Das Album der Woche

Alex Lahey – The Answer Is Always Yes (2023)

-erschienen bei Liberation-

Alex Lahey wurde in ihren bisherigen dreißig Lebensjahren wohlmöglich bereits recht oft mit dem unschön-finalen Wort „Nein“ konfrontiert. So beschreibt sie selbst, wie sie schon früh ihr Außenseitertum spürte und es sich für sie als queeres Migrantenkind so anfühlte, als sei die Welt einfach nicht für sie gemacht. Verwunderlich ist es dennoch nicht, dass ihr drittes Album nun den Titel „The Answer Is Always Yes“ trägt, schließlich hat Laheys Musik die Umarmung anderer verlorener Seelen schon immer über die eigenen Tauchgänge ins Jammertal Selbstmitleid gestellt. So verwies etwa der ziemlich genau vier Jahre zurückliegende Vorgänger „The Best Of Luck Club“ auf empathische Kneipengespräche in dessen Aufnahmeort Nashville. Und obwohl die neuen zwei Handvoll Songs den glasklaren Upbeat-Indie-Rock-Sound der ersten beiden Alben ein wenig hinter sich lassen, zeigt sich bei „The Answer Is Always Yes“ das offene Ohr für andere Menschen bereits im Entstehungsprozess, da die Australierin hier zum ersten Mal externe Songwriter integrierte, unter anderem den umtriebigen Iren Jacknife Lee (U2, Snow Patrol, Editors). Ja-Sagen bedeutet für Lahey eben nicht dumpfes Abnicken, sondern ständige Weiterentwicklung und Vorwärtsbewegung, und vor allem den unbedingten Willen, allen Widrigkeiten zum Trotz das Beste aus dieser so oft so absurden Welt und diesem unvorhersehbaren Irrgarten namens „Leben“ zu machen. Ihr unkomplizierter Indie-Pop-Rock vermittelt diese Beharrlichkeit trotz tendenzieller Kantenglättung mithilfe von roher Emotionalität, ohne dabei die dunkleren Momente des Daseins unbeachtet im Schatten stehen zu lassen.

Zu Beginn der knapp 35 Plattenminuten strahlt die Sonne Melbournes jedoch noch herrlich wolkenfrei durch die Platte. Zwar schneidet eine Laufsteg-fertige St.-Vincent-Gitarre durch die Handclap-Strophen des eröffnenden „Good Time“, doch bläst der Refrain jedes windschiefe Dach wieder gerade. Ganz ähnlich wie bei der eh dauerarschcoolen Annie Clark könnte man in manchem Moment fast meinen, dass Alex Lahey die Sonnenbrille längst auf der Nase festgewachsen sei. Und überhaupt: Die Hooks bleiben auch 2023 das Herzstück des Songwritings der Aussie-Indierockerin, dessen Einfachheit man nie mit Banalität verwechseln sollte – damit würde man vielsagenden Zeilen wie “Everyone is a bit fucked up / But they think they’re okay”, welche das Album wohl nicht ganz ohne Grund eröffnen, auch einfach unrecht tun. Apropos Tiefgang bei genauerem Hinhören: das an Wet Leg erinnernde „They Wouldn’t Let Me In“ etwa behandelt kurz vor Schluss schlaglichtartig, wie ihre Teenager-Zeit von Ablehnung und Ausschluss geprägt war – und bildet den daraus gewachsenen Frust mit knorrigem Post Punk samt Sprechgesang, Gang-Of-Four-Riffs und borstigem Bass ab, der sich jeder Auflockerung verweigert. Nicht das einzige Mal, dass „The Answer Is Always Yes“ seine erlösenden Ausbrüche hinauszögert: Das Emo-Storytelling von „The Sky Is Melting“ baut sich Schicht für Schicht auf und entfesselt seine ganze melodische Wucht erst am Ende nach einem Piano-dominierten Intermezzo. Die Laut-Leise-Dynamik versteht auch das akustisch beginnende „Permanent“, wenn es in der zweiten Hälfte auf kathartische Weise den Strom anstellt. In solchen weniger konzisen Songs beweist die Musikerin auch ohne radikale Stilbrüche die Dehnbarkeit ihrer Pop-Formel. Zudem dürfte der Flair-Verweis auf den My Chemical Romance’schen Song „Summertime“ in “Makes Me Sick” höchstens all jene verwundern, die Laheys vor einiger Zeit für den australischen Radiosender triple j eingespielte fantastische Coverversion des MCR-Gassenhauers „Welcome To The Black Parade“ sträflichst verschlafen haben.

In „Congratulations“ wiederum singt sie zu voll aufgedrehtem Fuzz und dezentem Grunge-Gestus über zwei ihrer Ex-Freundinnen, die beide unabhängig voneinander in kurzer Zeit heirateten, und die von dieser Neuigkeit ausgelösten Gefühlstumulte. „I’m doing just fine without you“, heißt es da – ob nun sarkastisch oder aufrichtig, das bleibt analog zu den formulierten Glückwünschen unklar. Und Zeilen wie „If I don’t care, then why do I / Still think about you all the time?“ verdeutlichen, dass die Urheberin sich selbst, aller triefenden Ironie zum Trotz, nicht so sicher ist. Zum Leben gehört eben auch die Erkenntnis, dass selbiges nicht immer rosig verläuft. An anderer Stelle gibt es jedoch weder Kompromisse noch Missverständnisse: „You’ll Never Get Your Money Back“ äußert schon im Titel verdammt eindeutige Worte, bevor feinste Indie-Disco-Gitarren loslegen, und das auf den Punkt gespielte „Shit Talkin'“ kotzt sich in der wohlmöglich eingängigsten Hook des Albums über Lästermäuler aus. Doch jeder Hauch von Misanthropie ist verschwunden, sobald die passionierte Menschenfreundin im triumphalen Titelstück-Closer zu Saiten-Krach und sich auftürmendem Schlagzeug das Glas erhebt – als würde sie noch immer an jenem Tresen in Nashville sitzen und verständnisvolle Schulterklopfer mit denjenigen austauschen, die solche genauso wie sie selbst gebrauchen können: “I just want a good time / Don’t care how, but I know everybody needs it”. Amen. Eine ehemals punkrockende deutsche Kapelle sang einst recht gleichsam trefflich: „Und grad deswegen: Auf das Leben!„ Also noch ein Bier und noch eine Geschichte? „The anwer is always yes.“

     

  

Rock and Roll.

Auf dem Radar: Grace Cummings

Während vielerwebs die Jahresbestenlisten von 2021 noch lauwarm glühen, deutet sich bereits an, wer die Pop-Feuilletons der kommenden Monate einhellig verzaubern könnte. Grace Cummings etwa. Zwar hat die in Melbourne geborene Songwriterin in ihrem Heimatland mit „Refuge Cove“ bereits 2019 ein vielbeachtetes Debüt vorgelegt, abseits Australiens ist sie jedoch ein noch recht gut behütetes Geheimnis. Und man muss keineswegs der Ahnenreihe eines Nostradamus entstammen, um die risikoarme Prognose zu wagen, dass sich das in diesem Jahr und mit dem kommenden Album „Storm Queen“ schlagartig ändern könnte.

Dabei liest sich Grace Cummings‘ bisheriger Werdegang irgendwo zwischen Umtriebigkeit und gepflegter Down-Under-Langeweile. So begann die ausgebildete Schauspielerin ihre musikalische Laufbahn als Schlagzeugerin in einer Reihe von Highschool-Bands, deren Repertoire hauptsächlich aus AC/DC- und Jimi-Hendrix-Covern bestand. Als Cummings begann, eigene Songs zu schreiben, ließ sie sich vermehrt von Acts wie Paul Kelly, Bob Dylan, J Spaceman sowie traditioneller irischer Folkmusik inspirieren, die ihr Vater oft zu Hause spielte. Vor allem die Ehrerbietungen an den ewig großen Dylan hörte man an vielen Ecken der Eskapismus-Kleinode von „Refuge Cove“ heraus.

Einer weiteren Eigenart bleibt Cummings auch auf dem neuen Werk treu: sie behält die künstlerischen Zügel gern in der eigenen Hand. So übernimmt die Newcomerin, wie schon auf dem Debütalbum, auch auf “Storm Queen” das Ruder als Produzentin. Die minimalistischen Arrangements werden von einer Reihe von befreundeten Künstler*innen aus Melbourne mit unerwarteten Verzierungen geschmückt: prunkvolle Geigenmelodien, gespenstische Theremin-Töne oder das frenetische Heulen eines Baritonsaxophons, welche das Album, getreu seines Titels, in ein ganz eigenes, unbändiges Klima hüllen.

„Storm Queen“ beginnt mit der majestätischen Vorab-Single „Heaven“ und offenbart sofort die ungezähmte Intensität von Cummings‘ ebenso eigenwilliger wie mächtiger Stimme sowie ihre Vorliebe für poetische und zugleich seltsam direkte Texte. Oft genug lässt die geübte Bühnenmimin dabei die Theatralik einer Aldous Harding mit der stimmlichen Präsenz von Marlene Dietrich unikal verschmelzen. Außerdem auffällig: religiöse Anklänge. Aber auch hier verhält es sich etwas anders, als man im ersten Moment zunächst denken könnte. „Der Refrain von ‚Heaven‘ enthält zwar die Worte ‚Ave Maria‘ – aber nicht, weil ich in irgendeiner Weise religiös bin“, erklärt die Australierin, die kürzlich erst die Hauptrolle in einer Joanna Murray-Smith-Produktion an der Melbourne Theatre Company spielte. „Für mich ist das Reden und Singen über Gott oder Mutter Maria eine Art, etwas Schönes zu benennen, das ich nicht verstehe, etwas, das nicht ganz zu der Welt gehört, in der wir leben“, fügt Cummings hinzu, die ihre eigenwillige Musikalität mit einer bewusst spontanen Herangehensweise an das Songwriting kombiniert. „Ich habe ‚Heaven‘ tatsächlich in der gleichen Zeit geschrieben, die man zum Singen braucht. Ich habe gehört, dass man in alten Cowboy-Filmen immer weiß, wer der Held ist, weil er einen Zehn-Gallonen-Stetson trägt. Der Himmel könnte eine Person sein. Oder ein Ort. Oder mein Vater oder eine winzig kleine Raupe oder der Klang des Lachens eines Kookaburra. Der Kookaburra ist ein Held, ich bin es nicht.“ Mit dieser Erklärung zwischen Augenzwinkerei und heiligem Ernst begründet Cummings, warum ihr Spiel mit christlicher Symbolik der ohnehin schon überbordenden Affektkulisse ihres eigenartig reduzierten Songwritings noch eine weitere Ebene einzieht.

Diese Musik mag keineswegs gefälliger Einweg-Radiopop für Familie Jedermann sein, aber eines ist sie in jedem Fall: besonders. Ave Maria, a star is born.

Rock and Roll.

Auf dem Radar: Onslow

Zumindest in der australischen Musikszene sind sowohl Sean Harmanis als auch Scott Kay keine gänzlich unbeschriebenen Blätter. Der eine (Harmanis) als Stimme und Frontmann der Symphonic Deathcore-Band Make Them Suffer, während sich der andere (Kay) normalerweise für die sechs Saiten der Progressive Metal-Kapelle Voyager verantwortlich zeichnet. Und da die Banddichte im heimatlichen Perth wohl auch Grenzen haben dürfte, liefen sich die beiden in der Vergangenheit das ein oder andere Mal über den Weg und freundeten sich an – bis zu Onslow, ihrem gemeinsamen musikalischen Projekt, war es von da aus quasi nur noch ein Kängurusprung, aus welchem nun eine erste EP resultiert.

Und diese gerät durchaus bemerkenswert, weist sich doch eine erstaunliche musikalische Bandbreite auf, mit Songs, die innerhalb von Sekunden und meist inmitten eines einzigen Stückes von Jingle-jangle-Melodien zu vollkehligem Metal-Geschrei reichen. Das Ergebnis ist etwas ganz Außergewöhnliches – ein schwer zu definierender Genreritt, der sowohl hymnische Infrastrukturen als auch donnerndes Beiwerk aufweist.

Sean Harmanis, der sich auch bei Onslow vor allem für den Gesang verantwortlich zeichnet, erzählt Folgendes über den Entstehungsprozess der EP: „Nach den Gesangsaufnahmen zum letzten Make Them Suffer-Album spürte ich mehr Kreativität in mir sowie den Wunsch, diese zu kanalisieren und zu verfeinern. Nachdem ich zu Beginn von Covid ein paar Monate lang versucht hatte, Songs zu schreiben, beschloss ich, sie Scott zu zeigen, einem langjährigen Freund und Gitarristen, den ich immer bewundert und respektiert habe. Ich wollte ein ehrliches Feedback zu den Songs, Riffs und Ideen hören. Scott war von den Songs begeistert und hatte einige eigene Ideen, die er einbringen konnte. Von da an beschlossen wir, zu schauen, wohin uns das führen würde. Die Songs handeln größtenteils vom Leben im Allgemeinen, obwohl ich mir insgesamt sehr wenig Gedanken über die Texte selbst gemacht habe. Beim Schreiben der Texte ging es mehr darum, welche Worte sich natürlich ergeben oder gut klingen, als um die Bedeutung der Songs. Für mich ging es bei der Veröffentlichung eher darum, mir selbst zu beweisen, dass ich Songs schreiben kann, als zu versuchen, die Songs zu persönlich zu gestalten. Scott war mir während des gesamten Prozesses eine große Hilfe, da er nicht nur tolle Ideen einbrachte, sondern mir auch viel Selbstvertrauen in meine Gitarrenarbeit mitgab.“

Schon „Saving Face“, die Eröffnungsnummer der selbstbetitelten EP, kontrastiert Heavy-Metal-Riffs mit engelsgleichem Gesang und Melodien, die geradezu opernhaft, dramatisch und theatralisch tönen, bevor aus voller Kehle schreiender Gesang einsetzt – im besten Fall ja eine äußerst befriedigende Dichotomie. „Let Me Rust“ wiederum beginnt mit fast schon gen Firmament stürmenden Gitarrenwänden, bevor Harmanis‘ süßlicher Gesang über die gedämpfte, zurückhaltende Instrumentierung gleitet – beinahe im Falsett, fast schon engelsgleich. Umso explosiver und kathartisch geraten die attackierenden Gitarren und angefuzzten Basslinien. Deftones, anyone? Ähnlich geht auch „Gauze“ vor: mal atmosphärisch und treibend, mit zuckriger Melodie und Gesang, dann wieder kontrastiert von Passagen mit schwermetallischem Gebrüll – ein Kontrast, der wirklich gut funktioniert und mit seiner Art janusköpfiger Persönlichkeit die zwei Seiten eines Gefühls zum Ausdruck bringt. Zudem versetzt einen der Song mit seinen gewaltigen Riffs und seiner kolossalen Instrumentierung in die frühen 2000er zurück und lässt eine tiefe Verehrung für damals recht einflussreiche Bands wie Alkaline Trio oder Jimmy Eat World erkennen. Das gleichsam komplexe wie gefühlsbetonte „Limbs“ unterstreicht mit seiner sich ständig ändernden Taktart und einer erstaunlichen Synkopierung zwischen rhythmischen Instrumenten und aufsteigenden Gitarren die enormen Songwriting-Fähigkeiten des Duos Harmanis/Kay. Das abschließende „Freddie Mercury“ dürfte vor allem für alle Freunde von Bands wie Brand New ein besonderes Highlight darstellen, gemahnt es doch an Großtaten wie etwa deren Meisterwerk „The Devil And God Are Raging Inside Me“ – Vergleiche zu Stücken wie „Jesus Christ“ sind quasi unabdingbar. Das Stück beginnt zunächst balladesk-nachdenklich und entwickelt sich gen Ende zu einem geradezu stratosphärischen Shoegaze-Orkan, der Elemente aus Post Rock ebenso in sich vereint wie aus Alternative Rock und Post Hardcore. Sean Harmanis über den Song, der zwar nach dem legendären Queen-Frontmann benannt sein mag, am Ende aber wohl wenig mit selbigem zu tun hat: „‚Freddie Mercury‘ handelt davon, dass man an etwas festhält, von dem man tief im Inneren weiß, dass es nicht mehr da ist. Unsere Herangehensweise an das Songwriting rührt wahrscheinlich von unserer Wertschätzung für Post Rock her. Wir haben es beide schon immer geliebt, dass vor allem Bands aus diesem Genre in der Lage sind, aus dem Nichts heraus diese gigantischen Klangwände aufzubauen, und instrumental wollten wir wirklich etwas von diesem Einfluss in den Song einfließen lassen.“

Letztendlich bieten die fünf Stücke der „Onslow EP“ (zu welcher man hier Track-By-Track-Erläuterungen des Duos findet) eine erfrischende, gelungene Mischung mit tönenden Zutaten aus einigen sehr unterschiedlichen Genres: Progressive Metal, Post Hardcore, Alternative Rock, Post Rock, Post Grunge und Emo Rock, gar sachte Prisen aus Indie Pop lassen sich hier wiederfinden. Mächtig gewaltig geratene Songs aus Down Under, die sich in den Dienst von Dramatik und Katharsis stellen.

Rock and Roll.

Song des Tages: Carla Geneve – „The Right Reasons“

Alle Freunde gefühligen weiblichen Indierocks à la Courtney Barnett oder Phoebe Bridgers sollten nun hellhörig werden und sich den Namen Carla Geneve fürs kommende Jahr fein säuberlich in ihrer „Artists to watch“-Liste notieren. Wieso, weshalb, warum? Nun, zur Eliminierung aller Fragezeichen höre man gern ihre neuste, ebenso wunderschöne wie zutiefst persönliche Single „The Right Reasons„, die zweite nach „Don’t Wanna Be Your Lover„, welche wiederum Anfang des Jahres veröffentlicht wurde, und einen weiteren passablen Appetithappen für ihr Debütalbum abgibt, das – nach einigen Singles sowie einer EP im März 2020 – im Jahr 2021 erscheinen soll.

Passend zur Stimmung des Songs geben sich der Gesang der im australischen Perth beheimateten Singer/Songwriterin und die Begleitband um einiges zurückhaltender als noch bei „Don’t Wanna Be Your Lover“. Mehr sogar: Gitarren- und Rhythmusbegleitung schmiegen sich sanft und sinnig an Geneves fast schon schüchternen Gesang in einem Song, mit dessen um Themen wie Beziehungen und Mental Health kreisenden Textzeilen sich wohl durchaus einige identifizieren können. Das Songwriting zeugt von beeindruckender Reife, trägt gar ein paar zart-lässige Springsteen-Vibes in sich, sodass es schwer zu glauben sein mag, dass Geneve erst 21 Jahre jung ist.

Carla Geneve schreibt über den Hintergrund des Songs: „Ich habe sehr lange gebraucht, um ‚The Right Reasons‘ zu schreiben – ich glaube, ich habe wahrscheinlich sechs oder sieben völlig verschiedene Versionen geschrieben. Obwohl so viel Kunst durch das Thema psychische Krankheiten inspiriert und auf kathartische Weise geschaffen wird, ist es immer noch eine schwierige Sache, darüber zu schreiben und sich darüber auszutauschen. Dieser Song ist ziemlich direkt. Ich wollte ein helles Licht auf einige meiner dunkelsten Erfahrungen werfen, weil es für mich Sinn macht, dass radikale Verletzlichkeit der erste Schritt zu radikaler Selbstakzeptanz sein kann. Und ohne Selbstakzeptanz ist es meiner Meinung nach sehr schwierig, tiefe und bedeutungsvolle Verbindungen zu den Menschen um einen herum aufzubauen.“

Das dazugehörige Musikvideo wurde in Geneves Haus von ihrem engen Freund Duncan Wright gefilmt. „In dem Song geht es um verletzliche und unbequeme Dinge, deshalb wollte ich mich während der ziemlich einschüchternden Erfahrung, mein Gesicht zu zeigen, sicher und zu Hause fühlen.“

„Mixing antibiotics with alcohol
When you kiss me, you say that I taste like methanol
Tell me that it’s a crying shame
Drinking through the night and sleeping in the day

It’s not me, it’s not you
Sometimes we all do the wrong thing
For the right reasons
I’ve been going through the seasons

Mixing escitalopram
With the person that I am
Didn’t wanna change myself
But sometimes it takes a little more than self-help

It’s not me, it’s not you
Sometimes we all do the wrong thing
For the right reasons
I’ve been going through the seasons

An emotional iron deficiency
I get so tired of bruising so easy
‚Cause I know it’s a crying shame
Closing the blinds on another day

It’s not me, it’s not you
Sometimes we all do the wrong thing
For the right reasons
I’ve been going through the seasons“

Rock and Roll.

Song des Tages #2: Julia Jacklin – „Baby Jesus Is Nobody’s Baby Now“

Corona-Lockdown hin oder her: Weihnachten steht (mit Sicherheitsabstand, und wohl in Form eines vielbeschäftigten Paketboten) vor der Tür. Und wie jedes Jahr erreichen uns auch in 2020 eine Reihe mal mehr, mal weniger überzeugender Weihnachtssongs. Wenig verwunderlich, dass auch in diesem Jahr die Indie-Szene stark am Mitmischen ist. Auf Girl In Reds „Two Queens In A King Size Bed“, Julien Bakers Cover von Perry Como and The Fontane Sisters „A Dreamer’s Holiday“, Sam Fenders „Winter Song“ oder Phoebe Bridgers‘ einmal mehr bezaubernde diesjährige Weihnachtssingle „If We Make It Through December“ folgt nun Julia Jacklin mit einer besinnlich-weihnachtlichen Single, die wie gemacht für den Slow-Dance um den Weihnachtsbaum scheint.

Zusammen mit der Single „Baby Jesus Is Nobody’s Baby Now“ gibt es auch ein Musikvideo zum Song zu sehen, für das Jacklin gemeinsam mit Nick Mckk Regie führte – keine Seltenheit für die 30-jährige Aussie-Musikerin, die bereits als Regisseurin ihrer vorherigen Musikvideos tätig war.

Mit Eleganz, lyrischer Treffsicherheit und einer nahezu perfekten Dosis düsterer Melancholie erzählt Julia Jacklin, deren jüngstes Album „Crushing“ im Februar 2019 erschien und die den Song bereits Ende des vergangenen Jahres schrieb, von der Last familiärer Schicksalsschläge, von Isolation und Katastrophen, aber auch von Hoffnung.

In einem Statement zum Release heißt es von der australischen Singer-Songwriterin: „2019 war ein ziemlich hartes Jahr für meine Familie. Ich war das ganze Jahr auf Tournee und trug eine Menge Schuldgefühle mit mir herum, weil ich nicht Zuhause sein konnte. Jeden Abend super traurige Lieder zu singen, war je nach Tag ein Segen und ein Fluch. Ich stellte mir Weihnachten als eine Zeit vor, in der wir alle wieder zusammenkommen und gemeinsam durchatmen, aber dann brachen die Buschfeuer aus und meine Familie lebt auf dem Land, sodass es eine direkte Bedrohung war. Ich bin gerade erst nach Melbourne gezogen und konnte nicht nach Hause fahren, die Straßen waren blockiert, und meine Familie wurde für einen Monat evakuiert. Irgendwann wurde ganz Melbourne in Rauch getunkt, die Sonne war so bedrohlich rot, es fühlte sich apokalyptisch und ziemlich hoffnungslos an. Ich schrieb den Song in meinem Zimmer mit Blick auf das Jahr 2020, in der Hoffnung, dass es eine Art Reset sein würde, lol.“

Nun, damit lag Jacklin leider nicht ganz richtig. Aber wie der Song zeigt, gibt auch sie die Hoffnung und das positive Denken nicht auf…

„She lost the baby, the house nearly burnt down
Baby Jesus is nobody’s baby now
Watched him pick the pack of smokes out of the bin
This time of year has always been so hard on him

Last Christmas, at my aunty’s house
I tried so hard to make my uncle shut his mouth
Grandma cried, ‚Can’t this wait?‘
Drink a cup of juice, try to celebrate

The family asked me to sing ‚em all a song
Get up in the lounge room while they keep the TV on
Pick a fun one, everybody claps
Plates of cold cuts tremble in their laps

Watch me go to bed alone this year
There was someone I wanted, but they’re no longer here
Grow up, girl, it’s good for your health
To go to bed sometimes simply holding yourself

She lost the baby, the house might still burn down
Baby Jesus is nobody’s baby now
Wanna be there to pick her up off the floor
But I’ve never had to reach this far down before

This Christmas, at my aunty’s house
I’m gonna try so hard to open up my mouth
Say it loud, and hope it’s true
Next year will be much easier on you“

Rock and Roll.

Song des Tages: Alex The Astronaut – „Caught In The Middle“

Foto: Jess Gleeson

Alex The Astronaut, dahinter steckt keineswegs – obwohl das gerade hierzulande der eine oder die andere im ersten Moment vermuten könnte – „unser“ Alexander „Astro-Alex“ Gerst, der 2018 als erster Deutscher überhaupt für drei Monate das Kommando über die ISS innehatte. Und auch nicht jener Weltraum-Abenteurer, der 2013 mit seiner Version von „Space Oddity“ Bowies Evergreen zu neuem Ruhm verhalf (jener schnurrbärtige Kanadier hieß ja auch Chris Hadfield). Nope, hinter Alex The Astronaut verbirgt sich Alexandra Lynn, eine australische Singer/Songwriter-Newcomerin, die mit Mitte Zwanzig zwar schon den ein oder anderen Fleck jenseits von Bondi Beach gesehen haben mag (immerhin hat die junge Frau bereits einen Studienabschluss in Mathematik und Physik an der New Yorker Long Island University in der Tasche), jedoch noch nie die Erde vom Weltraum aus betrachtet hat. Dafür tritt sie in ihrer Freizeit recht talentiert gegen das runde Leder – oder gibt sich in ihren Songs als reisende Beobachterin, die eine Welt aus unendlich vielen Geschichten sieht. Nach so einigen Singles, EPs sowie einem Live-Album debütiert Alexandra Lynn nun mit ihrem ersten Langspieler.

Dabei könnte „The Theory Of Absolutely Nothing“ genauso gut der Titel eines Coming-Of-Age-Indie-Films sein, so grob zwischen „The Perks Of Being A Wallflower“ und „The Spectacular Now“. Auch musikalisch kann man sich die Songs von Alex The Astronaut ganz gut auf dem „Juno“-Soundtrack vorstellen, irgendwo zwischen Belle & Sebastian, Kimya Dawson und Evergreens von The Kinks und The Velvet Underground. Selbst inhaltlich packt Alexandra Lynn ernste Themen mit dem selben warmherzigen Optimismus an wie etwa die soeben genannten Filme. Immer knapp vor cheesy, immer herzergreifend, und selbst das stellenweise überbordende Pathos mag man der juvenilen Unbedarftheit anrechnen. Insofern legt der Albumtitel eine feine falsche Finte, denn es geht hier nicht um nichts, sondern sogar um ziemlich viel.

Aus dem Folk übernimmt die junge Australierin aus dem sonnigen Sydney das Geschwätzige, das lyrische Erzählen, die sozio-politschen Anklänge, und verknüpft all das mit der Eingängigkeit des Indie-Pop. Im Jahr 2017 wurde ihr Song „Not Worth Hiding“ zu einer Hymne der australischen Bewegung für die gleichgeschlechtliche Ehe, auf ihrem Debütalbum nimmt sie, die selbst recht offen und selbstverständlich mit ihrer Homesexualität umgeht, sich nun unter anderem Themen wie häusliche Gewalt und Abtreibungen vor. Wahrlich keine kleinen Armstrong-Schritte, aber Lynn meistert sie dank ihrer sehr eindringlichen Erzählungen und ihres sehr dynamischen, abwechslungsreichen Songwritings.

Direkt im lagerfeuertauglichen Opener „Happy Song“ verpackt sie Gedanken über Vergänglichkeit und Nostalgie in einen erbaulichen Indiepop-Song: „You know that I love you, but I think it’s over / Will it still be over, always? / I don’t know„. Das Stück besticht vor allem durch seinen treibenden Refrain, dem sogar ein Da-da-Part erstaunlich gut steht. Ab und zu scheint etwas Britpop durch, beispielsweise in „Split The Sky„, das anfangs an Oasis erinnern mag (freilich ohne das gockelhafte Machogehabe der Gallagher-Lads). Die Songs bauen klassischerweise auf gestrummten Gitarren auf, sind aber alle recht aufwendig instrumentiert, im Hintergrund fügen sich Chöre, Piano und sogar Streicher zu einer meist geschmackvollen Soundkulisse zusammen. Besonders die Streicher hauchen manchen Songs, etwa „I Like To Dance„, aber auch diesen Eindruck des leicht Pathetischen ein – was etwas schade ist, da das Stück über häusliche Gewalt bereits textlich zu überzeugen weiß und den musikalischen Kitsch so gar nicht nötig hätte. Für den Song hat Lynn mit Helferinnen von Betroffenen gesprochen, um sich ein Bild entsprechender Beziehungen zu verschaffen. Besonders hart erwischt einen die sehr direkt formulierte Zeile „I just wish he would stop hitting me„. Inhaltlich trifft sie hier den richtigen Ton und nährt sich dem Thema sehr gefühlvoll. „Banksia“ und „Christmas In July“ hingegen kommen mit dem perfekten Maß an Pathos daher, beide Songs laden zu verträumtem Schunkeln ein. Mit ihrer ausdrucksstarken Stimme irgendwo im Spannungsfeld zwischen Nonchalance und gutturaler Rauheit und ihrem charmanten Aussie-Dialekt gedenkt Lynn in „Banksia“ einer sehr jung verstorbenen Freundin: „And all of the roses will be too white because twenty years old’s too soon for goodbye„.

Klanglich überzeugen jedoch die energievollen Songs am schnellsten, so etwa „I Think You’re Great„, das an die neuseeländische Band The Beths erinnert und mit seinem nach vorn drängenden Schlagzeug mitreißt. „Caught In The Middle“ erinnert an die ersten Werke der Shout Out Louds und wartet wie viele der Stücke mit einem eingängigen Refrain auf. Zwar neigt die australische Newcomerin dazu, ihre Indiefolk-Songs mit zu vielen Instrumenten zu überfrachten und untermalt ihre konkreten Texte an mancher Stelle mit recht beliebigen Melodien. Spurlos am Ohr vorbei rauschen die Lieder dennoch nicht – dazu kommen sie einem zu nahe.

Im Großen und Ganzen ist „The Theory Of Absolutely Nothing“ (zu welchem man hier Track-By-Track-Kommentare findet) das starke Debüt einer jungen Frau, die ihre ganz eigene Sicht auf unsere vielfältige, teilweise doch recht düstere Welt optimistisch, jedoch in keinem Moment verklärend in sonnenbeschienenen Wohlklang übersetzt. Wer mit anderen Aussie-Indierockerinnen wie etwa Courtney Barnett oder den eingangs erwähnten, manchmal etwas juvenil-gefühlsduseligen Filmen etwas anfangen kann, sollte zweifellos auch an dieser Platte schnell Gefallen finden.

Rock and Roll.