Schlagwort-Archive: Berlin

Song des Tages: TWINS – „Bathroom“


79281017_805386429905637_1850715156036714496_o

Foto: Facebook

Es ist noch keine zehn Lenze her, da galt eine Band aus der sächsischen Provinz als Newcomer-Speerspitze wenn es darum ging, juvenile Emo-Gefühligkeit mit ausreichend verqueren Elementen aus Punk, Indie Rock, Screamo und Post Hardcore zu einen: MIKROKOSMOS23. Im Jahr 2005 in der recht beschaulichen Porzellan-und-Hahnemann-Stadt Meißen gegründet, entwickelt sich das aus Peter Löwe (Gesang, Gitarre), Tom Pätschke (Schlagzeug), Mathias Starke (Gitarre) und Steffen Oks (Bass) bestehende Quartett schnell zum potenten Geheimtipp der bundesdeutschen Alternative Rock’n’HC-Szene, produziert bereits den 2010 erschienenen zweiten Langspieler „Memorandum“ mit niemand Geringerem als Blackmails Sechs-Saiten-Schwinger Kurt Ebelhäuser, tourt fleißig durch die Indie-Clubs und AJZs der Republik, schiebt alsbald, 2013, mit „Alles lebt. Alles bleibt.“ Album Nummer drei nach (beide Werke gibt’s übrigens via Bandcamp im Stream sowie als „name your price“-Download). Gerade jenes wusste mit seiner Mischung aus frühen Kettcar und Captain Planet, mit seiner klanglichen Melange aus Blackmail, Muff Potter oder Adolar und den mal persönlich anmutenden, mal intellektuell müffelnden Texten, bei denen sich damals nicht nur die VISIONS fragte, „was so schief gelaufen ist, dass man sich sein Leben von einem anti-altklugen Campuspoeten wie Löwe erklären lassen muss“ (obgleich die anderswo gezogenen Vergleiche zu Kettcar-Vorsteher Marcus Wiebusch wohl nicht allzu weit an den Emotional-Harcore-Härchen herbei gezogen waren), zu überzeugen. Ja, da war man sich allerorten unisono einig: MIKROKOSMOS23 dürfte eine vielversprechende Zukunft bevorstehen. Nur kam Löwe, Pätschke und Co., die ihre musikalische Homebase mittlerweile ins deutlich größere, deutlich bekanntere, indie-szenisch deutlich besser vernetzte Dresden verlagert hatten, wohl der schnöd-unrockenrollige Alltag dazwischen, was dazu führte, dass der Vierer zwar mal hier, mal da versprach, an Album Nummero vier zu werkeln, schließlich allerdings – eine One-Time-Show bei der Hochzeit ihres Schlagzeugers mal außen vor – ihre gemeinsamen Aktivitäten bis heute aufs kreative Abstellgleis schob. „Life is what happens to you while you’re busy making other plans.“ – das wusste schon der olle Lennon-John…

a1551146331_16Umso überraschender, dass MIKROKOSMOS23 nun irgendwie und ebenso unerwartet ihr Comeback feiern. Obwohl: mit Tom Pätschke und Steffen Oks sind lediglich zwei Viertel der einstigen Anfangszwanziger-Indie-Radau-Hoffnungsträger bei den Quasi-Newcomern TWINS mit am Start. Und ebenjenes Vierergespann mit Zentrale in der sächsischen Landeshauptstadt und weiteren kreativen Zelten in Leipzig und Berlin knüpft mit (s)einer Mischung aus Indie-, Noise- und Mathrock sowie Hardcore gleich auch bestens an die gesteckten Pfade der Vorgänger-Band an. Hinter jeder Ecke lauert eine weitere Ecke und dann noch eine und dann brüllt einer heiser und dann twinkeln die Gitarren ein bisschen und dann ist man bereits nach den ersten Vorboten „Library“ und „Bathroom“ schnell überzeugt: Mit dem für den 14. Februar angekündigten Debüt „Soon“  kommt eine der vielversprechendsten Platten des noch jungen Musikjahres auf die versammelte Post-Hardcore-Gemeinde zu. Bekannteste Verwandte: Blood Brothers, At The Drive-In, die alten Pianos Become The Teeth. Ja klar, meinetwegen könnte der Gesang ein bisschen cleaner sein, ansonsten gefällt’s: sehr.

 

Schlagzeuger Tom meint zur Entstehung des frisch veröffentlichten Musikvideos zu „Bathroom“: “Für unser erstes Musikvideo, welches wir komplett selbst geschrieben und produziert haben, sind wir 3 Tage voll beladen, mit Greenscreens unter den Armen zwischen unzähligen Locations hin und her gesprungen. Und dank all der Szenen, die dabei entstanden – irgendwo zwischen Supermärkten, Basketballfeldern, Clubs, Bibliotheken, Wäldern usw. – ist das ganze Video nun eine Art Kaninchenbau geworden, der letztlich wunderbar zu uns passt: alles ist wild und durcheinander – wie ein komischer, mitreißender Strudel. Und tatsächlich ist das sogar eine ganz gute Analogie für die gesamte Art wie wir als Band denken und schreiben: durchdenken, ausprobieren, verwerfen, von vorn anfangen, neu denken, wiederholen. Wie kreisende Gedanken – Viel. Zu. Kompliziert.”

 

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Chefket – „Wir“ (Akustik Session)


HrKk9kpTURBXy9iZjU5M2ZlYjBhNGRhNGY0ZDliZmNiYTQ2ZDhmMTIzZC5qcGeSlQMAzQK7zQvQzQalkwXNBLDNAnaCoTABoTEA

Wenn man so mag, war Chefket zu Zeiten der Veröffentlichung seines Major-Label-Debüts „Nachtmensch“ im Jahr 2015 so etwas wie der wohl älteste Newcomer im Deutschrap. Mit heute 38 Lenzen ist der aus dem schwäbischen Heidenheim an der Brenz stammende Deutschtürke beispielsweise knappe zehn Jahre älter als sein Essener Kollege 3Plusss. Şevket Dirican nach nunmehr vier Studioalben, einer ganzen Reihe von EPs und Mixtapes, Support-Shows für deutlich bekanntere Hip-Hop-Größen wie Marteria, Samy Deluxe oder Jan Delay sowie seinen zahlreichen Beiträgen zu Alben und Songs prominenter Kollegen tatsächlich noch als „Newcomer“ zu bezeichnen, ist indes reichlich fresh… ähm: frech. Auch mit seinem gesellschaftlichen Engagement, etwa für die Linksjugend, hat sich der Wahlberliner einen Namen als „größter Zeigefinger Deutschlands“ gemacht. Warum zum Geier ist der Typ also kein Star? (Und – Spoiler, Spoiler! – leider auch mit seiner vierten Platte „Nachtmensch“ keiner geworden?)

R-7350475-1439540313-9285In „Rap & Soul“, Vorab-Appetizer und gleichzeitig Opener von Chefkets jüngstem Werk (zu dem auch ein Remix mit Promi-Features von Joy Denalane, Max Herre und Xatar existiert),  erklärt der Wahlhauptstädter seine augenzwinkernde und durchaus nachvollziehbare musikalische Prämisse: Rap allein macht auch nicht glücklich. Jetzt aber einen weiteren huttragenden Flummi im Textmarker-Outfit à la Jan Delay zu erwarten, wäre nicht nur reichlich öde, sondern schlichtweg bescheuert. So geht „Nachtmensch“, welches in Zusammenarbeit mit Beat-Bastler Farhot („Chabos wissen wer der Babo ist.“) entstand, im Gros herrlich unaufgeregt mit seinen Neo-Soul-Einflüssen à la Gnarls Barkley um. Wenn hier einmal die Trompete gezückt wird, dann nicht um feurige Fanfaren zu blasen, sondern um der Stimmung weitere – jawollja! – Deepness einzuhauchen. Und so gelingt dem Rapper gleich zu Beginn von „Nachtmensch“ ein Tiefschlag gegen das Profane: Mit Hammond-Orgel, pendelnd zwischen Single- und Double-Time, zeichnet Chefket auf, was er vor hat, zitiert einige seiner Lieblingskünstler und erklärt die Runde für eröffnet, ohne dabei gleich zum ultimativ-lachhaften Bling-Bling-Schwanzvergleich zu fordern: „Ich bin Rap, ich bin Soul, ich bin Jazz, Rock ’n‘ Roll / Ich bin cool, easy, Chef, du bist high, denn ich bin dope.“

Gleich anschließend zeigt er auf, was der vorherige Track schon anklingen ließ, und positioniert sich als „Glücklichster Rapper„: „Alle prahlen die ganze Zeit und sagen, sie hätten viel Geld / Aber Chefket ist der glücklichste Rapper der Welt“ lautet die Quintessenz seiner Zeilen über dem dissonanten Gummi-Beat, die klarstellen, wie sehr der Rapper auf den Fame (leider) artverwandter Sonnenbräune-und-Protzkarren-Besitzer scheißt – und das kauft man diesem Typen – Deutschtürken-Klischee hin oder her – nur allzu gern ab. Im Soul-Titel „Fliegen“ indes, genau wie im argwöhnischen „Nachtmensch“ und im depressiven „Kater“, gibt sich Chefket weitaus nachdenklicher, spricht von der Sehnsucht nach dem High-Sein, der Schlaflosigkeit und dem Katzenjammer im Nachgang. Mit dem leicht pathetischen „Träume“ (das mit einem Melody Gardot-Sample aufwartet) berappelt er sich und formuliert sein eigenes kleines „Die Gedanken sind frei„, um sich anschließend ins Getümmel zu stürzen und sich selbst zu sagen: „Lass gehn'“. Mit Handclaps und schwungvollem Rhythmus bringt er ein Schippchen Jackson Five ins Geschehen ein, denn für eine Nacht wird mit zufälligen Club-Bekanntschaften getanzt und nicht länger übers Grüblerische nachgedacht. Auf dem Fuße folgt der urbanen Party jedoch wieder die große Infragestellung, bis sich schließlich das hörenswerte „Wir“ zeitlos (leider) wichtigen Themen wie Vorurteilen, Integration, Identität und Rassismus widmet (und damit dem verwandten, anno 2018 deutlich zu kurz gekommenem Eko Fresh-Song „Aber“ recht nahe steht) und „Immer mehr“ erklärt, wie es sich eben so verhält mit dem Leben: Streben, fallen, weitermachen.

So liefert Chefket ein Album voller Schwankungen, welches dennoch zur kurzweilig-runden, stellenweise dezent melancholischen Sache wird, indem es sich mit dem Gang der Dinge anfreundet und seine Kraft aus der Bipolarität zieht, während über allem die Aussage vom Anfang steht: Glücklichsein ist umstandsunabhängig. Dass Chefket damit einmal mehr nicht der große (kommerzielle) Durchbruch gelang und er mit „Nachtmensch“ eben nicht den Charts-Mainstream enterte, mag zwar zunächst für ein wenig Kopfschütteln sorgen – wenn man jedoch auch nur kurz ein, zwei Ohren bei unsäglichen Autotone-Kaspern wie Capital Bra und Co. riskiert, ist schnell alles klar… Dann doch lieber ein durch und durch exzellenter, mit einem feinen Flow gesegneter Rapper wie Chefket, der sich auch für seinen Soul-Stimme keineswegs verstecken muss, und dessen jüngste Auseinandersetzung mit der (zumindest nach außen) ach so weltoffenenFridays For Future“-Clique oder seine eigenen Erfahrungen mit (potentiellem) Alltags-Rassismus ihn nicht unbedingt weniger sympathisch erscheinen lassen. Guter Mann.

 

Sehr zu empfehlen: Chefkets 2016er „Nachtmensch (Akustik EP)„, auf der er fünf Stücke aus „Nachtmensch“, nur von Klavier, Geige und einer Background-Sängerin begleitet, im reduzierten Gewand in den Berliner Red Bull Studios neu interpretierte (und wer weiterlesen mag, dem sei dieses im Zuge von „Nachtmensch“ auf tagespiegel.de erschienene Porträt nahegelegt):

 

Wenn du wissen willst wie Deutsche leben, geh‘ und frag‘ sie
Und wenn du mal mit ihnen streitest, nenn‘ sie nicht einfach ‚Nazi‘
Ja, es gab sie, es gibt sie und es wird sie immer geben
Steiger‘ dich nicht rein, denn die meisten sind dagegen
Wenn du wissen willst wie Türken leben, geh‘ und frag‘ sie
Aber nicht in ’nem Dönerladen oder im Taxi…

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: City At Dark – „One By One“


city-at-dark

Die Schwarz-Weiß-Motivik in der Kunst mag einerseits als Ursprung von Vielem gelten, andererseits fasziniert sie Menschen auf der ganzen Welt schon seit eh und je – und so auch heute noch. Sei es in modernen Filmen wie „Sin City“ und dem unlängst angelaufenen „The Lighthouse“, in der Fotografie mit Künstlern wie Henri Cartier-Bresson und Ansel Adams – oder eben in der Musik. Mit City At Dark scharrt nun eine weitere Band, der sich derartige Motiviken zueigen macht, mit den Hufen…

R-14431522-1574409995-4369Das in Berlin ansässige Duo, bestehend aus der Wiener Künstlerin Laura Landergott (Ja, Panik) und dem aus Tel Aviv stammende Gitarristen Yair Karelia (Mystical Communication Service), das sich, als sie 2017 ihre erste EP „Hunt Like Lions“ veröffentlichten, noch RÁN nannte, präsentiert mit seinem selbstbetitelten Debütalbum ein atmosphärisches und stellenweise experimentelles Werk, welches von Laszivität und düsterem Art-Pop durchzogen ist. Bewusst träumerische und entschleunigt arrangierte Beats verstärken die Ästhetik, die das Artwork mit sich bringt. Produziert wurde „City At Dark“ von Dirk Feistel, der unter anderem bereits mit Black Rebel Motorcycle Club zusammenarbeitete.

Die zehn Songs, die ihre Inspiration aus dem mysteriösen und abgründigen Nachtleben Berlins beziehen, eint eine einnehmende Tiefe, die nicht nur sehr artsy-fartsy künstlerisch daher kommt, sondern mit seinen Versatzstücken aus Psychedelic, Indie, Dark Wave und ein wenig Post Punk auch irgendwie einzigartig tönt. City At Dark sind ein weiteres Beispiel dafür, wie faszinierend und anziehend die nächtliche urbane Düsterkeit sein kann. Sinnlicher Pop-Noir mit konsequenter Schwarz-Weiß-Ästhetik, der aus treibenden Beats, pochenden Bässen und knarzenden Gitarren einen sogartigen Klangteppich bildet, auf dem sich der (im besten Sinne) einlullende Gesang von Laura Landergott ausbreitet – stellenweise lässt einen diese sinistre Melange an sinnverwandte Bands wie The Kills oder July Talk denken. Und wenn dann noch, wie im tollen „One By One“, eine sympathisch offenkundige Foo-Fighters-Hommage dazukommt, hört man gern etwas näher hin…

 

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Lucas Laufen – „I Know Where Silence Lives“


180921-LucasLaufen-Berlin-7331

Tolle Töne fürs auf Herbst und Winter geeichte Gemüt: „I Know Where Silence Lives“, nach „A Million Miles From Love“ die zweite Single aus dem in der vergangenen Woche erschienenen Debütalbums gleichen Titels des australischen Singer/Songwriters und Wahlberliners Lucas Laufen. Mit intimen Folk-Melodien und (s)einem zart gehauchten Säuseln nimmt der klischeemäßig bärtige Barde den Hörer mit an einen Ort, an dem wir unsere innere Stille finden und vielleicht, vielleicht sogar dem ewigen Lärm unserer Gedanken entkommen können…

911dKVMLFdL._SS500_Die Idee zum Song entstand, als Lucas Laufen, der ursprünglich aus Port Lincoln im Süden Down Unders kommt, auf einem Vogelbeobachtungsturm an der Grenze zwischen den Niederlanden und Deutschland stand und auf das Meer blickte: „Es war das erste Mal seit Monaten, dass ich den Ozean sah, und ich dachte mir: An diesem Ort lebt die Stille! Der Wind war sehr stark, sodass es in dem Moment eigentlich gar nicht so leise war. Aber ich fühlte mich sofort zuhause – alleine, umgeben von der salzigen Luft. Die Stille bezieht sich also mehr auf ein Gefühl des inneren Friedens, als auf die akustische Stille selbst.

Von diesem Gedanken ausgehend, strickte Lucas die Story mit persönlichen Details aus seinen zwischenmenschlichen Beziehungen weiter. Er erinnerte sich an seine Kindheit in Australien und daran, wie sein Vater immer früh morgens aufstand, um einen ruhigen Platz zu finden, an dem er innehalten konnte, bevor der Rest der Welt die Augen aufmachte. „Ich sehe ihn noch heute alleine hinunter zum Strand laufen und ich verstand nie genau, warum er dies tat. Erst mit dem Schreiben dieses Songs begriff ich es in Gänze und lernte, diese Momente der Stille ebenfalls zu schätzen. Das Komponieren des Songs zog sich über ein Jahr hin, was sehr unüblich für mich ist. Normalerweise ziehe ich es vor, ein Gefühl an Ort und Stelle in Musik zu verwandeln, da der Song sonst seine Bedeutung verliert, wenn man jenes Gefühl über die Zeit dahinziehen lässt. Es war also mein Versuch, sein Leben und seine Art besser erfassen zu können. So fand ich heraus, dass wir uns sehr ähnlich sind und das dient mir jetzt auch als Anker, wenn ich einmal nicht weiß, wie es weiter gehen soll.

Dennis Schischke, der Regisseur des wundervoll inszenierten dazugehörigen Musikvideos, setzt dabei eine junge Frau in Szene, die sich dazu entschließt, die „giftige Stadt“ zu verlassen, um ihre eigene persönliche Stille inmitten der norwegischen Natur zu suchen: „Der Clip startet in einem ernsten Setting, in dem die Schauspielerin Leona Grundig – offenbar gestresst vom Verkehr und Lärm – den Eindruck erweckt, das Gefühl zu haben, zur falschen Zeit am falschen Ort zu sein. Doch ihre Stimmung scheint sich mit jedem Meter in Richtung ihres Ziels aufzumuntern. So verändern sich auch die Farben ihrer Kleidung. Innerhalb des Videos werden drei Portraits von ihr gezeigt, während das letzte davon ihr Reiseziel – ihre eigene Zufriedenheit – darstellt.

 

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Hope – „Kingdom“


hope-kingdom

Wie ist das eigentlich, wenn ein Stern geboren wird? Ist das so: ZACK – jetzt ist er da? Oder trifft man hier eher auf Stoff für allerlei philosophische Ei-meets-Huhn-Grundsatzdebatten: Muss sein Licht erst die Erde erreichen, damit er lebt?

Es sind so Fragen, die seelenruhig durchdacht werden können, wenn die gravitätische Musik von Hope aus den Lautsprechern (respektive: Ohrmuscheln) rauscht. Denn das tut sie: rauschen. So als wäre Wind im Schaltkreis der Instrumente. Als würde dieser Wind da irgendetwas verzerren. Und dann baut sich im Rauschen der Instrumente, ganz allmählich, ein Rhythmus auf. Irgendetwas lauert. Unprätentiös kommt Gesang dazu, dessen Reinheit alsbald in endloser Verzerrung verloren geht. Eine Art Erleuchtung. Besser als die Geburt von Sternen? Wer weiß…

folderSphärisch, düster, gravitätisch – die Musik der vierköpfigen Berliner Dark-Wave-Band Hope fühlt sich auf dem 2017 erschienenen selbstbetitelten Debütwerk (bei welchem passenderweise Olaf Opal an den Produktionsreglern saß) ein bisschen an wie Frost auf der Haut, stellt Haare auf. Irgendwie kann man sie einatmen, riechen, schmecken und fühlen. Dichter flächendeckender Sound irgendwo im Spannungsfeld zwischen Dark Wave, Gothic und Industrial, wabernde Synthesizer, noisige Gitarren, dezente Percussion und eine Stimme, die unaufgeregt stellenweise an Björk, Savages-Chanteuse Jehnny Beth oder Karen O (Yeah Yeah Yeahs) erinnert. Schon bei „Kingdom“, der vereinnahmenden Eröffnungsnummer des Albums, wird deutlich: Christine Börsch-Supan (Gesang), Phillip Staffa (Gitarre), Martin Knorz (Keyboards, Synthesizer) und Fabian Hönes (Schlagzeug) möchten Musik machen, die provoziert, die aneckt, die sich kaum greifen lässt und gerade deshalb umso mehr  halbschattene Grenzen abseits radiokonformer Null-Acht-Fünfzehn-Pfade auslotet.

 

Um das Ganze zu toppen und visuell entsprechend darzubieten, hat der Mailänder Regisseur Riccardo Bernardi für ebenjenes „Kingdom“ ein düsteres Video-Kunstwerk geschaffen, welches Christine Börsch-Supans selbsterschaffenem “Königreich der Zwänge” eine entsprechende Bühne bereitet. Eine Vision, die sich auf schmalem Grat zwischen Faszination und Verstörung bewegt…

 

…und auch live kaum weniger einnehmend tönt:

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Song des Tages: Damien Rice, Mariam Wallentin & Cantus Domus – „Astronaut“ (live)


Damien-Rice-1200x600

Das Gastspiel von Damien Rice beim „37d03d Festival“ im Berliner Funkhaus im August 2018 mag zwar bereits ein gutes Jahr zurückliegen, doch erst jetzt erschien auf La Blogothèque ein Ausschnitt aus ebenjener Show des (im Grunde beinahe schon) legendären irischen Singer/Songwriters, der seit Genre-Meilensteinen wie „O“ (2002) oder „9“ (2006) ohnehin niemandem mehr etwas beweisen muss.

Den neuen Song „Astronaut“, welcher vorher nur im Zuge einer Instagram-Live-Session, die Damien Rice auf einem Segelboot mitten im Mittelmeer im Zuge seiner „Wood Water Wind“-Tour im Juli 2018 präsentierte, zu hören war, gab Rice in Berlin gemeinsam mit der schwedischen Musikerin Mariam Wallentin sowie dem deutschen Chor Cantus Domus (Rice-Nerds kennen diesen wohl sicherlich bereits von anderen Auftritten) zum Besten. Ob das Stück auch irgendwann – Fans des Troubadours sind ja Warten gewohnt, immerhin lagen zwischen dem Erscheinen von „9“ und Album Nummer drei, „My Favourite Faded Fantasy„, zarte acht Jahre – auf einem neuen Langspieler zu hören sein wird, ist freilich noch offen. Viel lieber scheint sich Damien Rice mittlerweile dem entspannten Nomadendasein hinzugeben, im Zuge dessen er auch mal den Mini packt und von Dublin nach Barcelona zu fahren – und bestenfalls: woimmer ihn grad die Muse knutscht, „on the road“ den ein oder anderen Song zu schreiben…

 

 

„I can be your brother
Help you to hide
I can blow your cover
Pull the thorns from your side

I can be your astronaut
If you want some space
Or I can hold mirrors
Right in your face

I can be the father
That you never had
Heaviest for what’s harder
And nearest for what’s sad

I can be your astronaut
If you want some space
Or I can hold mirrors
Right in your face

I can be the mother
That sings you to sleep
And loves you like no other
Be the tears you can’t weep

I can be your astronaut
If you want some space
Or I can hold mirrors
Right in your face
Right in your
Right in your
I can hold mirrors“

 

Rock and Roll.

Getaggt mit , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,
%d Bloggern gefällt das: