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Song des Tages: Maria Taylor – „If Only“


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Momente, in denen man merkt, dass man so langsam aber sicher alt wird: man bleibt an einem Samstagabend gern mal lieber zuhause auf der Couch, man findet immer mehr graue Haare an vielen Stellen des eigenen Haupthaars, man wird sich bewusst, dass Maria Taylor – einst die süßlich betörende Hälfte der „Saddle Creek“-Sirenen Azure Ray – mittlerweile verheiratet und Mutter zweier Kinder ist.

Ja was hab‘ ich damals, in meinen Zwanzigern, noch im Stillen für die aus Birmingham, Alabama stammende Musikerin geschwärmt! Gut, war ja auch nicht schwer, immerhin hatte sowohl ihre damalige Hauptband Azure Ray, die Taylor gemeinsam mit Orenda Fink bildete, als auch ihr damaliges Label „Saddle Creek“ ordentlich Indie-Cred in petto. Zudem bandelte sie damals mit keinem Geringeren als Conor „Bright Eyes“ Oberst an, man durfte also heimlich ein stückweit neidisch auf ihn sein und ihr sowohl zu ihrem ausgezeichneten Männer- als auch Musikgeschmack gratulieren.

1476477555276All das ist freilich längst Geschichte – sowohl Azure Ray, deren letzte Veröffentlichung, die „As Above So Below“ EP, auch schon wieder vier Jahre zurückliegt (das letzte Album „Drawing Down The Moon“ gar ganze sechs), als auch die Liaison mit Oberst. Mittlerweile hat Maria Taylor ihre Zelte mit Mann und Nachwuchs im sonnigen Kalifornien aufgeschlagen und stellt nun, am 9. Dezember, ihr bereits sechstes Soloalbum „In The Next Life“ in die Plattenläden. Und trotzdem ist bereits bei der ersten Single „If Only“ fast alles so wie damals zu Anfang der Nuller-Jahre, als „Saddle Creek“ das wohl tollste Indie-Label der Welt war und Bands wie Bright Eyes oder Azure Ray noch ein echter Geheimtipp… Kein Wunder, schließlich bekam Taylor beim Song stimmliche Unterstützung von Conor Oberst höchstselbst, mit dem sie noch immer gut befreundet ist. Dazu Maria Taylors stets über allem zu schweben scheinende Stimme, welche ohnehin alterslos wirkt.

„This video was directed by one of my favorite photographers, Liz Bretz“, gab Taylor unlängst in einem „Billboard“-Interview zu Protokoll. „I wanted the video to reflect my lives within my life. I wanted it to tie in my past and present with a dream like quality. Having the desert setting was important because while writing this record, Joshua Tree became my favorite place to clear my mind… and at the same time inspire new songs.“ Gegen Ende des neuen Musikvideos sind auch Duettpartner Oberst sowie Taylors Mann und ihre zwei Kinder zu sehen.

Überhaupt holte sich die mittlerweile 40-Jährige für ihr neustes Album, welches erstmals auf ihrem eigenen Label „Flower Moon Records“ und in Deutschland passenderweise bei den feinen Leuten von „Grand Hotel Van Cleef“ erscheint, viel (männliche) Unterstützung an Bord und ins Studio: Singer/Songwriter Nick Freitas saß auf dem Produzentenstuhl, während ihr – nebst dem bereits erwähnten Conor Oberst – viele befreundete Musiker wie Joshua Radin, Jake Bellows (Neva Dinova), Louis Schefano (Remy Zero, Suspicious Light) oder Morgan Nagler (Whispertown) unter die Arme griffen. „I kept asking myself, ‚If I die tomorrow, what would I want my last record to say?'“ – eine existenzielle Frage, welche durchaus auf ein feines neues Album hoffen lässt. Und selbst, wenn man selbst merklich älter geworden ist – Maria Taylors Stimme klingt beinahe noch immer wie damals, als ein kleines Label aus Omaha, Nebraska noch die halbe Indie-Welt mit der tollsten Musik versorgte…

 
 

 

Rock and Roll.

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Das Album der Woche


Ein kleiner privater Vorgriff: Am letzten Septembertag diesen Jahres, solange ich denken kann auch gleichzeitig mein Geburtstag, fahre ich im Herbstsonnenschein zu einem Freund, um ein Paket aus der alten Heimat abzuholen. Aus den Lautsprecherboxen meines mittlerweile leicht in die Jahre gekommenen Opel Corsa tönen zum ersten, jedoch längst nicht letzten Mal die zehn neuen Stücke von „Ruminations“. Ich fühle mich so gut wie lange nicht, was nicht im Besonderen am Wetter (Sonne kommt, Regen geht) oder an meinem Geburtstag (schließlich ist das Älterwerden nur eine kleine Leistung) liegt, sondern vielmehr am Moment als solchen. Und: an diesem Album. Natürlich hat man – im Speziellen ich, der sein ganzes Leben bereits Musik so intensiv in sich aufsaugt wie nur ein Bruchteil aller Menschen (das mag ich einfach einmal in Bescheidenheit behaupten) – mit den Jahren das Meiste bereits in irgendeiner Form, Note oder Variation gehört, ist nur noch Weniges wirklich besonders. Trotz alledem gibt es sie noch, diese Momente, in die sich ein Album perfekt einfügt – und sei es nur für den Bruchteil einer Sekunde. An diesem einen Tag zum Ende des Septembers – an meinem Geburtstag, im Auto gen Sonnenschein fahrend und mit „Ruminations“ zum ersten Mal im Ohr, durfte ich einen dieser Momente erleben. Mehr kann Musik einem nicht schenken. Und dafür darf, sollte, muss man dankbar sein. Und das bin ich.

 

Conor Oberst – Ruminations (2016)

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„Laryngitis, Angst und Erschöpfung“ – Was sich als Begründung zunächst höchst beliebig und nach einer Ausrede für das von tausendundein Klischees besudelte Drogenproblem eines Berufsmusikers anhört, war bei Conor Oberst tatsächlich eine ernsthafte Sache.

Immerhin hat der heute 36-Jährige fast sein ganzes Leben im Musikergeschäft verbracht, ist seit dem zarten Teenageralter aus freien Stücken im nicht immer rosaroten Hamsterrad aus Plattenaufnahmen, Promoterminen und Tourneen rund um den Erdball mitgelaufen. Der Erfolg mit Bright Eyes, seit 1995 seine auch vom beflissenen Feuilleton beachtete On/Off-Hauptband, seinem 2001 ins Leben gerufenen und 2012 wiedervereinigten rüde-lauten Nebenprojekt Desaparecidos, der (un)geplant kurzlebigen All-Star-Truppe Monsters Of Folk (zu der, neben Oberst, auch My-Morning-Jacket-Vorsteher Jim James, Folker M. Ward und Intimus Mike Mogis gehörten) und zuletzt immer öfter solo (beziehungsweise mit seiner Mystik Valley Band) gaben ihm freilich recht. Schon 2002, als das vierte Bright-Eyes-Werk „LIFTED or The Story Is in the Soil, Keep Your Ear to the Ground„, das Oberst auch international bekannt machte, erschien, verlieh man dem damals gerade zarte 22 Jahre alten US-Musiker mancherorts das freilich unfreiwillige Label des „neuen Kurt Cobain“. Eine zweifelhafte Ehre, klar. Außerdem traf diese Umschreibung weder das Musikalische noch Oberst Intentionen im Geringsten. Natürlich war vor allem auf seinen Frühwerken immer eine ordentliche Portion Teenage Angst mit an Bord, natürlich trug der Herr schon immer sein Herz auf der Zunge und sparte in seinen Texten nie mit schonungslosen Beschreibungen seines zerrütteten Inneren. Eventuell war Conor Oberst sogar zu offen, denn 2013 warf ihm eine junge Frau vor, sie zehn Jahre zuvor im Backstage-Bereich nach einem Konzert vergewaltigt zu haben – ein heftiger Nackenschlag ausgerechnet für ihn, der sich stets für Demokratie, soziale Gerechtigkeit und Menschenrechte stark gemacht hatte. Dass das angebliche Vergewaltigungsopfer die Vorwürfe ein Jahr darauf zurückzog und das Ganze damit als dreiste Lüge entlarvte, spielte für den Menschen hinter der Fassade des bejubelten Indie-Musikers wohl nur eine kleinere Rolle (auch wenn die nachhingehende Rehabilitation freilich gut getan haben mag). Solch ein Vorwurf prallt vor allem an einem Sensibelchen wie Oberst nicht ab. Als er wenig später, im Jahr 2015, auf Tournee mit den wiedervereinigten Desaparecidos ging, um das zweite gemeinsame Album „Payola“ auf Clubbühnen vorzustellen, traf Conor Oberst schließlich der sprichwörtliche Hammer – Schluss, aus, rien ne va plus. Mental wie körperlich ließ sich der (einstige) Indie-Darling der Millennials im Oktober 2015 erst ins Krankenhaus einweisen, sagte alle weiteren Tourtermine ab, zog am Ende gar von seiner Wahlheimat, dem nie stillstehenden Big Apple New York City, zurück ins beschauliche Omaha. Dort hatte einst, Oberst war wohl erst um die zwölf Jahre alt, alles angefangen. Dort hatte er erste Bands gegründet (die sich dann etwa Commander Venus oder Norman Bailer, aus denen sich später die noch heute – allerdings ohne Oberst – existierenden The Faint entwickelten, nannten), dort hatte er in den Neunzigern gemeinsam mit Freunden erste Konzerte inmitten einer damals nicht existenten Konzert- und Clubszene organisiert, dort rief er als einer der Hauptinitiatoren gemeinsam mit seinem Bruder Justin und Produzent/Musiker Mike Mogis das noch heute mit viel Szene-Kred umwehte Indie-Label „Saddle Creek“ ins Leben.

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Nun also zurück zu den Wurzeln, zurück nach Omaha. Und obwohl sich in der größten Stadt des beschaulichen Bundesstaates Nebraska so Einiges getan hat seit Obersts Jugendzeit, obwohl viele der einstigen Freunde und Weggefährten Familien gegründet, die Musik zum Hobby erklärt, in andere Richtungen weiter entwickelt, vielleicht weg gezogen sind oder das Label gewechselt haben, muss es sich für den Musiker selbst, der in New York City vor lauter Möglichkeiten, Managerterminen, Ablenkungen und Zerstreuungen nie so ganz zur Ruhe kommen konnte (wenn er denn mal da war), wie ein schockbefreites Nachhausekommen angefühlt haben. Oberst packte sich den heimischen Garten voller Feuerholz, um für einen langen, harten Winter im mittleren Westen der USA gerüstet zu sein (man weiß ja nie) und igelte sich ein, um nach Jahren voller Vom-Aufnahmestudio-rauf-auf-die-Bühne-Schleifen endlich runter und wieder bei sich selbst anzukommen. Seine einzige Vorgabe: keine Musik. Doch wer den Werdegang von Conor Oberst in den letzten 15 Jahren verfolgt hat, der wird wissen, dass das nicht gut gehen konnte… Zum Glück.

Denn neben dem Feuerholz sorgte er dafür, dass in der heimischen Garage auch ein zwar spartanisch, jedoch voll funktionstüchtiges Probe- und Aufnahmestudio bereit stand. Dort schrieb sich Oberst dann in den kalten Tagen, die er im heimischen 400.000-Einwohner-Städtchen Omaha verbrachte (wo es – wohl auch durch sein Zutun – mittlerweile tatsächlich eine veritable, florierende Künstler-, Musik- und Club-Szene gibt), all seine schwer wiegenden Gedanken von der Seele, und begab sich im Februar diesen Jahres dann für lediglich 48 Stunden in die „ARC Studios“ seines Langzeit-Kumpels Mike Mogis, um kurz darauf zu verkünden: „Ich habe tatsächlich gegen meinen Plan ein Album geschrieben.“

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„Ich wollte eigentlich gar kein Album schreiben. Ehrlich gesagt, wollte ich gar nichts tun. Die Winter in Omaha haben einen lähmenden Einfluss auf Menschen, aber das war jetzt mein Glück. Ich blieb jede Nacht lange auf, spielte am Piano und schaute durch das Fenster dem Schnee beim Stapeln zu. Das nächste, was ich weiß, ist, dass ich das ganze Feuerholz verheizt hatte und mehr als genug Songs für ein Album hatte.“ (Conor Oberst)

Nun mag die Tatsache, dass einer wie Oberst, der in den vergangenen drei Jahrzehnten gefühlten 50 Platten in den verschiedensten musikalischen Konstellationen in die Regale gestellt hat, ein neues Album veröffentlicht, in Rom freilich keinen weißen Rauch aus den Schornsteinen blasen. Und dass es sich bei „Ruminations“ um knapp 40 Minuten Musik in ihrer pursten Form handelt – denn Mr. Bright Eyes spielte jede einzige Note selbst ein und begleitet sich lediglich spartanisch an Piano, Akustischer und Mundharmonika -, dürfte sich, so gelesen, weitaus unspektakulärer anhören als das eigentliche Ergebnis.

conor-oberst-2016-amelie-raoul-dg-450sqÜberhaupt: „Ruminations“ – zu Deutsch so viel wie „Nachsinnen“ oder „Grübeln“ -, davon haben Conor Obersts Songs Einiges intus. Wie dramatisch die Lage gewesen sein muss, schreibt Musiker-Kumpel Simone Felice in seinen Liner Notes: „Er befand sich an einem Ort, an dem er nicht mehr wusste, ob er jemals wieder einen Song schreiben kann. Vielleicht war der Brunnen vergiftet. Oder die Muse hatte sich in Asche aufgelöst“, erinnert sich der Singer/Songwriter an ein gemeinsames Telefonat. Dementsprechend dramatisch beginnt bereits der von Oberst zu Piano und Mundharmonika vorgetragene Albumopener „Tachycardia“ (zu deutsch „Herzrasen“): „I’m a stone’s throw from everyone I love and know / But I can’t show up looking like I do / In an old suit my hair is slicked back nice and smooth / In a court room, sweat rolling down my back / It’s a bad dream / I have it seven times a week / No it’s not me / But I’m the one who has to die“ – ähnlich bedrückende Zeilen hatte man man vom ewigen Indie-Boy mit dem traurigen Hundeblick zuletzt auf „Digital Ash In A Digital Urn„, 2005 quasi als „bösen Zwilling“ im Doppel mit dem anderen Bright-Eyes-Meisterwerk „I’m Wide Awake It’s Morning“ veröffentlicht, von ihm gehört. Und: so in etwa geht es weiter. Natürlich kommt bereits das nächste Stück, „Barbary Coast (Later)“, zur Akustischen weitaus versöhnlicher daher, wenn Oberst in ebenso einfachen wie gewohnt tollen sprachlichen Bildern seine Flucht vor all dem großstädtischen Trubel beschreibt („I don’t mind my head / When there’s room to dream / Feel like Paul Gauguin / Painting breadfruit trees / In some far off place / Where I don’t belong / Tried to lose myself / In the primitive / In Yosemite / Like John Muir did / But his eyes were blue / And mine are red and raw / ‚Cause the modern world / Is a sight to see / It’s a stimulant / It’s pornography / It takes all my will / Not to turn it off“). Aber Oberst wäre nicht er selbst, wenn er dem Süßen nicht das Saure gegenüber stellen würde: „I don’t wanna feel stuck, baby / I just wanna get drunk before noon“. Im Grunde ließe sich hier jeder Song zitieren und bis ins Innerste zerlegen: den betrunken Walzer, den Conor Oberst in „Gossamer Thin“ (zu Deutsch „hauchdünn“) aus den schwarzen und weißen Tasten schält, als er (unter anderem) die zärtlichen Minuten einer im Verborgenen keimenden Liebe singt („She likes the new pope / She’s not scared of hell / They meet once a week at a secret motel / She kisses his neck, she plays with his hair / Her screams sound like pleasure, her moans like despair“), die kalte Panik, welche ihn wohl manche Nacht schlaflos verbringen ließ („Early to bed, early to rise / Acting my age, waiting to die / Insulin shots, alkaline produce / Temperature’s cool, blood pressure’s fine / One twenty-one over seventy-five / Scream if you want, no one can hear you“ – „Counting Sheep“), den vertonten Verlust der Unschuld in „Next Of Kin“ („Get too drunk and you can’t perform / Something dies when a star is born / I spread my anger like Agent Orange / I was indiscriminate / Yeah, I met Lou Reed and Patti Smith / It didn’t make me feel different / I guess I lost all my innocence / Way too long ago“), die Verknüpfungen von Gott, gestohlenen Motorrädern und Gelegenheitssex in „The Rain Follows The Plow“, die Beschreibung von trügerischen Anhimmlungsgesten in „You All Loved Him Once“, welche man mit etwas Fantasie auch als politisches Statement zur diesjährigen US-Wahl verstehen könnte („You all loved him once / Yes, you ate out of his hand / He mirrored your confusion / So that you might understand / Then your soul was an experiment / So he drew a diagram / You all loved him once / It ended bad“). All das mündet – und das ist auch gut so – in die wohl positivsten Zeilen des Albums: „Rise and shine, get out of bed / Get ready for the day / Get a coffee from the deli / And walk the riverbank / Be careful with your headphones on / When you cross the FDR / Don’t want to be a casualty / Before you make it to the bar / And hide your shakes, and worried face / Just sit down in the back / Your friends got there ahead of you / And night is falling fast“ singt Oberst nicht ohne windschiefen Hymnus im abschließenden „Till St. Dymphna Kicks Us Out“ – die Heilige Dymphna, die Patronin der psychisch Kranken, wacht in jenen Stunden über ihn und all jene, die ihren Verstand verloren haben. „Let’s get enabled / Great minds, they think alike / I never was a good judge of when to call it a night / And we can keep drinking till St. Dymphna kicks us out“ – ein Hoch aufs pure Leben.

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Natürlich mag „Ruminations“ der Irrsinn, der nicht wenige Platten der Bright Eyes und Desaparecidos ausmachte, abgehen, die Pathetik auf den Spuren von Wagner, die Suche nach Geräuschen und Experimenten, diese Verspieltheit und Reduktion in wilder Allianz. Auf der Habenseite schlägt sich Conor Oberst auf seinem bereits zehnten unter eigenem Namen veröffentlichten Werk (zählt man denn die Frühwerke aus Teenagertagen mit) von jener behäbigen Alt.Country-Behäbigkeit frei, die noch vielen Stücken der letzten Platten „Outer South“ (2009), „One Of My Kind“ (2012) oder „Upside Down Mountain“ (2014) anhing, und welche wohl selbst einem Großteil des US-amerikanischen Indie-Publikums mit „Rolling Stone“- und Wilco-Prägung zu träge erschienen sein dürfte. Stattdessen bekommt man von Oberst Songs serviert, welche selbst für ihn in dieser schonungslosen Nacktheit, Ehrlichkeit und Verletzlichkeit überraschend erscheinen – dieser musikalische Dreizack aus Piano, Akustischer und Mundharmonika verdeckt eben nichts. Wenn man soll will, ist „Ruminations“ Conor Oberst persönliches „Blood On The Tracks“ oder „Nebraska(sic!) – und mit etwas Glück, Weitsicht und Geschmack (über alle drei Dinge ließe sich freilich vortrefflich streiten) wird sich dieses Werk auch selbst eines Tages in dieser Reihe wiederfinden. Und: Nein, der weltgrößte Mundharmonika-Man wird aus Conor Oberst wohl nie. In jedem Fall ist „Ruminations“ das Album eines zutiefst verunsicherten Mannes, der hier sprichwörtlich um sein Leben singt. Die Panik und das Leben, die Liebe und den Tod, den verlorenen Glauben und die Verlustängste, den kalten Schweiß und die warme Herzlichkeit, den Sex und die Einsamkeit – man hört sie in jeder Zeile, die Conor Oberst mit nicht selten bebender ins Mikrofon singt. „Ruminations“ ist ein großes, ernsthaftes Werk, an dem man sich kaum satt hören möchte, und Conor Oberst weder „der neue Kurt Cobain“ noch „der neue Bob Dylan“. Conor Oberst ist Conor Oberst, zum Glück. Und so gut, so nah, so ergreifend war er schon lange, lange Zeit nicht. Vielleicht sogar: noch nie.

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Für „NPR Music Front Row“ spielte Conor Oberst kürzlich alle zehn Stücke von „Ruminations“ bei einer Show im Housing Works Bookstore Café in New York City, bei welcher er sich lediglich von seinem Musiker-Kumpel MiWi La Lupa (welcher wohl nicht ganz zufällig sein zweites Album „Ended Up Making Love“ im März diesen Jahres bei Obersts eigenem Label „Team Love Records“ veröffentlicht hat) unterstützen ließ…

 

…während er bei einer Session bei „The Current“ drei Stücke des Albums solo zum Besten gab (nämlich „Next Of Kin“ , „Tachycardia“ und „Till St. Dymphna Kicks Us Out“):

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Mac Miller – „Lua“


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Eigentlich braucht es keinen Grund, täglich eine Coverversion eines Bright Eyes-Songs zu posten (und das könnte ich, glaubt mir – allein mit Neuinterpretationen von einem der wohl schönsten Stücke über Liebe ever ever ever – „First Day Of My Life“ – könnte ich über eine Woche füllen). Oder eben eines von Conor Obersts Originalen. Weil: einer der besten Singer/Songwriter überhaupt, dessen Lieder fast immer gehen. Isso? Isso.

Diese Meinung vertritt übrigens auch Mac Miller, seines Zeichens Rapper aus Pittsburgh, Pennsylvania. Deshalb nahm sich der 23-Jährige vor nicht allzu langer Zeit auch unter anderem „Lua“, im Original vom 2005 erschienenen Bright Eyes-Werk „I’m Wide Awake, It’s Morning„, vor und erwies dem Song seine Ehre – allerdings nicht mit dicken Beats und Battle-Sprech, sondern lediglich zu Akustikgitarrenbegleitung. Dass Millers Version dabei etwas windschief daher torkelt, passt umso mehr zu einem Sonntag wie diesem…

 

 

„I know that it is freezing but I think we have to walk
I keep waving at the taxis, they keep turning their lights off
But Julie knows a party at some actor’s west side loft
Supplies are endless in the evening, by the morning they’ll be gone.

When everything is lonely I can be my own best friend
I get a coffee and the paper, have my own conversations
With the sidewalk and the pigeons and my window reflection
The mask I polish in the evening, by the morning looks like shit.

And I know you have a heavy heart, I can feel it when we kiss
So many men stronger than me have thrown their backs out trying to lift it
But me I’m not a gamble you can count on me to split
The love I sell you in the evening, by the morning won’t exist.

You’re looking skinny like a model with your eyes all painted black
You just keep going to the bathroom always say you’ll be right back
Well it takes one to know one, kid, I think you’ve got it bad
But what’s so easy in the evening, by the morning is such a drag.

I’ve got a flask inside my pocket we can share it on the train
If you promise to stay conscious I will try and do the same
We might die from medication, but we sure killed all the pain
But what was normal in the evening, by the morning seems insane.

And I’m not sure what the trouble was that started all of this
The reasons all have run away but the feeling never did
It’s not something I would recommend, but it is one way to live
Cause what is simple in the moonlight, by the morning never is
What’s so simple in the moonlight, now is so complicated
What’s so simple in the moonlight, so simple in the moonlight…“

 

Rock and Roll.

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Das Album der Woche


Animal Flag – EP1 + EP2 (2014/2015)

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Kinder, wie die Zeit vergeht… Indiz No. 1: Die Veröffentlichung von „LIFTED or The Story is in the Soil, Keep Your Ear to the Ground“, dem vierten Album von Conor Obersts damaliger Haupt- und Herzensband Bright Eyes, liegt bereits mehr als dreizehn Lenze zurück. (Wirklich so lang schon? Ja, so lang schon!) a3729195544_5Indiz No. 2: Morgen jährt sich zum ersten Mal der Tag, an dem ANEWFRIEND ein Band gewordenes Ein-Mann-Projekt „auf den Radar“ schob: Animal Flag. Der regelmäßige Leser diesen bescheidenen Blogs (oder die mit ausgeprägt gutem Erinnerungsschatz… oder die, die um die Funktionalität eines Links wissen) ahnt es ja bereits: da besteht durchaus ein Zusammenhang.

Und natürlich lässt das nahezu entsetzte Räuspern der Conor-Oberst-Jünger bei Vergleichen mit ihrem „Messias“ nicht lang auf sich warten. Götzenschindluder! Blasphemie! Übertreibung! Anmaßung! Wer sich jedoch die Zeit und Ruhe nimmt, genauer hinzuhören, der wird in der Tat so allerhand Parallelen entdecken. Versprochen? Versprochen.

So hat auch Animal Flag, das aus Boston/NY stammende Bandprojekt von Frontmann Matthew „Matt“ Politoski, – ganz ähnlich wie Bright Eyes – seit seinen ersten (digitalen) Gehversuchen im Jahr 2009 so einige Wandlungen vollzogen, die mal lo-fi-instrumental verspielt (das Albumdebüt „Flood of Sunlight„), mal singer/songwriter-mäßig und in Bright Eyes’scher Tradition verhaftet (das Album „Everything Will Be Okay“ von 2012 – manch einer mag auch Elliott Smith raushören), mal wie eine folkloristische Variante von Sufjan Stevens mit einigen elektronischen Versatzstücken (das Album „The Sounds of Sleep“ von 2013) ausfielen. (S)Ein letztes Update erfuhr der Bandsound mit der Veröffentlichung der beiden „Animal Flag EPs“ (Teil eins erschien im September 2014, Teil zwei im November diesen Jahres), auf welcher Politoski und seine Bandkumpane – ordentlich produziert und abgemischt – den indierockenden Livesound von Animal Flag in den Fokus stellen. Einfache Begründung: „Mein Ziel bei der EP war es, etwas herauszubringen für die Leute, die zu unseren Shows kommen und danach noch etwas mit nach Hause nehmen können, das das Erlebnis während der Show repräsentiert. Für eine ganze Weile kamen Menschen zu unseren Auftritten und sahen da diese laute Rockband, oder wie auch immer du es nennen magst, und kauften eine CD von einem Folk- oder Elektronik-Album, die wir in der Vergangenheit aufgenommen haben, von denen wir jedoch keinerlei Songs gespielt haben.“.

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Foto: Nick DiNatale / Facebook

Mehr Parallelen gefällig? Gern! Man nehme nur Matt Politoskis Gesangorgan, das dem von Conor Oberst erstaunlich nahe steht. Oder dessen Texte, die mal zwischen Melancholie und Außenbetrachtung, mal zwischen Hoffen und Bangen, Lieben und Leiden pendeln, und auch – dies dürfte wohl Politoskis religiösem Elternhaus geschuldet sein – die ein oder andere nicht unkritische Glaubensmetapher nicht aussparen. Wer’s bei Conor Oberst und all seinen Haupt- und Nebenprojekten (solo, Bright Eyes, Desaparecidos, Monsters Of Folk) kritisch sieht, der darf gern behaupten, dass nicht wenige von Politoskis Songs die Qualität liefern, die der 35-Jährige (also Oberst) seit Jahren zu selten hinbekommt. Klar sollte man von einem Thirtysomething – obendrein glücklich verheiratet und Familienvater – nicht dieselben Teenage-Angst-Hymnen der Jugend erwarten. Klar verändern sich mit den Jahren Geschmäcker wie Weltsichten. Aber trotz allem ließen vor allem Obersts letzte (Solo-)Veröffentlichungen der letzten fünf Jahre – von „Outer South“ bis „Upside Down Mountain“ – den Schwung vermissen, den früher noch beinahe jedes Stück um die Ecke brachte (die letzten Bright-Eyes- und Desaparecidos-Alben waren glücklicherweise weitaus besser). Abschreiben sollte man Conor Oberst ja ohnehin nie. Aber wenn das eine Triebwerk versagt, so ist es durchaus legitim, sich Ersatz zu besorgen, oder?

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Und den bieten Animal Flag in der Tat in adäquater Weise, vereinen sie doch spätestens mit ihrem jüngst komplettierten EP-Doppel so ziemlich alle Klangwelten des großen (potentiellen) Vorbilds: Oberst Singer/Songwriter-lastige Alt.Folk-Ausflüge (der Anfang von „Borrowed Bones“ und das von Streichern getragene „Mercy“ auf EP1), der derb ausfransende Hauruck-Rock der Desaparecidos (der Großteil der EP2), die tiefe, stille Melancholie, die etwa dem zehn Lenze jungen Bright-Eyes-Werk „Digital Ash In A Digital Urn“ innewohnte („Prone“, das Schlussstück der EP2). An allen Ecken und Enden haben Politoski und seine Band Haken und Ösen versteckt, die jedes der zehn Stücke interessant machen – der Fahrtwind, den bereits „St. Cecilia’s“, der Opener der ersten EP, aufnimmt, vollmundige Bandchöre wie bei „Sensation“ oder „Mercy“, den Wandel vom Pedal-Steel-Alt.Folker zum Gitarrensolo-Brecher, welchen etwa „Borrowed Bones“ innerhalb seiner knapp fünf Minuten nimmt, die zehnminütige Stop-and-Go-Karthasis von „Cathedrals“, den stillen Ausklang mit „Prone“. Ausfälle? Fehlanzeige. Und auch für die, die Wert auf feines Textgut legen, hat Politoski Einiges an Bord, wie etwa in „St. Cecilia’s“ („Iʼve over heard a number of conversations  / Of people bitching about the rain / So Iʼve learned to love the storm clouds and hazy weather / Cause Itʼs just another thing we canʼt change / Iʼve been listening to prophets, the broken hearted Iʼve been learning something new everyday / And thereʼs a lesson thatʼs been ringing for weeks in my head / Donʼt ever trust a heart you canʼt break“) oder in „Cathedrals“ („I’ve been a slave for most of my life / 
To the things that I want, I am chained tight / It’s true that the punishment must fit the crime / Some call this living, I’m just doing time“).

Innerhalb der zusammengefasst ordentlichen Langspielerlänge einer Dreiviertelstunde decken Animal Flag damit eine gehörige klangliche Bandbreite ab und mausern sich mit diesen zwei EPs wohl endgültig von Politoskis Ein-Mann-Schlafzimmer-Projekt zur vollwertigen Band, die vor allem auf der zweiten EP Referenzen wie Manchester Orchestra näher steht als Conor Oberst. Aber lassen wir noch die Vergleiche – verstecken müssen sich Animal Flag mit diesen Songs nämlich keinesfalls.

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Auf der Bandcamp-Seite von Animal Flag kann man sich beide EPs in Gänze anhören…

 

…und für Freunde des schmalen Geldbeutels hält die Band alle Veröffentlichungen – die zweite EP einmal außen vor – im „Pay what you want“-Prinzip zum Download aufs heimische Abspielgerät parat.

 

Wer sich auch einen optischen Eindruck machen möchte: hier gibt’s das offizielle Musikvideo zur Eröffnungsnummer von EP1, „St. Cecilia’s“…

 

…und eine Live Performance von „Sensation“:

 

Rock and Roll.

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Song des Tages: Dawes – „Things Happen“


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Manchmal sind die einfachsten Sätze auch gleichzeitig die wahrsten…

So etwa die Zeile „Things happen, that’s all they ever do“ aus – jawoll! – „Things Happen“, der Eröffnungsnummer von „All Your Favorite Bands„, dem vierten Album der aus Los Angeles stammenden Americana-Folkrocker Dawes. Falls dem einen oder der anderen der Name nichts sagt – keine Sorge.

Denn trotz bislang sechs gemeinsamen Bandjahren, drei auch von Kritikern stets recht gut aufgenommenen Alben und gemeinsamen Tourneen mit unter anderem Blitzen Trapper liefen die Dawes bislang immer unter dem Radar durch – da konnten auch der Fakt, dass der Vierer Conor „Bright Eyes“ Oberst bei dessen letztem, im vergangenen Jahr erschienenen Album „Upside Down Mountain“ als Backing-Band unterstützte oder Dawes-Frontmann Taylor Goldsmith als Teil von The New Basement Tapes an der Seite von Elvis Costello, Marcus Mumford (Mumford & Sons) oder Jim James (My Morning Jacket) kürzlich noch unveröffentlichte Bob-Dylan-Songs neu interpretiert hat etwas ändern. Vielleicht ist dieser Americana-Sound, der mal nach Laurel Canyon, mal nach Crosby, Stills, Nash & Young, insgesamt nach viel analogen Siebzigern klingt, auch einfach zu uramerikanisch fürs Gros der aufgeklärten, abgeklärten europäischen Ohren? Wer weiß…

Nichtsdestotrotz hält auch das neuste, im Juni erschienene Dawes-Werk mit besagtem „Things Happen“ oder dem zu Tränen rührend schönen Titelstück „All Your Favorite Bands“ mindestens zwei weitere großartige Songs bereit, die gehört werden sollten. Eben weil die einfachsten Sätze oft die wahrsten sind…

 

 

„I could go on talking or I could stop
Wring out each memory ‚til I get every drop
Sift through the details of the others involved
The true crime would be thinking it’s just one persons fault

Like an honest signature on a fake ID
Like the guilty conscience with the innocent plea
You can just ignore it, put it out of mind
But ain’t it funny how the past won’t ever let something lie

Let’s make a list of all the things the world has put you through
Let’s raise a glass to all the people you’re not speaking to
I don’t know what else you wanted me to say to you
Things happen, that’s all they ever do

In a different time, on a different floor
I might morn the lose of who I’m not anymore
So I’m driving up to Oakland for a good look back
And a few revisions to my plan of attack

Let’s make a list of all the things the world has put you through
Let’s raise a glass to all the people you’re not speaking to
I don’t know what else you wanted me to say to you
Things happen, that’s all they ever do

I think I’ll see Lily, see where she stands
I can’t help how I feel, I don’t think anyone can
Sometimes we’re lovers, sometimes we’re friends
Behold the magnetism between two dead ends

Let’s make a list of all the things the world has put you through
Let’s raise a glass to all the people you’re not speaking to
I don’t know what else you wanted me to say to you
Things happen, that’s all they ever do

Lets‘ make a list of all the things the world has put you through (we can qualify the spirit guides we listen to)
Lets raise a glass to all the people your not speaking to (or why are moms compelled to bronze your baby shoes)
I don’t know what else that you wanted me to say to you
Things happen, that’s all they ever do
That’s all they ever do
That’s all they ever do
That’s all they ever do…“

 

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , ,

Das Album der Woche


Refused – Freedom (2015)

Refused_Album-Cover-erscheint bei Epitaph/Indigo-

Mit Comebacks im Musikgeschäft ist es ja so eine Sache… Die einen können besseren Wissens gar nicht aufhören zu touren und lassen das „Comeback“ im eigentlichen Sinne – mangels Auszeit – erst gar nicht zur Sprache kommen (Rolling Stones, The Who), andere wiederum raffen sich nach Jahren des steten Tantiemenflusses und der Trauer um ihr wichtigstes Mitglied – freilich den Frontmann, die Stimme, das Sprachrohr – wieder auf und zusammen, um mit einem neuen Fronter auf Tournee oder ins Studio zu gehen (The Doors, Alice In Chains, Queen). Fakt ist: beim Großteil ebenjener Beispiele hat vieles, was sie tun (oder eben: nicht tun), längst den roten Bereich des Peinlichkeitsradars überschritten und müffelt bereits seit Jahren unschön nach der bloßen Geldscheffelmaschinerei alter Männer, die gar nicht anders können, als immer und immer wieder Abend um Abend dieselbe Show aus (zu) oft gehörten „Greatest Hits“ zu spielen. Denn mal ehrlich: wer möchte schon die Doors ohne ihren charismatisch unberechenbaren Derwisch Jim Morrison hören, wem kann Queen tatsächlich ohne den ewig großen Freddy Mercury gefallen? Eben. Da ist es fast ein Segen, dass sich mit John Lennon und George Harrison die Hälfte der Beatles zu früh ins Nirwana verabschiedeten, dass sich Nirvana-Frontmann Kurt Cobain im sagenumwobenen 27. Lebensjahr in den Musikerhimmel verabschiedete – und seine beiden verbliebenen Bandmitglieder Krist Novoselic und Dave Grohl die Grunge-Heroen vor zwei Jahren mit einer (hoffentlich) einmaligen Reunion-Show im Rahmen der Einführung der Gruppe in die „Rock and Roll Hall of Fame“ mit Gastsängerinnen wie Joan Jett, St. Vincent, Lorde oder Kim Gordon endgültig ad acta legten. Apropos: Was machen nun eigentlich Led Zeppelin? Deren Gitarrist Jimmy Paige würde ja nichts lieber tun, als deren monumentales Erbe für ein Comeback nach dem Comeback (die einmalige Show 2007 in der Londoner O2 Arena) auf Spiel zu setzten. Glücklicherweise stellt sich Sänger Robert Plant dem ganzen Reibach (bislang) vehement in den Weg, weiß er doch, dass die Band spätestens seit dem Tod von Schlagzeuger John „Bonzo“ Bonham im Jahr 1980 ausgespielt hat. Unterm Strich darf jedoch gelten: Ist der Ruf erst ruiniert, tourt es sich ganz ungeniert…

Foto: Dustin Rabin / Promo

Foto: Dustin Rabin / Promo

Nun sind Refused bei all diesen großen Namen, in dieser Aneinanderreihung mehr oder minder legendärer Bands vergleichsweise kleine Lichter. Und trotzdem haben die Hardcore-Punks aus dem schwedischen Umeå 1998 ein Stückweit das Musikgeschäft auf den Kopf gestellt, als sie der Welt unvermittelt ihr drittes – und für 17 lange Jahre letztes – Album „The Shape Of Punk To Come“ vor den Latz knallten. Darin enthalten: zwölf Stücke, hochpolitisch und auf bittere Art und Weise ebenso zeitgeistlig wie zeitlos, ein purer Genre-Mindfuck aus alles und jedem, sodass man nach 55 Minuten derart geplättet und aufgewühlt war, dass man gleich zum Barrikadensturm auf Pflastersteinbett loslegen wollte. Ja, an „The Shape Of Punk To Come“ riss sich seitdem jede Band, die auch nur versuchte, stilistisch in dessen Nähe zu kommen, erfolglos den Allerwertesten auf. Ein Klassiker? Ohne Umschweife – und das nicht nur wegen dem Instant Hit „New Noise„, dessen dengelndes Gitarren-Intro auch fast zwanzig Jahre später alle Jungen und jung Gebliebenen auf die Tanzflächen von Indiedissen zwischen Stadt und Land zieht, um den Boden innerhalb weniger Augenblicke in einen Moshpit aus umher fliegenden Armen und Beinen zu verwandeln. Unerreicht? Sicher. Greifbar? Noch heute nicht. Noch größer wurde das Album nur, nachdem Refused während der Tournee zum Werk nahezu unvermittelt den Stecker zogen und die Welt in einem abrechnenden Abschiedsbrief wissen ließen: „Wir hoffen, dass wir der letzte Nagel im Sarg des faulenden Kadavers namens Popmusik sein konnten.“ Aus, Schluss, vorbei. (Und man munkelte, dass unerfüllte Erwartungen und interne Spannungen für den Split verantwortlich waren.) Für lange Zeit schien eines unumstößlich: Refused are fuckin‘ dead.

51N5GAQDZRLDass die Band im Jahr 2012 ein – freilich umjubeltes – (Bühnen-)Comeback wagte, dürfte zumindest bei dessen charismatischem Frontmann Dennis Lyxzén nicht an dessen vermeintlicher Unterbeschäftigung gelegen haben, immerhin hatte der heute 43-Jährige nach dem Ende von Refused mit den nicht minder tollen Garage-Rockern von The (International) Noise Conspiracy oder The Lost Patrol Band, die 2003 das ewig großartige Northern-Alt.Country-Meisterwerk „Songs About Running Away“ in die Plattenläden stellten und erst kürzlich eine Transformation zu Power-Punkrockband INVSN durchmachten, – um nur mal zwei von Lyxzéns Bands zu nennen – genug musikalisches Projekte um die Ohren. Nein, die Band machte von Anfang an keinen großen Hehl daraus, dass die umfassende Tournee durch viele große Festivals (ich hatte etwa die Gelegenheit, die Schweden vor drei Jahren bei dänischen Roskilde-Festival zu sehen) eindeutig finanziell motiviert war. Natürlich darf auch ein Musiker, darf eine Band jederzeit seinen „Rücktritt vom Rücktritt“ erklären, darf wieder auf Tour gehen, um damit Geld zu verdienen – Miete, gewisse Freiheiten und die täglichen Brötchen für die Familie müssen ja auch irgendwie bezahlt werden. Wie titelten einst die Manic Street Preachers so großartig: „Freedom of choice won’t feed my children“. Und doch hinterlässt gerade bei einer Band wie Refused, die sich zu Zeiten ihrer ersten Bandphase zwischen 1991 und 1998 immer eindeutig links (man mag bei dem ein oder anderen Text aus Dennis Lyxzéns Feder unumwunden von Faszination für die Ideale des Kommunismus sprechen/schreiben) präsentiert hatte, eine dem schnöden Mammon geschuldete Entscheidung ein überaus schales Gefühl. Wurde da gerade der erste Nagel wieder aus dem modrigen Sargdeckel gezogen? Nach den Konzerten von 2012 schien die Band aber schon wieder die Hardcore-Schaunze voll zu haben. „We’re going home and we’re doing it in style“. Einfach so? Einfach so.

Nun aber: der Rücktritt vom Rücktritt vom Rücktritt. Und diesmal nicht nur auf Konzertbühnen, sondern sogar mit einem neuen Album. „Freedom“ haben die vier Schweden Dennis Lyxzén (Gesang), Kristofer Steen (Gitarre), Magnus Flagge (Bass) und David Sandström (Schlagzeug) ihr erstes Studiowerk seit geschlagenen 17 Jahren vielsagend betitelt. Was wohlmöglich schwerer wiegt: nicht nur Gitarrist Jon Brannström hatte darauf keinen Bock und verließ die Band, sie haben sich mit Landmann Karl Schuster (aka. Shellback) einen Mann als Co-Songwriter und Produzenten ins Boot geholt, der vorher eher mit glattgebügelten Pop-Konserven á la Maroon 5 oder Taylor Swift zu tun hatte – wenn auch nur für zwei der zehn neuen Stücke (den Rest der Produktion übernahm der schon eher Indierock-kredible Nick Launay). Trotzdem: gerade bei den ehemaligen ultralinken Politrock-Vortänzern von Refused legen spätestens seit dem Meilenstein „The Shape Of Punk To Come“ sowohl Fans als auch die gesamte Journailie (Print, Online, sonstwo) jeden Akkord, jede Silbe, jede musikalische Wasserstandsmeldung auf die Goldwaage. Was auch völlig legitim ist, immerhin hatte sich die Band Ende der Neunziger mit markigen Worten Knall auf Fall aus dem Musikgeschäft verabschiedet. Capitalism stole their virginity also? Bring it on…

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Dass die 43 Minuten neuer Musik bei der Debatte um das Für und Wider der Rückkehr dieser (einstmals) mit so hohen, hehren (politischen) Zielen gestarteten Band zurückstecken müssen, bleibt nahezu unvermeidlich. Dass „Freedom“ gegen seinen monumentalen Vorgänger einfach nur verlieren kann, ebenso. Trotzdem passiert in dem ein oder anderen neuen Stück so allerhand. Dabei erweist sich das Eröffnungsstück „Elektra“ (entstanden gemeinsam mit Shellback) mit metallischer Hardcore-Schlagseite als der mit Abstand konventionellste Song auf dem neuen Werk, sodass fast en wenig Studioluft von „The Shape…“ herüber weht. Bereits Song Nummer zwei, „Old Friends / New War“, ist ein mit verstörend verzerrter Stimme eingeleiteter, unter allerlei Effektgewitter begrabener akustischer Protestsong, der trotz leiernder Westerngitarren und Rap-Parts eingängig daherkommt. „Dawkins Christ“ beginnt mit verträumt-bedrohlichem Frauengesang und ist danach einfach nur pure Wut, „Françafrique“ beschert uns einen – leider albernen – Kinderchor, untergelegte Beats, Red Hot Chili Peppers-Funk-Gitarren und Pop-Refrain (ähnlich wird’s später noch einmal bei „366“) wieder einen dieser grenzgenialen Refused-Momente. „Just another word for genocide“ hallt es zum Ende zudem gewohnt bitter und zutiefst politisch aus den Boxen – ein Musik-Text-Kontrast, der (bewusst) verstört. Der Chili-Peppers-Funk fegt dann noch einmal das feine „Servants Of Death“ durch, bevor das sechseinhalbminütige „Useless Europeans“ den verschrobenen halbballadesken Rausschmeißer spielen darf. Dazwischen: viel Wut, ab und an Experimente, eine Prise Hardcore-Pop, jedoch auch reichlich Füllmaterial, das den Hörer dezent ratlos zurück lässt. Wie übrigens auch Dennis Lyxzéns Texte, die mal von „denen da oben, uns da unten“ erzählen möchten, mal „Schwerter zu Pflugscharen“ schmieden möchten, mal die ehemals linken Barrikaden wieder neu hochzuziehen scheinen, um allem zwischen Globalisierung, Völkermord und kaltem Kapitalismus die Stirn zu bieten (Überraschung, Überraschung: der Hund beißt sich in den eigenen Schwanz!). Plattitüden? Leider viele. Refused ziehen derweil unter Krawall weiter die Nägel aus dem eigenen Sarg. Opa Hardcore schüttelt sich kurz. Und riecht so schön modrig nach den Neunzigern. Entdecke die Möglichkeiten…

 

Hier kann man sich mit den Musikvideos zum Albumopener „Elektra“, zu „Françafrique“ sowie zu „Dawkins Christ“ bereits einen ersten Vorgeschmack von „Freedom“ machen:

 

 

Desaparecidos – Payola (2015)

87379_desaparecidos-erschienen bei Epitaph/Indigo-

Dabei zeigen die Desaparecidos mit ihrem Comeback-Album „Payola“, wie man es so viel besser machen könnte…

Obwohl: „Comeback“? Immerhin war Desaparecidos-Frontmann Conor Oberst nie weg. Viel mehr noch: der heute 35-Jährige ist Musiker aus Beruf und Berufung, veröffentlicht seit jungen Teenager-Jahren Platte um Platte, Single um Single – zuerst allein, dann mit seinem immer umfangreicher gestalteten Bandprojekt Bright Eyes (neun Alben seit 1998, das letzte, „People’s Key“, erschien 2011), zwischendrin und später solo (ebenfalls mehr oder minder neun Werke seit den frühen Neunzigern), nebenan als Teil anderer Bands, wie etwa den Monsters Of Folk, zu denen unter anderem auch My Morning Jacket-Kopf Jim James oder Alt.Country-Barde M. Ward gehör(t)en (das selbstbetitelte Debüt erschien 2009). Und da Oberst mit seinem Werdegang vom gefeierten Indie-Wunderkind der Nullerjahre zum krediblen Singer/Songwriter (mit einem kurzen Abstecher in die Klatschspalten durch seine zeitweise Beziehung zu Schauspielerin Winona Ryder) und verheirateten Familienvater nicht ausgelastet war, machte er sich als Mitbegründer des kaum weniger krediblen Indie-Labels „Saddle Creek“ oder als Vertreter humanistischer wie politischer Botschaften einen Namen (etwa als Befürworter von PETA oder der Wahl des demokratischen Kandidaten Barack Obama zum US-Präsidenten im Jahr 2008).

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Eines von Obersts musikalischen Ventilen zur Zementierung eindeutig politischer Botschaften waren in der Vergangenheit die Desaparecidos. Die tragen das Statement ja per se bereits im Namen: „Die Verschwundenen“ – in Mittel- und Südamerika seit jeher ein trauriger Sammelbegriff für all jene, die mutmaßlich dem Krieg aus Drogen und Korruption zum Opfer gefallen sind. Bereits 2002 machte die Band aus Nebraska von sich reden, als sie mit „Read Music / Speak Spanish“ ein fröhlich-angepisstes, knapp 36-minütiges Stück Musik veröffentlichte, das perfekt aus Rooster ihres (damaligen) Stammlabels „Saddle Creek“ passte: vom Klang her zutiefst im ehrlichen Lo-fi-Sound der Neunziger verhaftet, als „Emo“ noch mit Bands wie Fugazi, Mineral, Knapsack oder Sunny Day Real Estate verbunden schien und weniger mit dem späteren hohlen Kajal-Bombast á la My Chemical Romance, von den Texten her abgrundtief zeitgeistig und auf beissende Art und Weise politisch. Und mitten drin Conor Oberst, der bei den Desaparecidos wohl zum ersten Mal seine Bright Eyes-Weinerlichkeit abschütteln konnte, um in den hektischen Songs von „Read Music / Speak Spanish“ (ganz groß, noch immer: „Greater Omaha“) den politischen Post-Hardcore-Schreihals heraus zu kehren. Dennoch blieb die Band ein zeitweises Projekt mit Liebhaberwert, von der sich Oberst, dieser umtriebige Tausendsassa, schnell abwendete, um fortan sowohl Bright Eyes (drei Jahre nach dem Desaparecidos-Debüt setzte er sich mit dem vielseitigen Album-Doppelschlag aus „I’m Wide Awake It’s Morning“ und „Digital Ash In A Digital Urn“ bereits früh selbst ein musikalisches Denkmal) als auch sich selbst zu festigen.

Erst acht Jahre darauf fand Conor Oberst wieder Zeit für seine Desaparecidos. Im Juli 2010 fand die Band für einen zunächst einmaligen Auftritt im Rahmen eines Charity-Konzerts im heimischen Omaha wieder zusammen. Man mag’s wohl der Energie zuschreiben, die die fünf Köpfe der „Verschwundenen“ an diesem Abend wieder gespürt haben dürften, denn schon zwei Jahre darauf veröffentlichte die Band in unregelmäßigen Abständen insgesamt sechs neue Songs als Singles. So überraschend also kommt das zweite Album „Payola“ also gar nicht, immerhin gab es ja drei Siebtel des Werkes schon vor Jahren zu hören.

www.LindseyBest.com

Foto: Lindsey Best / Promo

Trotzdem – oder: überhaupt – ist es schön, dass die Desaparecidos nun nach 13 Jahren auch ihre Rückkehr im Albumformat feiern. Warum? Nun, man nehme nur einmal die Einstiegszeilen des ersten Songs „The Left Is Right“ (der bereits vor zwei Jahren als Single erschien): „It begins when we chain ourselves to the ATMs / Make a mess when we pitch our tents on the statehouse steps / Now we’re taking it, now we’re taking it back / Now we’re taking it, now we’re taking it back / For the greater good / Goddamn Robin Hoods“. Dazu gehen Oberst und seine vier Verbündeten mit schneidenden Gitarren, zackigen Melodien und rumpelnden Drums noch rotziger, noch direkter zu Werke als noch 2002. Die Band vermittelt eindeutige Botschaften, schlägt sich auf die Seite von Hackern und der Occupy-Bewegung, wettert gegen rechte, kleingeistige Ideologen und leicht zu Radikalisierende, womit ausdrücklich auch diejenigen gemeint sind, die daheim via Facebook aus der Anonymität heraus dümmliches Gedankengut verbreiten. Die Stücke von „Payola“ legen Finten zu tatsächlichen Ereignissen und Missständen, poltern gegen Turbokapitalismus, Konsumterror und Überwachungsstaat, erzählen vom Kampf Davids gegen Goliath, schwärmen von Aufruhr und Widerstand. Dabei bedienen sie sich zwar der bekannten Topoi des Politpunk, übersetzt diese aber wunderbar ins Hier und Jetzt: „So we buy and we sell for your corporate cartel/ And we vote when the contestant sings/ A mind control mix for our obedience/ Strong sleep aids and hard energy drinks“. Der Frust ist real, und Krach nötig. Notfalls auch, wie in „Ralphy’s Cut“ oder „Radicalized“, bis die Saiten und Stimmbänder zu Bruch gehen.

Nein, die Welt, sie ist keine bessere als damals, 2002, unter der US-Führung und dem damaligen US-Präsidenten George W. Bush. Auch unter dem vorab gefeierten vermeintlichen Hoffnungsträger Barack Obama nicht. Umso wichtiger sind die Songs von „Payola“, welches zwar auf „Epitaph“, dem Punk-krediblen Label von Bad Religion-Gitarrist Brett Gurewitz, erscheint (wie übrigens das Refused-Comebackwerk auch), für das jedoch der „Saddle Creek“-Haus-und-Hof-Produzent Mike Mogis wieder die Studioregler bediente, während Conor Obersts Kumpel Tim Kasher (The Good Life, Cursive) einen kleinen Gastauftritt abliefert (beim Song „City On The Hill“, anderswo gibt es auch Against Me!-Frontfrau Laura Jane Grace zu hören). Und ehrlich: bei allem gebotenen Ernst macht all das verdammt viel Spaß. Man merkt deutlich, wie sehr diese Band gefehlt hat. Scheiß doch auf Comebacks – solange die Desaparecidos nie, nie mehr verschwinden…

 

„Payola“ gibt es hier (va NPR) im Stream…

…desweiteren kann man sich das Musikvideo zu „City On The Hill“ zu Gemüte führen:

 

 

Rock and Roll.

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