Am 30. April 2021 erschien „Das ist alles von der Kunstfreiheit gedeckt“ von Danger Dan als erste Veröffentlichung des neu gegründeten Labels seiner Antilopen Gang noch in recht zurückhaltender in Kleinstauflage. Zwei Jahre später können er und alle Beteiligten gar nicht mehr sagen, wie oft sie vor allem die Vinylauflage des Albums inzwischen nachgepresst haben. „Das ist alles von der Kunstfreiheit gedeckt“ enterte Platz eins der deutschen Album-Charts, gewann drei „Preise für Popkultur“, einen „Deutschen Kleinkunstpreis“ und unzählige neue Fans. Danger Dan hat die Songs seines zweiten Solo-Langspielers – allen voran das durchaus skandalträchtige Titelstück – ebenso vor tausenden von Leuten in einigen der ehrwürdigsten klassischen Konzertsäle der Republik aufgeführt wie auf dem größten Punk-Festival Deutschlands, gemeinsam mit Igor Levit im „ZDF Magazin Royale“ von Jan Böhmermann und bei unzähligen anderen Gelegenheiten.
Nach dutzenden bis unzähligen umjubelten Konzerten, von den ganzen kleinen Clubs bis hoch in die prunkvollsten Säle und Paläste der Republik, ist es da nur folgerichtig, dass am 2. Juni 2023 „Das ist alles von der Kunstfreiheit gedeckt“ als 16 Songs umfassendes, Anfang November 2022 im Berliner Admiralspalast aufgenommenes Live-Album erscheint. Neben einem großen Teil der Songs des Klavieralbums enthält es auch einige ältere Danger Dan-Songs, die hier erstmals in neu arrangierten Versionen mit Klavier und Streichern wiederveröffentlicht werden.
Eines der Stücke, „Ingloria Victoria“, nach „Ölsardinenindustrie“ der zweite Vorgeschmack aufs kommende Live-Album, richtet sich auch auf ehrwürdigen hauptstädtischen Bühnenbrettern mit gewohnt bissigen Worten gegen das Gymnasium in Daniel Pongratz‘ (so Danger Dans bürgerlicher Name) Geburtsstadt Aachen und ist gleichzeitig als grundsätzliche Kritik am deutschen Schulsystem zu verstehen. Am Schluss des Songs zeigen seine beiden Mittelfinger unverhohlen, was er von seiner Schulzeit und jenem Aachener Victoria-Gymnasium hält.
„’Ingloria Victoria‘ ist eine zu Klaviermusik gewordene Abrechnung mit der Aachener Schule, von der der zum Chansonnier mutierte Rapper aus dem Hause Antilopen Gang vor über 20 Jahren geflogen ist“, heißt es in der Pressemitteilung. Und weiter: „Damals war für seine Lehrerinnen und Lehrer noch nicht abzusehen, welchen Weg dieser Störenfried einmal einschlagen und dass seine Musik eines Tages wie ein böser Fluch zurück auf den Schulhof und sogar in das Lehrerzimmer finden würde“.
Und der Erfolg, welchen ihm zu seiner Schulzeit wohl nur wenige Lehrer zugetraut hätten, gibt dem Musiker mittlerweile recht, denn ebendieser „Störenfried“ spielt sowohl am Tag seines Live-Album-Releases als auch am Tag darauf in der nicht eben kleinen Berliner Parkbühne Wuhlheide. Ein amtliches Statement, das jedoch auch einen guten Grund hat: Danger-Dan-Pongratz‘ 40. Geburtstag am 1. Juni. Dazu passt auch das Motto: „40 Jahre Danger Dan: Das schönste (und längste) Fest meines Lebens mit all meinen Freundinnen und Freunden“ -liest sich, als wäre auch mit einer Menge Gästen zu rechnen. Das Live-Album kann bereits in verschiedenen Ausführungen vorbestellt werden und auch für die erste der beiden Berlin-Shows gibt es noch Tickets.
Nicholas Müller hat viel durchgemacht. Etwa, als er sich nach Jahren des inneren Kampfes mit sich und seinem Umfeld endlich seinen Ängsten stellte. Als er im Jahr 2013 dabei auch seine Band, seine Jugendfreunde, sein Ein und Alles – sprich: Jupiter Jones – hinter sich lassen musste. Um zu sich (wieder) zu finden, gesund zu werden und wieder ein halbwegs „normales“ Leben zu führen. Über diese Erfahrungen hat Müller ein Buch geschrieben, welches es gar in die „Spiegel Bestseller“-Liste schaffte, Lesungen und Vorträge zur Aufklärung gegeben, seinen ebenso lobenswerten wie wichtigen Teil zur öffentlichen Debatte über psychische Erkrankungen beigetragen. Und immer mal wieder auch Songs geschrieben, denn selbst der olle Affe Angststörung konnte dem mittlerweile 42-jährigen Kreativkopf diese Leidenschaft zum Glück nicht gänzlich austreiben. Nach einer erfolgreichen Therapie tat sich Müller 2015 mit Tobias Schmitz zum Band-Projekt Von Brücken zusammen, das noch im gleichen Jahr sein gar nicht mal übles Debütalbum „Weit weg von fertig“ veröffentlichte. Und seine alten Weggefährten? Die standen nach mehr als zehn gemeinsamen Jahren plötzlich ohne Sänger da, berappelten sich jedoch und veröffentlichten 2016 mit Sven „Svaen“ Lauer, dem neuen Mann am Mikro, ihr sechstes Album „Brüllende Fahnen„. Doch irgendetwas passte nicht, an so einigen Ecken und Enden hakte es. Also zog die Band aus der Eifel anno 2018 die Reißleine und gab ihre Auflösung bekannt. Und nun? Sind Jupiter Jones zurück. Nicht plötzlich und auch – auf vielerlei Weise – nicht im alten Konstrukt, aber immerhin. Nach einigen Jahren der (durchaus verständlichen) Funkstille haben Nicholas Müller und Gitarrist und Hauptsongschreiber Sascha Eigner seit 2019 peu á peu wieder zusammengefunden und die beiderseits geliebte Band als Duo wiederbelebt. Das ist auch abseits des neusten Liedgutoutputs uneingeschränkt schön, denn nicht nur all den treuen Jupiter-Jones-Fans, die die Band schon seit 2002 begleiten, hätte so vieles gefehlt. Auch der deutschen Radio-Pop-Landschaft, welcher Jupiter Jones mit „Still“ einen ihrer fraglos besten Moment der 2010er-Dekade schenkten.
Foto: Promo / Vivien Hussa
Ob das ohne Corona überhaupt möglich gewesen wäre? Ach, alles hypothetischer Konjunktiv! Fest steht: Während der Stille in der Pandemie, als viele sich erstmals seit Jahren mit sich selbst beschäftigten, sich – halb zwangsläufig, halb dankbar – zurückzogen, fanden Müller und Eigner musikalisch wieder zusammen, begruben alte Zwiste und merkten, dass beide eben vor allem im Doppel richtig gut funktionieren. Und die Band Jupiter Jones, zwischenzeitlich genauso aufs kreative Abstellgleis geraten wie Müllers Projekt Von Brücken, ward wiedergeboren. All die gemeinsamen Jahre, die Erfahrungen spülten die immer bestehende Symbiose der beiden schnell wieder an die Oberfläche. Und nach und nach entstand ohne Eile daraus Kreatives, etwa die bereits Anfang 2021 veröffentlichte, verflixt ohrwurmeingängige Comeback-Single „Überall waren Schatten„, welche intime Eindrücke aus der schweren Zeit einer Band am Scheideweg zwischen Punk-Rock-Vergangenheit, Chart-Hit-Erwartungen der Plattenfirma sowie inneren Kämpfen teilt und dabei auch den Status Quo der Welt da draußen nicht außer Acht lässt: „Gegen den Verstand verschwören / Auf Julian Reichelt hören / Mit Faschos den Frieden stör’n / Das hattet ihr alles schon, hattet echt alles schon“. Darf’s da noch mehr sein? Nach einigen weiteren Appetithappensongs meldet sich die zum Zweiergespann gesundgeschrumpfte Band mit ihrem nunmehr siebenten Studioalbum „Die Sonne ist ein Zwergstern“ zurück, das die beiden via Crowdfunding verwirklichten, damit sie selbstbestimmt arbeiten und alles so produzieren konnten, wie sie es wollten. Und bei selbigem verwundert zunächst einmal der ungewöhnliche Erscheinungstermin: am vorletzten Tag des alten Jahres.
Fragen nach dem Warum, also ob man das Alleinstellungsmerkmal dieses „Geburtstermins“ wählte oder ob möglichst wenige Menschen im Vakuum namens „Zwischen den Jahren“ davon mitbekommen sollten, sind – zumindest beinahe – obsolet, schließlich weiß auch das neue Langspielwerk, bei dem alle, die das Duo nach ihrem Comeback verfolgt haben, bereits gut die Hälfte der neuen Songs kennen dürften, mit so einigen nötigen intensiven Drückern auf die Magengrube überzeugen: Das Geschehene verarbeiten, sich verzeihen, mit manchem abschließen – Realismus trifft auf Euphorie. „Ich hab‘ Arme gebrochen / Die einfach niemals jemanden halten … Ich hatte all die Zeit das ‚Wie?‘ und das ‚Warum?‘ verloren / Und die größte Frage in meinen Ohren / ‚Krieg ich’s hin, mich an mir selber zu messen?'“ – Das geht auch beim zweiten Stück „Melatonin“ lyrisch nicht nur ans Eingemachte, sondern war, ist und bleibt, ebenso wie Nicholas Müllers so unverwechselbar sanfte wie reibeisenraue Stimme, in einer ziemlich hohen bundesdeutschen Liga.
Foto: Promo / The Zitterman
Apropos bekannt: Auch das intime, gefühlsgeladene „Atmen“ darf sich bereits seit Monaten in die Ohren schmiegen – und offenbart, ebenso wie etwa „Der Nagel„, erneut Müllers Fähigkeit, wunderbar gefühlige Musik zu schreiben, die nicht allzu kitschig, sondern nahbar und gleichzeitig intelligent daherkommt. Ähnliches gilt für „Der wichtigste Finger einer Faust„, das an zahmere Kettcar erinnert und kindliches Empfinden und Erleben mit starren gesellschaftlichen Normen, daraus resultierenden Pflichten sowie der rebellischen Antwort darauf zwinkernd versöhnt: „Hier ist dein Kopf, da sind all die Gеdanken drin / Und da dein Herz, da woll’n all diе Gedanken hin / Und von da woll’n sie dann wirklich allzu gern in dein Bauch / Und deinen Schlaf und deine Nerven wollen sie auch / Hier ist dein Mund, da liegt die ganze Wahrheit drin / Und da dein Ohr, da will die ganze Wahrheit hin / Und wenn irgendwer kommt / Und meint, dass Du das alles nicht mehr brauchst / Ist hier der wichtigste Finger einer Faust“. Auch „Mein Viel und dein Vielleicht“ geht recht nah und stellt unangenehme Fragen, verarbeitet aber vorbildlich erwachsen. Muss ja. Und entlockt hintenraus zu zart hereinschleichenden Bläsern sogar ein Grinsen. Auch toll: „Bleibt zusammen„, ein gleichsam wütendes wie melodisches Stück, bei dem sich Nicholas Müller einmal mehr als gewiefter Texter erweist und das vom emotionalen Druck, den man sich macht, wenn man aus reinem Pflichtgefühl in einer im Grunde längst zerbrochenen Beziehung bleibt, erzählt: „Zum Gehen fehlt der Mut / Zum Bleiben fehlt die Lust / Mein Haus, mein Boot, mein Auto / Mein Nervenzusammenbruch / Wenn’s das war, was ich wollte / Dann hätt ich’s gern gewusst / Mein Haus, mein Boot, mein Auto / Mein Realitätsverlust“.
Alles schickschicktoll also? Nicht ganz, denn mit Stücken wie „Wenn’s nicht weh tut„, „Vielleicht“ oder „Oh, Philia!„, die etwas zu sehr mit Keyboards und Drumbeat verspachtelt sind, rücken die „neuen“ Jupiter Jones in Sachen Arrangements dann leider etwas nah ran an das völlig zurecht als seelenloser Formatradio-Einheitsbrei wahrgenommene Menschen-Leben-Tanzen-Welt-Genre. Ja, machen wir uns nix vor: Nicht wenigen alten Wegbegleitern, zu denen sich glücklicherweise auch der Schreiber dieser Zeilen zählen darf, fällt hier die Jupiter-Jones’sche Vergangenheit mit all ihren wilderen Punk-Rock-Momenten auf die Füße. Wer sich davon mehr freimachen kann (oder gar recht frisch auf das Duo stößt), der wird auf „Die Sonne ist ein Zwergstern“ zweifelsohne einige feine Songs und kleine Gänsehaut-Momente für sich entdecken können. Und am Ende freuen sich beide Gruppen über die durchaus vorhandenen Glanzlichter dieser Platte, über Geschichten vom Fallen und Aufstehen, wie auch der stille Abschluss „So hat noch jedes Ende angefangen“ eine(s) ist: „Manchmal halt‘ ich Abstand, nur um die nicht zu erschrecken / Die mich überhaupt nicht kennen und die gibt’s an allen Ecken / Zum Glück ist’s so, wer wär‘ ich denn / Wenn alle wüssten, wer ich bin? / Der Gläserne, der Angstgetriebne / Der Wegrenner, der Hiergebliebne / Und manchmal, wenn ich Glück hab‘, in den seltensten Momenten / Greif‘ ich nach dem letzten Strohhalm aus den allerschönsten Händen / Und hier steh‘ ich nun, wer wär ich denn / Wenn ich nicht wüsste, wer ich bin? / Der Überhaupt-nicht-Angstgetriebne / Ich wünscht‘, du wärst noch hier geblieben“. Oder eben schlicht darüber, dass die Herren Müller und Eigner (mit denen coolibri.de hier unlängst ein ausführliches Interview führte), dass Jupiter Jones wieder da sind. Im indiepoppenden Klangoutfit, mit dem Punk im Geiste. Die bittersüße Vergangenheit im Nacken und die Zukunft im Blick, bleibt an dieser Stelle noch ein alter, jedoch weiser Rat, den uns einst eine gewisse Eifelaner Punkband spendierte: „Gerad‘ deswegen / Auf das Leben!“
„High Fidelity“ lässt lieb grüßen, denn der Pop ist bekanntlich seit jeher besessen von Listen. Ob Verkaufscharts, Streamingzahlen oder höchst subjektive Kritiker*innen-Rankings – ständig weder Plattenregale uns -sammlungen, wird die Veröffentlichungsflut in Listenform gebracht, wird Altes in Listenform neu gewichtet. Zum Jahresende ist es besonders heftig, denn natürlich dürfen, sollen, müssen überall die besten Alben und Songs der vergangenen zwölf Monate gekürt werden.
Vor dem Blick auf die Deutschen Charts scheue (nicht nur) ich auch sonst schon zurück, da sich dieses Land seit jeher durch (s)einen notorisch schlechten Geschmack auszeichnet und Fremdscham-Alarm jedes Mal aufs Neue garantiert ist. Und leider bilden die erfolgreichsten Titel des Jahres 2022 da – Bestätigung, hier kommt sie – keine Ausnahme: Das nervtötend ohrwurmige Vollpfosten-Lied „Layla“ von DJ Robin & Schürze belegt den ersten Platz der Single-Charts – neun Wochen hielt sich der dumpftumbe Ballermann-Hit, der ein Skandälchen auslöste, jedoch besser keinerlei Erwähnung verdient gehabt hätte, an der Chartspitze, mehr als 143 Millionen Mal wurde er gestreamt. Bei den Alben dann ebenfalls keine Überraschung: Mit „Zeit“ führen die Teutonen-Böller-und-Ballermänner von Rammstein erwartungsgemäß die Liste an – und zwar mit deutlichem Abstand. 340.000 Mal hat sich das elfte Nummer-Eins-Album der Berliner Band um das personifizierte rrrrrrrrollende „R“, Till Lindemann, insgesamt verkauft. Wie erwartbar, wie öde. Und irgendwie ja auch ein Spiegelbild der aktuellen Gesellschaft…
In den zurückliegenden Monaten durfte man ein ums andere Mal kopfschüttelnd seinen Glauben an die Menschheit verlieren: Kriege, Krisen, Klimawandel und damit einhergehende Umweltkatastrophen, Inflation, dazu die – hoffentlich – letzten Ausläufer einer weltweiten Pandemie, gesellschaftliche Spaltungen, politischer Stillstand (oder gar der ein oder andere Rechtsruck) wohin man schaute. Gesellschaftliche Unruhen im Iran, weil irgendwelche gottverdammten Männer unter religiösen Deckmänteln an ihrem formvollendet sinnfreien Regelwerk der Unterdrückung von Frauen und Andersdenkenden festhalten wollen? Eine aus so vielen, so falschen Gründen aus dem heißen Wüstenboden hochgezogene und mit unvorstellbar viel Blutgeld durchgeführte Winter-Fußball-WM in Katar? Ja, auch 2022 fanden Tagesschau und Co. meist statt, wenn der Sprecher (oder die Sprecherin) einem einen „Guten Abend“ wünschte und darauf mit vielerlei Schlagzeilen bewies, dass es eben kein guter war. Dass die Musikwelt in diesem Jahr Größen wie Mark Lanegan, Taylor Hawkins (Foo Fighters), Meat Loaf, Jerry Lee Lewis, Andy Fletcher (Depesche Mode), Christine McVie (Fleetwood Mac), Loretta Lynn, Betty Davis oder Mimi Parker (Low) verlor, macht das Ganze keineswegs besser. Dass 2022 Konzerte und Festivals endlich wieder in halbwegs „normalem“ Rahmen stattfinden konnten, jedoch schon – wenngleich es der Live-Branche jedoch alles andere als gut geht und vor allem kleinere, unbekanntere Künstler*innen und Bands sich in der Post-Corona-Zeit mit immer neuen Schwierigkeiten konfrontiert sehen (wen es interessiert, dem sei ein recht ausführlicher Artikel mit dem Titel „Kuh auf dem Eis“ hierüber in der aktuellen Ausgabe der „VISIONS“ – Nummer 358 von 01/2023 – ans Herz gelegt). Ja, das noch aktuelle Jahr war rückblickend sowohl gesellschaftlich als auch fürs menschliche wie planetare Zeugnis kein tolles – musikalisch darf zum Glück das komplette Gegenteil behauptet werden.
Wie also sieht und wertet die schreiberische Zunft als Albumjahr 2022? Nun, beim deutschen „Rolling Stone“ landen Tom Liwas „Eine andere Zeit“, „And In The Darkness, Hearts Aglow“ von Weyes Blood sowie „Ytilaer“ von Bill Callahan auf dem Treppchen, beim erfahrungsgemäß hype- und pop-affinen „Musikexpress“ sieht man Kendrick Lamars „Mr. Morale & The Big Steppers“, „DIE NERVEN“ von Die Nerven und „Motomami“ von Rosalía vorn, bei der „VISIONS“ wiederum „DIE NERVEN“ von Die Nerven, „Eyes Of Oblivion“ von den Hellacopters sowie „Wet Leg“ von Wet Leg. International führt „Renaissance“, das siebente Studioalbum von Beyoncé, das Kritiker-Ranking an. Und bei ANEWFRIEND? Ich greife mal vorweg und verrate, dass es zwar ein kleinwenig Konsens, jedoch recht wenig Überschneidungen mit alledem bei mir gibt und meine persönliche Bestenliste der Qualität wegen auf eine amtliche Top 25 erweitert wurde…
Foto: Promo / Michael Delaney
Dass die vergangenen Monate die notwendige Untermalung fanden, lag auch an „Quitters„, dem vierten Langspieler von Christian Lee Hutson. Was mich rückblickend etwas erstaunt, ist, dass der im April erschienene Nachfolger zum 2020er „Beginners“ zwar seinerzeit von den einschlägigen kritischen Stimmen wohlwollend goutiert, in den jeweiligen Jahresendabrechnungen jedoch kaum berücksichtigt wurde. An den durch und durch großartigen 13 Songs des Albums kann’s kaum gelegen haben, denn näher an das Schaffen eines Elliott Smith ist lange, lange Zeit niemand herangekommen – und das ist vor allem aus meiner digitalen Feder als recht großes Kompliment zu verstehen. Zudem mischen einmal mehr keine Geringeren als Phoebe Bridgers und Conor Oberst mit. Heraus kommt eine Dreiviertelstunde musikalischer Zerstreuung und Realitätsflucht, die auch bei der Vielzahl an Konkurrenz im Jahr 2022 völlig zurecht auf meiner Eins landet. A singular ode to melancholy.
Nullmillimeter sind eine von so einigen tollen musikalischen Neuentdeckungen des zurückliegenden Musikjahres. Und knallen dem geneigten Hörer (oder eben der geneigten Hörerin) mit „Wer die Wahrheit sagt, der braucht ein schnelles Pferd“ mal eben ein derart faszinierendes Debüt vor die Lauscher, dass man sich im Wirbel kaum entscheiden mag, was hier toller ist. Das großartige Coverartwork mit dem auf einem Poller festgerittenen Pony? Der Albumtitel, in welchem wortwörtlich ebensoviel Wahrheit steckt wie in all den klugen Textzeilen? Die Stimme von Sängerin Naëma Faika, die der bundesdeutschen Musiklandschaft – tatsächlich, tatsächlich – gerade noch gefehlt hat? Die bockstarke Band hinter ihr, die manch eine(r) in der Vergangenheit bereits als Teile der Begleitbands von Kid Kopphausen, Staring Girl, Jochen Distelmeyer, Tom Liwa, Olli Schulz oder Gisbert zu Knyphausen zu hören bekam? Dass letztgenannter hier bei einer Coverversion eines Songs aus dem Solo-Schaffen von Pearl Jam-Frontstimme Eddie Vedder mitmischt? Dass sich diese Nummer dann noch ganz organisch in den Albumfluss einfügt und man sich immer wieder kopfüber in die Platte schmeißen möchte, die so voller Schmerz, so voll herrlicher Melancholie, aber vor allem so voller Leben steckt? Ach, herrje – man weiß es nicht. Man will’s auch gar nicht wissen, denn im Zweifel aller Zweifel ist’s all das. Doppelt. Dreifach. Gleichzeitig. Und es ist einfach so toll, dass man lediglich kritisieren mag, dass dem Album kein Booklet beiliegt.
Es gibt Bands, Alben und Songs, die einen vom ersten Moment an mit ihrer Atmosphäre und ihrer wunderbaren Unmittelbarkeit einfangen und so schnell auch nicht mehr loslassen. Pianos Become The Teeth wurden für mich anno 2014 mit ihrem dritten Langspieler „Keep You“ zu einer solchen Band (und schafften es damals auch völlig zurecht aufs Treppchen der „Alben des Jahres„). Ihr vorheriges Post-Hardcore-Brülloutfit war (und ist) mir im Gros herzlich schnuppe, aber mit ihrem einschneidenden Wechsel hin zu melancholischem Emo-Indie und mit den ersten Tönen des „Keep You“-Openers „Ripple Water Shine“ war ich unwillkürlich schockverliebt. Nach dem auf hohem Niveau stagnierenden 2018er Album „Wait For Love“ besitzt „Drift“ nun wieder diesen „Ripple Water Shine“-Effekt, denn das Album ist schlichtweg schonungslos emotional – in Ton und Wort. Dicht gewebte, hallende Rhythmen, melancholische Melodien und wenige, gut dosierte laute Momente. Dazu singt Kyle Durfey seine persönlichen Texte, die vom Leben und oft von dessen Schwere handeln. In „Pair“ etwa davon, wie Durfeys Frau Lou (die in vier Stücken namentlich genannt wird) und er lange auf ihren Nachwuchs warten mussten. Wie es sich für richtig gute Alben gehört, wechselt die Lieblingssongs von Zeit zu Zeit, neben der Übernummer „Genevieve“ sticht etwa das repetitive, an Radiohead erinnerte „Easy“ hervor. So oder so liefert die Band aus Baltimore, Maryland einmal mehr zehn wundervolle Tearjerker, zu denen es sich vortrefflich die Fäuste gen Firmament ballen lässt.
Apropos „liefern“, apropos „Fäuste gen Firmament“: Beides trifft natürlich auch auf Frank Turner zu, denn der britische Punkrock-Barde scheint Schlaf so nötig zu haben wie ein Uhu eine Badekappe. Nicht nur hat der 41-jährige Musiker bereits über 2.700 Shows unter eigenem Namen gespielt (etwa 140 allein in diesem Jahr, zudem fand mit den „Lost Evenings“ gar ein eigenes Festival in Berlin statt), er trägt das Herz auch am richtigen Fleck und liefert im Zwei- bis Drei-Jahres-Turnus auch verlässlich Alben ab, zu deren Songs man nur allzu gern die geballte Patschehand gen Himmel strecken und ein bierseliges „Aye, mate!“ ausstoßen möchte. Daran ändern die 14 Nummern (beziehungsweise 20 in der Deluxe Edition) von „FTHC„, seinem nunmehr neunten Studioalbum, mal so rein gar nix. Und so vielseitig, so frisch klang der nimmermüde Turner schon lange nicht mehr. Frank und frei – Sie wissen schon… Und wem bei „A Wave Across A Bay“, seinem Tribute an den zu früh verstorbenen Frightened Rabbit-Buddy Scott Hutchison, nicht das Herz holterdipolter gen Schlüppi rutscht, der hat statt pochendem Muskel nur einen ollen Betonklotz in der Brust sitzen…
Nerds wissen es freilich längst: Die meisten Fachsimpeleien über Musik stützen sich manches Mal schon sehr auf eine Art von Genre-Taxonomie, bei welcher sowohl Kritiker als auch Fans Songs und Alben in verschiedene Bestandteile zerlegen und die Anatomie der verwendeten Formen in erkennbare Strukturen unterteilen. Doch was für die einen nützlich erscheinen mag, um dem lesenden Gegenüber Empfehlungen zu geben, dürfte all jene, die sich eben nicht knietief im musikalen Nerdtum bewegen, schnell abschrecken. Ein recht gutes Beispiel, dass man bei Empfehlungen lange wie kurze Wege gehen kann, ist „Ellapsis“, das zweite Album von Dreamtigers, einem Bandprojekt, das sich aus Mitgliedern der Melodic-Hardcore-Helden Defeater und den Post-Rock-Größen Caspian zusammensetzt. Denn auf dem Langspieler, dessen Titel ein erfundener Begriff für eine Krankheit, die durch den Lauf der Zeit hervorgerufen wird, ist, passiert eine ganze Menge, und vieles davon scheint unvereinbar zu sein. Das erste, das Unmittelbarste, was man wahrnimmt, ist die beständig zwischen fragilem und mächtigem Momentum pendelnde Instrumentierung. Die Gitarren werden durch eine ganze Reihe von Effektpedalen gejagt, dazu kommen ein unscharf ins Rund tönender Bass und souveräne Drums. Einen Moment lang könnte man meinen, es handele sich um ein eher konventionelles Post-Rock-Album – bis der Jake Woodruffs Gesang einsetzt, der auch in einer Alt-Country-Band nicht fehl am Platz wäre. Überhaupt lassen sich die Stücke stilistisch nur schwerlich festlegen, denn während des gesamten Albums schimmern verschiedene Nuancen durch, die wie Lichtstrahlen durch einen Kristall fallen: Folk-Songs brechen in Post-Rock-Höhepunkte aus, Indie-Rock-Hooks huschen durch Shoegaze-Atmosphären, wobei Gesang und Songwriting stets unbehelligt von dem akustischen Wirbelsturm aus Effektpedalen und treibenden Schlagzeugmustern um sie herum bleiben. Fast könnte man meinen, dass die Songs so sehr auf akustische Soloauftritte zugeschnitten zu sein scheinen, dass die üppigen, hymnisch empor steigenden Arrangements, welche mit ihrer Dringlichkeit und latent aggressiven Energie ein ums andere Mal an Defekter erinnern, fast trotzig klingen. Dennoch kommt man der Sogwirkung dieses Albums als Ganzes (ganz ähnlich wie bereits beim kaum weniger tollen 2014er Vorgänger „Wishing Well„) nicht wirklich nahe. Denn wie auch immer man das Zusammenspiel zwischen Instrumentalem und Gesang beschreiben mag, was bei dieser Platte wirklich heraussticht, sind all die Meditationen über das Verfliegen der Zeit und wie die Band aus Massachusetts hier selbst die flüchtigsten Momente ewig erscheinen lässt. Selbst die längeren Songs von „Ellapsis“ fühlen so kurz an wie die kürzeren, während die kurzen den längsten ebenbürtig erscheinen, und das Album als Ganzes hallt weit über seine lediglich dreißig Minuten Laufzeit hinaus. Angefangen beim Opener „Six Rivers“ umspülen einen die Stücke wie ans Ufer schlagende Wellen, die mit den Gezeiten verebben und fließen. Wenn der Albumabschluss „Stolen Moments“ schließlich sein Ende findet, fühlt es sich beinahe so an, als ob der Schlusschor schon ewig hinter dem Universum her gesummt wäre.
Pale melden sich ein allerletztes Mal zurück – einerseits ja wunderbar, wären die Gründe für das unerwartete Comeback keine so traurigen. Umso schöner, dass die Aachener Indie-Rock-Band mit „The Night, The Dawn And What Remains“ umso trotziger sowohl ihre Freundschaft und den gemeinsamen Weg als auch das Leben feiert. Macht’s gut, Jungs – und danke für diese wundervolle Ehrenrunde! #träneimknopfloch
Und wo wir gerade bei Comebacks wären, sind Muff Potter in diesem Jahr freilich nicht allzu weit, denn: Alle kommen sie wieder, irgendwann und irgendwie. Das traf 2022 selbst auf ABBA zu, die 2021 mit „Voyage“ zunächst die ersten neuen Songs seit fast vierzig Jahren präsentierten, um im Jahr darauf ausverkaufte Hologramm-Konzerte in London zu „spielen“- getreu dem schwedischen Erfolgsmotto „Entdecke die Möglichkeiten“. Und auch in der Rockmusik konnte man zuletzt vermehrt das Gefühl bekommen, selbige bestehe nur noch aus Reunions einst erfolgreicher Bands, die in Ermangelung neuer Ideen versuchen, mit den alten noch einmal abzukassieren. Dann wiederum gibt es Truppen wie eben Muff Potter, denen es mit ihrem Albumcomeback nach schlappen 13 Jahren Pause gelingt, selbst eingefleischte Per-se-Skeptiker umzudrehen, weil man „Bei aller Liebe“ bei allem frischen Ideenreichtum die Zeit anhört, die seit dem Abschied mit „Gute Aussicht“ vergangen ist. Die Platte zeugt davon, dass das Leben eben auch ohne gemeinsame Band weitergeht, und es töricht wäre, all die Erfahrungen beiseite zu lassen, die man in der Zwischenzeit zwangsläufig macht. Und deshalb steht hier Blumfeld-artiges wie „Ein gestohlener Tag“ neben Instant-Hits wie „Flitter & Tand“ oder einem 72 Sekunden kurzen Punkausbruch wie „Privat“. Verschränken sich in Thorsten „Nagel“ Nagelschmidts Texten seine schriftstellerische Arbeit (sic!) mit dem Punk-Fan, den es auch mal einfach braucht. Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass man Muff Potter – bei aller Liebe – keineswegs zugetraut hätte, noch einmal so viel zu sagen zu haben und sich musikalisch so offen zu zeigen – mit Kurzweil wie mit Tiefgang. Andererseits ist’s natürlich umso schöner, wenn die eigenen Erwartungen übertroffen werden und man eine lange Zeit auf kreativem Eis liegende Herzensband neu für sich entdeckt.
Dass Chan „Cat Power“ Marshall für ihre Coverversionen bekannt ist, dürfte sich mittlerweile auch bis zu den allerletzten Hütern des guten Musikgeschmacks herumgesprochen haben, immerhin hat die 50-jährige US-Musikerin im Laufe ihrer annähernd dreißigjährigen Kariere bislang zwei verdammt formidable Coversong-Alben veröffentlicht, auf denen sie von unbekannteren Bob Dylan-Nummern über Blues’n’Soul-Stücken bis hin zu abgeschmackten Evergreens wie „(I Can’t Getroffen No) Satisfaction“ jedem Song derart ihren ganz eigenen, unverwechselbaren Stempel aufdrücken konnte, dass es eine wahre Schau war. Nach „The Covers Record“ (2000) und „Jukebox“ (2008) macht Cat Power nun mit „Covers“ das Trio voll und liefert erneut formvollendet-exquisites Coverhandwerk – ganz egal, ob die Originale von von Nick Cave and the Bad Seeds („I Had A Dream, Joe“), Lana Del Rey („White Mustang“), den Replacements („Here Comes A Regular“) oder Billie Holiday („I’ll Be Seeing You“) stammen. Ja, die Frau kann mit ihrer so wunderbar rauen, so unendlich tiefen Stimme kaum etwas falsch und sich so ziemlich jede Fremdkomposition zueigen machen.
Wie bereits in der dazugehörigen Rezension erwähnt, bin ich bei Tristan Bruschs dritten Album „Am Rest“ etwas late to the party, immerhin erschien die Platte bereits im Oktober 2021. Dennoch verpassen alle jene, die diese Musik gewordene Trübsalsfeierlichkeit ganz außen vor lassen, so einiges bei diesen Oden an das Ende der Dinge und an die Akzeptanz des Verlusts. Ja, im Grunde könnte es kaum bessere Stücke geben, um jenen so intensiv graumeliert schimmernden Tagen einen passenden Soundtrack zu liefern. Sucht wer die passenden Gegenstücke zu Max Raabes „Wer hat hier schlechte Laune“ (welches, wenn ihr mich fragt, übrigens als weltbeste Warteschleifenmusik für alle Kundendiesnthotlines taugen würde)? Nun, hier habt ihr sie – dargeboten von einem begnadeten Liedermacher, der alle nach billigem Tetrapack-Weißwein und zu vielen Marlboro-Kippen müffelnden, mieslaunigen Chansoniers ins piefige Bundesdeutsche überträgt.
Freilich war die Vielzahl an Erwartungen, die an den Debüt-Langspieler von Manuel „Betterov“ Bittorf geknüpft waren, ebenso groß wie die Vorfreude auf neue Songs des gebürtigen Thüringers und Wahl-Berliners. Umso schöner, dass „Olympia“ diese Hürde beinahe mühelos nimmt und elf Songs präsentiert, denen man den Produzenten ebenso anhört wie die Platten, die beim Schreiben wohlmöglich im Hintergrund liefen. So mausert sich Betterov vom Newcomer-Geheimtipp zum amtlichen Senkrechtstarter, der völlig zurecht einen Platz in meinen persönlichen-Jahres-Top-Ten einfährt. Olympia-Norm? Vollends erfüllt.
-erschienen bei Grand Hotel van Cleef/The Orchard/Indigo-
Eine halbwegs passende Klammer für ein paar Zeilen über Musik zu finden, stellt für so ziemlich jeden mittelbegabten Schreiber oft genug eine verdammte Krux dar. Bei einem Album wie diesem jedoch fällt der Aufhänger leicht – und zugleich wiegt er schwer, bleischwer. Denn „The Night, The Dawn And What Remains“ markiert mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit den endgültigen Abschied von Pale. Klar, neue Songs, dazu unverhoffte, weil ausgegrabene und neu arrangierte Stücke aus der absoluten Frühphase der Aachener Herzensindierockband dürften unter „normalen“ Umständen eigentlich ausreichend Gründe zum inneren Sackhüpfen bedeuten. Doch wie sang bereits John Lennon in „Beautiful Boy (Darling Boy)“ einst so trefflich: “ Life is what happens to you / While you’re busy making other plans.“ Wie es meistens so ist, wenn das Leben und seine unvorhersehbaren Wellen nach oben, unten und kopfüber mit einem eine wilde Achterbahnfahrt unternehmen: Es liegt in einem dunklen Schicksalsschlag begründet, dass Pale sich noch einmal musikalisch wiederfanden. Sogar einem doppelten.
Denn längst war Schluss, eigentlich schon im Jahr 2009. Im Spätsommer 2012, nach sechs Alben und immerhin zwanzig gemeinsamen Jahren, schmiss die Band eine letzte große, Konzert gewordene Abschiedsparty auf der heimischen Burg Wilhelmstein – mit einer Coverversion des Oasis-Gassenhauers „Don’t Look Back In Anger“ als finaler Zugabe (bei der auch die Kilians und ein gewisser Thees Uhlmann mit auf der Bühne standen). Schöner und emotionaler (ein Konzertbesucher gibt wenig später zu Protokoll, dass er „alte Männer weinen gesehen“ habe) – und irgendwie auch passender – konnte es definitiv nicht mehr werden, daher gingen alle Bandmitglieder fortan ihrer Wege. Bis das olle Leben sich einige Jahre später von seiner besonders arschlochigen Seite zeigt: Im November 2019 erhalten sowohl Gitarrist Christian Dang-anh als auch Schlagzeuger Stephan Kochs von ihren Ärzten Diagnosen, die keinen Spielraum bieten. Es ist sehr ernst. Über den Schock der Vergänglichkeit findet das Quartett tolle Erinnerungen und damit die gemeinsame Liebe zur Musik wieder. Bassist Philipp Breuer, eigentlich 1996 bereits ausgestiegen, schleppt das allererste Demo aus den frühen Neunzigern an und schlägt vor: „Da könnte man doch nochmal ran!“ – es soll der erste Funke sein, das Leben als Band ein letztes gottverdammtes Mal zu feiern. Schlagzeuger Stephan Kochs muss jedoch umgehend passen, sein Kampf ums Überleben lässt die Pläne nicht zu. Und Christian Dang-anh ist an den letzten Songs zwar noch beteiligt (und auch auf dem neuen Album zu hören), erliegt jedoch im Mai 2021 dem Krebs.
Uff. Einmal tief schlucken und die Gänsehaut Gänsehaut sein lassen. Denn es gibt auch etwas Schönes: die Musik. Denn trotz und wegen alledem erscheint nun „The Night, The Dawn And What Remains“ (passenderweise, ebenso wie das bislang letzte, 2006 veröffentlichte „Brother. Sister. Bores!„, beim von Thees Uhlmann mitbegründeten Grand Hotel Van Cleef) – und bringt einen gleichermaßen zum Tanzen, Hüpfen und Schwelgen, denn The Pale Four, wie sich die Aachener selbst bezeichnen, klingen frisch wie vor zwei Dekaden zu Zeiten eines „How To Survive Chance„. Während dem sich langsam auftürmenden, störrisch-euphorischen Opener „Wherever You Will Go“ noch die Worte fehlen, packt bereits „Tonight (We Can Be Everything)“ mit seiner Mixtur aus Indie Rock und leichtem Emo-Scheitel beide Arme an die Hüften und positioniert einen dieser melodieverliebten Pale-Refrains im Nacken, den man glücklicherweise nur schwer wieder los wird. Das knackige und zugleich opulent arrangierte „New York“ holt mit Thorsten Skringers Saxofon (das später noch einmal in „Still You Feel“ zu hören ist) und Glöckchen zur großen Pop-Geste aus, die ebenso auf den Tomte’schen Song selben Titels schielt wie zu Bruce Springsteen und seiner E Street Band. Einen Widerspruch stellt das keineswegs dar, denn auch im hymnischen Schönklang waren Pale immer schon zu Hause. Dementsprechend kommt auch „All The Good Good Things“ als einer dieser feinen, ebenso treibenden wie forsch-fluffigen Aufbruchsstimmungssongs ums Eck, wie die Aachener Band sie kurz nach der Jahrtausendwende nahezu reihenweise aus den Ärmeln schüttelte.
Die Perlen des mit knapp 33 Minuten zwar recht knackig-kurzen, jedoch keinesfalls an Highlights armen Albums sind freilich schnell ausgemacht: Zum einen „Bigger Than Life“, der berührende Abschied von Christian Dang-anh, welcher hier die A-Seite beschließt. Typischerweise greifen Pale nicht zur traurigen Ballade, sondern zu einem vor hibbelig flirrenden Gitarren, Klavier und Bläsern pulsierenden, berührenden Popsong, der das Leben mitsamt all seiner Facetten feiert, die Wehmut herunterschluckt und mit trotzigem Optimismus von der Reise ins Unbekannte erzählt: „You go where nobody knows“, singt Holger Kochs. Und man selbst merkt, wie die Gänsehaut eine wohlige Träne ins Knopfloch treibt. Zum anderen das daran anschließende „Man Of 20 Lives“, ein Stück von Holger für Stephan, quasi vom jüngeren für den älteren der Kochs-Brüder. Überhaupt: Holger Kochs‘ Stimme klingt nicht nur hier noch immer fantastisch und ganz und gar nicht, als würde sich hier jemand unverhofft aus der Indierocker-Rente zurückmelden. Kaum weniger toll geraten auch „500 Songs“, bei dem Pale stimmliche Unterstützung von Saskia Pasing bekommen und dessen Gesangmelodie stellenweise frappierend an Thees Uhlmanns „Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf“ erinnert, oder die fast schon obligatorische Klavierballade „Wake Up!“.
Diese Platte wirkt (und wirkt nach!), auch weil die zehn Indie-Perlen vor Gefasstheit, Gelassenheit und auch vor Freude nur so sprühen – „Don’t Look Back In Anger“ eben. Da passt es perfekt, dass der positive Rausschmeißer „Someday You Will Know“ (übrigens mit Steve Norman von Spandau Ballet am Saxofon) die Geschichte der Band in wenigen Strophen herunterbricht und final nochmals zu nassen Wangen animiert: „It’s the last song of a band / That already played its final show / But we were in this together“. Und nun fühlt der Schreiber sich dazu bewegt, diese im Grunde ja recht abgestandenen Worte zu entstauben, die er sonst im kreativen Regal lassen würde, eben weil sie hier trefflich passen: Musik verbindet. Auf ewig. Und Pale, die mit dieser Ehrenrunde titels „The Night, The Dawn And What Remains“ hier einen paar letzte Oden auf das Leben, auf die Freundschaft abliefern und damit ihr musikalisches Vermächtnis noch einmal unverhofft abrunden, werden nach einer allerletzten Show im kommenden Jahr verdammt nochmal fehlen… Ein freudiger Jammer, das Ganze.
„Pale waren nie eine Band, die übermäßig vielen etwas bedeutet hat. Aber denen, die Pale etwas bedeutet haben, haben sie richtig viel bedeutet. Und jetzt noch etwas mehr.“ (aus dem Pressetext)
Gerne wird ja über die Kompositionen der Achtziger – auch meinerseits – verächtlich die Nase gerümpft, wird den Helden jenes Jahrzehnts oft nicht der gleiche Respekt gezollt wie den Songschreibern der Sechziger- oder Siebzigerjahre. Völlig zu Unrecht? Ist freilich feinste Geschmacksache. Dennoch war vielen die Musik der Achtziger zu durchgestylt, zu glatt, zu oberflächlich, zu über- oder unterproduziert. Welches Potenzial aber in nicht eben wenigen Songs steckt, wie gut manche dieser immergrünen Lieder im Kern wirklich sind, das lässt sich herausarbeiten, indem man ihnen das Zuviel entzieht und sie aufs Wesentliche reduziert. Indem man diesen Songs die Schulterpolster aus den neonfarbenen Übergroß-Sakkos schneidet, das Haarspray in den Giftschrank schließt und das grelle Make-Up abwischt. Das haben Plewka & Schmedtje (die etwa hier bereits auf ANEWFRIEND Erwähnung fanden) gemacht und den Klassikern dabei ihre ganz eigene Note verpasst…
Bei ersterem handelt es sich freilich um Jan Plewka, der damals, in den seligen (sic!) Neunzigern, als Stimme und Frontmann der Hamburger Rockband Selig sowie Songs wie „Ohne dich„, „Bruderlos“ oder „Ist es wichtig?“ seinen Weg in zig bundesdeutsche Ohren fand. Was anno dazumal und in den Heydays von Bands wie Nirvana, Pearl Jam oder Soundgarden vonseiten der Plattenfirma als „German Grunge“ gehypt wurde, nahm vor allem für Plewka zeitweilig kein gutes Ende: physisch wie psychisch komplett abgebrannt und ausgefeiert verließ er 1999 den Rest von Selig im Streit und es sollte nahezu zehn Jahre dauern, bis die Band wieder gesprächsbereit war und schließlich 2008 ihr Comeback beschloss. Ende gut, alles tutti? Zumindest scheint es so, denn diese zweite, merklich gesetztere Karrierephase der Hamburger Deutschrocker dauert mittlerweile nicht nur länger an als die erste, sie warf auch mit drei zu fünf Alben (zuletzt 2021 „Myriaden„) merklich mehr kreatives Material ab.
Warum dieser Exkurs zu Plewkas Hauptband wichtig erscheint? Nun, selbst in der Zeit der Selig’schen Funkstille konnte der kreativ umtriebige Künstler nach einigen Monaten der Ruhe und kräftesammelnden Einkehr, welche er mit Frau und Kind in einer abgelegenen Holzhütte im schwedischen Hinterland verbrachte, nie so ganz still sitzen, versuchte sich mal als Schauspieler, mal solo (das Debütalbum „Zuhause, da war ich schon“ erschien 2002), mal als Teilnehmer in passenden TV-Formaten (etwa 2020 bei der Vox-Sendung „Sing meinen Song – Das Tauschkonzert“), mal als Deutschlands famosester Rio-Reiser-Imitator, mal wiederum als Frontmann anderer Bands: die eine war 2004 TempEau (gemeinsam etwa mit Schauspieler Marek Harloff), die andere 2003 Zinoba. Und obwohl keiner der beiden Formationen ein allzu langes Bandleben vergönnt war, lernte Plewka bei Zinoba den Gitarristen Marco Schmedtje kennen. Die beiden verstanden sich auf Anhieb und während die gemeinsame Band nach nur zwei Jahren und einem Album das Zeitliche segnete, blieben die beiden Musiker-Buddies seitdem eng verbunden und nahmen nicht nur hin und wieder reduzierte Songs auf, sondern betouren also eine Art deutsche Antwort auf Simon & Garfunkel bis heute in schöner Regelmäßigkeit als Akustik-Duo die Clubs der Bundesrepublik.
Und wagen nun mit „Between The 80’s“ eine Reise in die eigene Vergangenheit, zurück zu Erinnerungen an den ersten Kuss am Autoscooter oder an den ersten Liebeskummer. „Wir haben viel an den jungen Jan und den jungen Marco gedacht“, berichtet der heute 52-jährige Plewka. Gemeinsam hätten sie, während sie da im vergangenen Winter an Schmedtjes Küchentisch saßen, eine lange Liste ihrer Lieblingslieder aus den Achtzigern erstellt, deren Auswahl den beiden keineswegs leicht gefallen sei. Den freilich recht naheliegenden Vorwurf, wie andere Künstler*innen mit bekannten Melodien einen schnellen Hit-Euro machen zu wollen, entkräftet man da am besten gleich selbst und mit einem Augenzwinkern: „Ich wollte halt endlich auch mal ein Album machen, auf dem sich ein paar Hits befinden“, lacht Marco Schmedtje, mit 50 Lenzen nur unmerklich jünger als sein Kreativpartner, doch Plewka, der sonst ebenso viel lacht, bleibt an der Stelle ganz ernst: „Das sind alles Songs aus unserer ganz persönlichen Vergangenheit, mit diesen Stücken ist viel Emotionalität verbunden. Unsere jeweils persönlichen Listen an potenziellen Songs für diese Platte waren entsprechend lang.“ Und Schmedtje ergänzt: „Natürlich muss man dann schauen, ob so ein Song auch in unserer Klangwelt funktioniert. Manche Songs lassen sich eben super herunterbrechen auf dieses minimalistische Arrangement aus einer Gitarre und zwei Stimmen, bei anderen fehlt da dann aber doch einfach zu viel.Es war von Anfang an das Ziel, es ganz sparsam aufzunehmen, nur mit dem Leadgesang im Mittelpunkt, ein bisschen zweite Stimme dazu und eine Gitarre.“ Wenn man die Songs ohne die typische, leidig gestrige Achtziger-Soundästhetik dann so reduziert höre, merke man eben, wie viel wahre Substanz in diesen Kompositionen stecke.
Die Auswahl der insgesamt zwölf Stücke gerät dabei absolut hitparadenlastig. Man kennt sie alle in- und auswendig, hat sie schon tausende Male gehört – ob nun im Radio, auf Partys oder im privaten Rahmen. Und doch machen Plewka & Schmedtje jeden Song zu etwas ganz Besonderem. Sie entkleiden die Originale und setzen sie mit sanften Klängen neu zusammen. Die in den Achtzigern so typischen elektronischen Spielereien weichen hier dankenswerterweise ihrer akustischen Homerecording-Ausrichtung.
“Smalltown Boy” von Bronski Beat ist dabei gleich zu Beginn wie geschaffen für Jan Plewkas unverkennbare, charismatisch-lakonische Stimme, welche selbst der englischen Aussprache die ein oder andere sympathische kleine Eigenheit abringt. Allein zur Gitarre und mit zweistimmigem Gesang entfaltet der Song über einem Jungen, der sein Elternhaus verlässt, nachdem er sich zu seiner Homosexualität bekannt hat, auch ohne Synthies eine gleichsam eindringliche, wundervolle Atmosphäre. Totos “Africa” startet wie das ohrwurmige Original mit Naturgeräuschen, die akustische Gitarre macht alsbald fast schon eine waschechte Lagerfeuernummer daraus. “Billie Jean” mit Steel-Gitarre und gezupften Akkorden? Das verändert Michael Jacksons Stück merklich und führt es in eine ganz neue Richtung (welche zugegebenermaßen recht ähnlich wie jene von Chris Cornell tönt) – gewöhnungsbedürftig, aber in gelungen (dazu verleiht das Retro-Tanz-Video dem Stück den nötigen Glanz).
Wer sich hier weiter durch die Hitliste der Achtziger hört, der stößt auf eine Reihe weiterer Highlights: Alphavilles “Forever Young”, welches sich inhaltlich mit dem Atomkrieg auseinandersetzt, funktioniert auch mit Plewka’scher Melancholie, “The Power Of Love” (Frankie Goes To Hollywood) lädt zum verträumten Zurücklehnen ein, “The Wild Boys” (Duran Duran) gerät durchaus beschwingt, ja: beinahe tanzbar. Ewigliche Smashhits wie “Hello” (Lionel Richie) und “Drive” (The Cars) passen gut zusammen und vor allem letzteres weiß mit seinem zweistimmigen Satzgesang zu gefallen. Selbst Unerwartetes wie Madonnas „Material Girl“ wirkt hier nicht so fremd, wie man im ersten Moment vielleicht vermuten könnte. Und in das abschließende, dezent düstere “Let’s Dance” legt Jan Plewka (s)eine sanfte Energie, die auch dem großen David Bowie zur Ehre gereicht hätte.
“Between The 80’s” ist eine knapp 45-minütige Sammlung aus durchweg höchst erfolgreichen Songs – man darf schreiben: Klassikern, Evergreens –, allesamt mehr als dreißig Jahre alt und nahezu jedem mit Popmusik aufgewachsenem Ohr bestens bekannt, die das Hamburger Zweiergespann komplett neu und auf seine ganz eigene Weise interpretiert. Das Ergebnis ist ein sehr homogenes Album mit Gitarre und Gesang, wie geschaffen fürs Mitsingen am Lagerfeuer oder Sinnieren vorm winterlich-warmen Kamin. Und da Plewka & Schmedtje derzeit nicht allzu lange vor selbigem hocken wollten, waren die beiden mit ihrem neuen Album einmal mehr bereits auf Tour. „Die Reaktion des Publikums ist gigantisch“, sagt Plewka. Zwar erkenne nicht jeder sofort, um welchen einstigen Superhit es sich handele, „aber wenn die ersten Zeilen kommen, geht ein Raunen durch die Menge und es wird weinend mitgesungen.“ Jeder sehe seine eigene Geschichte zu den Songs. Das habe fast schon eine therapeutische Wirkung: „Es ist ja schön, nach dieser Corona-Zeit die Kraft aus der Jugend in die Gegenwart zu bringen.“ Und dagegen kann man nicht wirklich nichts haben…
Der Traum eines jeden Konzertfotografen ist es wohl, perfekt die Magie eines einzelnen Moments einzufangen – was Paul Gärtner bei einer Show der Beatsteaks in diesem Jahr angesichts der obigen Schnappschüsse formvollendet gelungen ist. Vielleicht liegt’s ja auch daran, dass der Fotograf aus Karlsruhe das Berliner Quintett, das ja ohnehin als eine der besten Alternative-Punk’n’Rock-Kapellen der Bundesrepublik bekannt ist, seit Jahren mit der Linse in der Hand begleitet? In jedem Fall: tolle Fotos! Und auch der stagedivende Junge dürfte, wie man anhand von Facebook-Kommentaren lesen konnte, ein fulminantes Konzerterlebnis für die persönlichen Geschichtsbücher gehabt haben…
ANEWFRIEND 