hätten seine Songs, die so sehr im Gestern und Heute, in den englischen Nebelschwaden von Edgar Allen Poe wie den flamboyanten Sonnenstrahlen eines Serge Gainsbourg verhaftet sind, sicherlich verdient. Andererseits hätte man die Erzählungen des jungen Mannes, der obendrein aussieht wie Nina Simones geheim gehaltener Sohn, auch gern noch ein wenig ganz für sich – und wenn auch nur für einige intime Augenblicke mehr. Ganz allein für sich – als Geheimtipp, den man guten Freunden beim Weintrinken ans Herz legt. Damit auch sie berührt werden…

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Hier gibt’s die Musikvideos zu „Cornerstone“, „Nemesis“ und „Condolence“…

 

…sowie zwei ausführliche Live Sessions von und mit Benjamin Clementine:

 

Und wer ein wenig mehr über den 26-jährigen Vollblut-Musiker erfahren möchte, dem sei dieses Portrait des deutschen „Rolling Stone“ ans Herz gelegt…

 

Rock and Roll.

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Zu kurz gekommen… – Teil 12


Lange lagen Teile, rohe Fragmente und Auszüge der folgenden Zeilen in meinen (digitalen) Notizbüchern. Immer und immer wieder habe ich gestrichen, ergänzt und am Ende doch überlegt: Soll ich tatsächlich über ein Album schreiben, dass mir so viel bedeutet, dessen einzelne Stücke sich dermaßen in meine eigene Biografie und Gefühlswelt gewoben haben, dass kaum noch klar ist, wo der Traum der Erinnerung endet und das real Passierte beginnt? Und: Wie werde ich werde ich dem Künstler damit gerecht? Kann ich das überhaupt? Dem kundigen Leser von ANEWFRIEND sollte der Name des Künstlers – Damien Rice – nicht fremd sein. Dem Rest sei seine Musik – auch aus aktuellem Anlass – wärmstens ans Hörerherz gelegt. Aber lest selbst…

 

Damien Rice – O (2002)

damien rice o-erschienen bei 14th Floor/Eastwest/Warner-

Irgendwo am Anfang stand eine wundervolle Konzertnacht in der deutschen Hauptstadt. Mit einem mit Freunden vollbepackten, in die Jahre gekommenden Ford Fiesta hatten wir uns am 5. März 2003 auf den 150 Kilometer langen Weg begeben, um einen Künstler zu sehen, dessen Karriere damals – zumindest international – noch in den Kinderschuhen steckte – und das, ohne vorab Eintrittskarten in der Tasche zu haben (wir wollten welche ordern, aber so kommt es halt, wenn sich einer auf den anderen verlässt und es dieser dann schlichtweg verpennt – seitdem nehme ich das immer selbst in die Hand). Natürlich war Damien Rices Gastspiel im Berliner Knaack Klub ausverkauft – das kundige Hauptstadtpublikum ist bekanntlich immer etwas empfänglicher für neue Trends und Künstler. Zu unserem Glück konnten wir noch – wenn auch heftig überteuert, aber wenn man einmal 300 Kilometer Strecke auf sich nimmt, um genau diesen Musiker zu sehen, zahlt man eben drauf – Karten aus der „schwarzen Jackentasche“ für alle in unserer Runde bekommen und fanden uns so in der ersten Reihe rechts neben der kleinen Konzertbühne des Knaack Club wieder. Nicht nur aufgrund der Tatsache, dass wir alle zum ersten Mal Josh Ritter, einen damals ebenfalls noch komplett unbekannten Singer/Songwriter aus dem US-amerikanischen 24.000-Einwohner-Kaff Moscow, Idaho, kennenlernten (seine an diesem Abend dargebotene Version des anno dazumal noch unveröffentlichten Songs „Wings“ bereitet mir noch heute eine Gänsehaut!), sollte es eine geradezu magische Konzertnacht werden. Denn Damien Rices Vorstellung der Songs seines etwa ein Jahr zuvor im heimischen UK erschienenen Debütalbums „O“ (in Deutschland ließ sich die Plattenfirma unverschämterweise gar noch bis August 2003 Zeit) war schwer in Worte zu fassen – und ist es noch heute. Nein, dafür war einfach alles – der Abend, die Gegebenheiten, unsere Runde, natürlich Rice und seine Band, die neben Schlagzeuger und Bassisten damals freilich auch aus seinem weiblichen Vocal-Sidekick Lisa Hannigan und der Cellistin Vyvienne Long bestand, zu besonders. Und es macht mich bis heute noch ein wenig stolz, dass ausgerechnet ich es war, der unsere Runde mit dem virulenten Ohrwurmzauber der Stücke von „O“ infizierte. Zu recht sollte sich bald zeigen, dass wir nicht die einzigen waren, die Damien Rices Qualitäten erlagen. Denn „O“ – so kurz und geheimnisvoll dessen Titel auch sein möge – erzählt Geschichten, wie sie schöner und schmerzlicher, kitschiger und trauriger kaum sein könnten – wie das Leben selbst. Vom Süßen, dass – um hier mal ein Zitat aus meinem Lieblingsfilm „Vanilla Sky“ zu bemühen – ohne das Saure kaum so süß erscheinen würde. Vom Lieben. Und der Sprache des Herzens erliegt man freilich nur allzu schnell und leicht…

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„We might kiss when we are alone / When nobody’s watching / We might take it home / We might make out when nobody’s there / It’s not that we’re scared / It’s just that it’s delicate“ – ebenso schüchtern wie um Charme barmend legt Rice, Jahrgang 1973 und vormals Teil der mäßig bekannten irischen Rockband Juniper, in den ersten Sekunden des Albumopeners „Delicate“ allein an seiner Akustischen los, bevor Vyvienne Longs Cello einsetzt. Herzerweichend? Dabei kommt erst in den darauf folgenden Stücken einer der entscheidenden Faktoren, der Rices Songs so rund, so nah und so berührend macht, hinzu: die Zweitstimme von Lisa Hannigan. Denn sie ist es, die Lieder wie das um zwischenmenschliche Differenzen und Anziehungen kreisende „Volcano“ („What I am to you / You do not need / And what I am to you / Is not what you mean to me / You give me miles and miles of mountains / And I ask for the sea“), das tausendfach in Filmen und Fernsehserien verwandte Liebeslied „The Blower’s Daughter“ oder das so hinreißend pragmatisch-euphorische „Cannonball“ aus- und großartig macht, im Duett in „I Remember“ später – verdientermaßen, freilich – gar ganze Passagen allein mit ihrer wunderbaren Stimme tragen darf. Dennoch sollte man nicht den Fehler machen, Damien Rice hinsichtlich der in der Tat vorherrschenden Liebeslieder auf „O“ als allzu lieblich-plakativen Schnulzenbarden zu stilisieren. Denn mit dem bitteren Doppel aus „Cheers Darlin'“ („Cheers darlin’ / Here’s to you and your lover boy / Cheers darlin’ / I got years to wait around for you / Cheers darlin’ / I’ve got your wedding bells in my ear / Cheers darlin’ / You give me three cigarettes to smoke my tears away“) und „Cold Water“ („Cold, cold water surrounds me now / And all I’ve got is your hand / Lord, can you hear me now? / Or am I lost?“ – diese Zeilen dürften dem einen oder der anderen ebenfalls aus allerhand namenhaften Serien bekannt vorkommen), das dem zu ertrinken Drohenden im Mittelteil einen Seemannschor zur Seite stellt, beweist der irische Singer/Songwriter, dass er auch die Schattenseiten der Liebelei zu vertonen weiß. Wer’s noch immer nicht begriffen haben sollte, dem stellt Rice im darauf folgenden „I Remember“, welches trügerisch lieblich als Boy-meets-Girl-Story beginnt, eine wahre Kakophonie aus gefühlsinduzierter Lautstärke zur Seite, auf die man so nicht vorbereitet gewesen sein konnte„Come all ye reborn / Blow off my horn / I’m driving real hard / This is love, this is porn / God will forgive me / But I, I whip myself with scorn, scorn“ und weist die (ehemals) Liebste an, endlich Farbe zu bekennen: „I wanna hear what you have to say about me / Hear if you’re gonna live without me“. Dass er nach all dem Gefühlschaos – ob nun in der Großstadt, ob nun auf dem Land – den totalen Rückzug von Allem startet und in „Eskimo“ eigentlich nur noch seinen – jawohl – „Eskimo friend“ sehen möchte, ist dabei nur allzu verständlich. Und auch hier wartet Rices Debütalbum neben seiner Akustischen und den Streichern, wie an so vielen Stellen der gut 60 Minuten, wieder mit etwas Besonderem auf, denn gegen Ende lädt er die nordirische Opernsängerin Doreen Curran vors Mikro, um sie einige Zeilen auf finnisch (!) schmettern zu lassen. Dass der reguläre Abschluss des Albums (die ebenfalls grandiosen Hidden Tracks „Prague“ und „Silent Night“ mal außen vor) dann wieder einzig und allein Damien Rice und seiner Akustikgitarre gehört, passt einfach. Alles endet so, wie es begann. Doch die Stunde dazwischen verändert den Hörer, nimmt ihn mit auf eine Reise ins Innere seiner selbst. Und nur Steine kehren davon unverändert zurück…

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Obwohl der schmächtige Singer/Songwriter mit dem vier Jahre nach „O“ – also: 2006 – erschienenen Nachfolger, welcher mit „9“ ebenso mystisch betitelt wurde, erfolgsmäßig in noch ganz andere Sphären vorstoßen sollte (Nummer 1 im heimischen Irland, immerhin Platz 22 in den US-Albumcharts, erneut etliche Soundtrack- und prominente Serienplatzierungen, ein Auftritt bei den Friedensnobelpreisverleihungen), und auch qualitativ keinerlei Rückschritte machte, umgibt „O“ bereits beim ersten Hören eine zauberhafte Patina, die sich auch ganze zwölf Jahre nach dessen Erscheinen (und weißgottwieviele Durchgänge später) in keinster Weise abnutzt. Mag man es Rices Talent, emotional fesselnde Songs zu schreiben, zuschreiben. Vielleicht spielen auch all die Geschichten, die man sich um seine Person erzählt (mal heißt es, er spielte sich als trampender Straßenmusikant durch halb Europa, mal, dass er einige Zeit als Blumenverkäufer im Süden Frankreichs seine Brötchen verdiente), eine gewichtige Rolle im nahezu mystischen Beieinander der Songs des Debüts (für dessen Grenzen ein perfekt inszeniertes, unverstelltes Singer/Songwritertum Feelgood-Klone/-Clowns á la James Blunt, Jack Johnson oder Chris „Coldplay“ Martin
sicherlich nur allzu gern töten würden). Dazu passte dann wieder, dass schon der Nachfolger „9“ textlich um einiges bitterer ausfiel, der Ire sich noch während der Tournee zum zweiten Album mit der für ihn und seine Musik so wichtigen Lisa Hannigan überwarf (nichts Genaues weiß man auch hier, sie entschwand jedenfalls aus der Band und aus Rices Leben) und Damien Rice selbst, dem der eigene Erfolg sowieso schon immer am zuwidersten und suspektesten erschien, Damien-Rice 2für Jahre nahezu komplett von der Bildfläche verschwand – so lange, dass man befürchten musste, nie wieder einen (neuen) Ton von ihm zu hören zu bekommen. Dass man vor wenigen Tagen mit dem tatsächlichen Erscheinen von Album Nummer drei, „My Favourite Faded Fantasy„, bei welchem kein Geringerer als Überproduzentenlegende Rick Rubin eine gewichtige Rolle spielte, eines Besseren belehrt wurde, ist eine andere Geschichte, deren Saat vor mehr als zehn Jahren gelegt wurde. Die Zeit, sie vergeht – mal höre, man staune.  „Amie come sit on my wall / And read me the story of O / And tell it like you still believe / That the end of the century / Brings a change for you and me / Nothing unusual, nothing’s changed / Just a little older that’s all“

 

 

(Die Textfetischisten unter euch dürfen sich gern auf die Damien Rice-Fanseite eskimofriends.com berufen…)  

 

Der Vollständigkeit halber hier noch die offiziellen Musikvideos der drei Singles „Volcano“, „The Blower’s Daughter“ und „Cannonball“…

 

…sowie Damien Rices im Rahmen der „BBC Four Sessions“ gegebenes einstündiges Konzert aus dem Jahr 2004, welches einen recht passablen Eindruck der Live-Qualitäten der Songs von „O“ vermittelt:

 

Rock and Roll.

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Auf dem Radar: BANKS


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Das alte Spiel: Sieht jemand gut aus, so neigt der böse Bruder Vorurteil vorschnell dazu, dieser Person jegliches Talent abzusprechen. Frei nach dem Motto: „Noch so jemand, der mit 90-60-90 und einem Paar Rehaugen gut Kasse machen möchte.“ Es kann eben nicht jeder Franck Ribéry sein…

Aber mal ganz ehrlich: In Wirklichkeit macht doch Schönheit – so subjektiv dieser Begriff auch sein mag, gibt es doch in Zeiten der totalen Vernetzung ein mehr oder minder gängiges, globales Verständnisbild dieses hohlen Begriffs – erst das Gesamtpaket erst „so richtig rund“, oder? Und demzufolge müsste auch BANKS in Kürze heftigst durchstarten… Denn die 25-jährige Musikerin Jillian Banks aus dem sonnenverwöhnten Los Angeles bringt alles mit, um das „nächste große Ding“ zu werden: ein bildhübsches Äußeres, eine auf verruchte Weise zärtliche Stimme, massig Talent für das richtige Timing und die Kontakte zu genau den richtigen Produzenten. Und so klingen denn auch das von Totally Enormous Extinct Dinosaurs (aka. TEED) produzierte „Bedroom Walls“ oder „Waiting Game“, das der versierte Leisetreter SOHN (ebenfalls ein Name, den man für die Zukunft auf dem – digitalen – Zettel haben sollte) in eine mit schleppender Elektronik verzierte Pianoballade verwandelt, mal nach sehnsüchtiger, elfenhafter Sirene, mal nach schwerfälligem Tranzflächen-R&B á la Rihanna, oder (meist) nach melacholischem Nachtstunden-Triphop der Marke The xx. Man merkt schnell: Die junge Dame versteht es, Klang und Ästhetik zu einer Einheit zusammenzuführen, die kaum mehr auf der Höhe der Zeit sein könnte. Musik, um sich selbst zu verlieren? Selten war Atemlosigkeit schöner…

„I’m thinking it over / The way you make me feel all sexy but it’s causing me shame / I wanna lean on your shoulder / I wish I was in love but I don’t wanna cause any pain / And if I’m feeling like I’m even, we’ve got nothing to gain…“ („Waiting Game“)

„As for our house, I’ll move out / You can keep the dog we trained / Things soon will be like before I ever met you / Before I ever met you…“ („Before I Ever Met You“)

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Übrigens: Wer die ein oder andere berechtigte Lobeshymne mehr lesen mag, dem sei die detailreiche Vorstellung der Kollegen des Noisey Blogs ans Hörerherz gelegt. Die sind sich dann auch schon im Titel sicher: „BANKS wird er nächste große Pop-Star“.

 

Hier kann man sich BANKS‘ im September erschienener „London EP“ in Gänze hingeben…

 

…ebenso wie der Single „Fall Over“ (inklusive der B-Seite „Before I Ever Met You“):

 

Und wer’s audiovisuell mag, der bekommt mit den – freilich in ansprechendem Schwarz-weiß gehaltenen – Szenerien von „Fall Over“, „Waiting Me“ und „Warm Water“ schummrige Sonntagsmelancholien, die noch die komplette nächste Woche im Kopf nachhallen werden. Versprochen? Versprochen.

 

 

Rock and Roll.

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