Song des Tages: Sir Chloe – „Hooves“

Mit den Pixies oder Beck auf Tour zu gehen und mit Harry Styles (ja, genau dem Harry Styles) befreundet zu sein, noch bevor man sein Debütalbum veröffentlicht hat, kann schon für mächtige Vorschusslorbeeren sorgen – Millionen von Spotify-Streams hin oder her. Da stellt sich – halb logisch, halb selbstverständlich – die Frage: Wie gut ist diese Band, die von solch hochgelobten und einflussreichen Künstlern unterstützt wird, nun wirklich? Und zumindest im Fall von Sir Chloe kann ebenjenes Fragezeichen mit einem fixen „Tatsächlich gar nicht mal übel!“ beiseite gewischt werden.

Gänzlich neu ist die 2017 gegründete Newcomer-Band um Sängerin, Songwriterin und Gitarristin Dana Foote, zu der noch Gitarrist Teddy O’Mara, Bassistin Emma Welch, Keyboarder Austin Holmes und Schlagzeuger Palmer Foote gehören, freilich nicht, schließlich machte man bereits 2020 mit der EP „Party Favors“ sowie dem viralen Mini-Hit „Michelle“ auf sich aufmerksam. Seitdem hat das aus dem US-amerikanischen Vermont stammende Quintett fleißig an ihrem Sound-Outfit und neuen Songs gewerkelt. Das Ergebnis: ihr nun erschienener Debüt-Langspieler „I Am The Dog„, der sich klanglich irgendwo zwischen Neunziger-Grunge, St. Vincent und PJ Harvey positioniert – in elf recht kompakten Akten, die zwar nie die Vier-Minuten-Marke reißen, dafür jedoch umso düsterer schimmern, faszinierendst einlullen, und an den richtigen Stellen narkotisch zubeißen.

Mit am besten beweist all das die vorab veröffentlichte Single „Hooves“, in welcher Sir Chloe reichhaltige Wandteppiche aus düsteren Gitarren, melodischen Akkordwechseln und der lasziv-lässigen Stimme von Leadsängerin Foote weben, in deren Berge sie sich anschließend kopfüber hinein stürzen. Liest sich enigmatisch? Nun, dazu passen denn auch Dana Footes Textzeilen: „I don’t wanna hold hands / I don’t wanna hold hands / You’ve been chewing my hair / Over and over again“.

Gleichsam symbolträchtig und rätselhaft gibt sich das dazugehörige Musikvideo, bei dem Molly Hawkins und Grant Spanier Regie führten – hochstilisierte Bilder, eine dezent grungy Ästhetik sowie ein Hauch von Mystik inklusive. Es beginnt mit einer Szene, in der Foote allein in einem roten Raum in weltbester „Twin Peaks“-Optik steht und ein Lamm auf ihren Schultern trägt. Während der Song immer intensiver gerät, wandert die Sir Chloe-Frontfrau mit dem an die junge Madonna erinnernden Porzellanpuppengesicht anschließend durch eine Reihe weiterer Räume und manische Montagen, in denen ihr eine wachsende Anzahl von Schafen und Lämmern als einzige Gesellschaft dient. David Lynch hätte es wohl kaum besser hinbekommen.

Wen all dieser optische Mystizismus und das in manchem Moment doch recht schroffe Klangoutfit nicht längst in die Flucht geschlagen haben, der sollte auch den anderen Songs von „I Am The Dog“ durchaus (s)ein Ohr leihen, denn die Platte eignet sich sowohl als Untermalung eines schwülwarmen Roadtrips als auch als Soundtrack für bierselige Abende im heimischen Garten und schafft es, sowohl die helle Sommersonne als auch den dunklen Abendhimmel in sich zu vereinen. Die Empfehlung „Die sollte man im Auge behalten!“ mag zwar oft etwas vorschnell Verwendung finden, doch wenn Sir Chloe ihren derzeitigen Weg fortsetzen, werden sie wohl nur schwerlich zu übersehen sein…

  

 

Rock and Roll.

Das Album der Woche

ARXX – Ride Or Die (2023)

-erschienen bei Grand Hotel Van Cleef/The Orchard/Indigo- 

Dass in Brighton im Süden Englands zwischen Sehenswürdigkeiten wie dem Palace Pier oder dem Royal Pavillon irgendetwas ungemein Kreativförderndes zu wirken scheint, dürfte schon lange als offen zur Schau getragenes Geheimnis gelten. Gleichzeitig ist das beschauliche und bunte Städtchen in East Sussex auch als eine der europäischen Hochburgen für die LGBTQIA+-Szene bekannt. In Fällen wie dem des Duos ARXX kommen diese beiden Brighton-Trademarks zusammen: Hanni Pidduck und Clara Townsend kredenzen auf ihrem Langspiel-Debüt „Ride Or Die“ schnörkellosen, herzerwärmenden und queeren Wohlfühl-Indie-Pop, der ebenso in der Garage zuhause ist, wie er polternd durch die lokalen Indiediskos fegt. ARXX setzen dabei ganz auf simple und eindeutige Songs, die sich jedoch trotz ihres direkten Zugangs den absolut komplizierten Emotionen widmen. Sie besingen fiesen Herzschmerz, geistige Gesundheit, amouröse Anwandlungen, aber auch queeres Selbstverständnis, und verpacken das alles ohne nennenswerte Ausfälle in hinreißende kleine Hits.

Ob die vergangenen Liebhaber*innen nun wie in „Baby Uh Huh“ zu dezent HAIM’schen Harmonien in eine bessere Zukunft verabschiedet werden oder sich die chaotische Affäre auf ihrem herausfordernden Höhepunkt befindet, das Duo setzt immer wieder klare Akzente: So zieren ARXX sich beispielsweise nicht, den gepflegten Dance-Punk im Titelstück durch eine schon beinahe Queen’eske Choreinlage zu unterbrechen, der sie im „Outro“ eine Reprise spendieren. In „What Have You Done“ grätscht ein geradezu unverschämtes Schweinerock-Riff durch den fluffigen Indie-Pop, während Pidduck sich aus dem Staub macht und wiederholt das ein oder andere verzweifelte „Sorry“ zurücklasst. Stücke wie „Deep“ hingegen lassen mit Polyrhythmen im Handgepäck den Rock’n’Roll zugunsten einer ausgelassenen, elektronischen Tanzflursause absichtlich links liegen. Dennoch wirkt „Ride Or Die“ wie aus einem Guss und fühlt sich nur selten nach einem jener aus hunderten Singles zusammengepuzzelten Debütalben an, wie sie in den Zweitausendern für britische Hype-Acts noch gang und gäbe waren. Pidduck und Townsend spielen, Newcomer hin oder her, die noch recht junge Essenz ihres musikalischen Schaffens gekonnt nach außen.

„It’s a long, long dance till the end of the night“: ARXX sind immer auf der Suche, browsen mit grellen Cocktails in den Händen durch Brightons Nachtleben, auf dass die nächste Romanze weniger an die Substanz gehen möge und irgendetwas von ihr bleibt. Damit sie wie in „Stuck On You“ dann höchstmelancholische Balladen über die Begegnungen schreiben können und keine angepissten Breakup-Songs benötigen. „Iron Lung“ schaltet am Ende trotzdem in den Riot-Grrrl-Modus und zertrümmert zwischen Crossover und Royal Blood pogend den ganzen Laden, was als Erinnerung dafür sorgt, dass man es hier aller Niedlichkeit und allen pointierten Synth-Einsätzen zum Trotz immer noch mit Alternative Rrrrrrock zu tun hat. „Ride Or Die“ erinnert mit massig Ohrwurmtauglichkeit und Abwechslungsreichtum in petto mitunter daran, was Tegan And Sara mit mehr Krach anstellen würden, oder angenehm an „Box Of Secrets“, das Debüt von Blood Red Shoes (oder meinetwegen an die frühen Gossip). Tanzbarer Indie Rock mit lediglich Schlagzeug und Gitarre aus dem Küstenstädtchen funktioniert 2023 nämlich noch genauso gut wie 2008. Es gilt weiterhin: Brighton bleibt stabil!

 

 

 

Rock and Roll.

Sunday Listen: Silver Moth – „Black Bay“

Foto Promo / Peter Millson

Stuart Braithwaite ist ein vielbeschäftigter Mann. Erst letztes Jahr gab er seine Memoiren mit dem schönen Titel „Spaceships Over Glasgow: Mogwai, Mayhem and Misspent Youth“ heraus, seine Hauptband, die schottischen Post-Rock-Pioniere Mogwai, veröffentlicht in beinahe uhrwerksartiger Regelmäßigkeit kopfkino’eske Alben und Soundtracks (zuletzt 2022 zum Krimi „Black Bird“) und jetzt hat er auch noch eine neue Supergroup. Und selbst damit hat der 46-jährige Gitarrist schon Erfahrung, schließlich nahm er 2016, unter anderem mit Rachel Goswell von Slowdive und Justin Lockey von den Editors, als Minor Victories ein nicht eben übles, überzeugend zwischen Shoegazing-, Noise-Pop- und Dream-Pop-Momenten changierendes Album auf.

Dieses Mal heißt das Projekt Silver Moth, außer Braithwaite sind noch seine Frau, die Musikerin Elisabeth Elektra, und fünf weitere Musiker*innen von Bands wie Abrasive Trees oder Burning House dabei. Der Titel des dabei herausgekommenen Albums, „Black Bay„, ist auch der Name des Studios auf der Isle Of Lewis auf den Äußeren Hebriden, in dem das Kollektiv, welches 2021 auf der Kurznachrichtenplattform eines berüchtigten Milliardärs zum ersten Mal den Kontakt zueinander fand, die sechs teils recht langen Stücke in nur vier Tagen aufnahm. Der stramme Zeitplan macht sich bemerkbar: Viele Songs basieren offensichtlich auf Jams, meist bildet ein einziges Gitarrenriff den Dreh- und Angelpunkt, egal ob das Lied nun fünf oder fünfzehn Minuten lang ist.

Ton gewordene Langatmigkeit also? Keineswegs, denn in ihrem besten Momenten entfalten die Songs im Zusammenspiel von ohrenbetäubendem Post Rock im Mogwai-Stil, Elisabeth Elektras und Evi Vines verhuschtem Gesang und Talk-Talk-artigen, luftigen Folkstrukturen eine hypnotische Sogwirkung. Wenn etwa das per Field Recording auf Band gebrachte Meer in „Gaelic Psalms“ an den einsamen Strand plätschert und Streicher zu den Zeilen des schottischen Dichters Gerard Rochford bedrohlich anschwellen, glaubt man sich mit der Band auf der abgelegenen schottischen Insel wiederzufinden, während der Nebel durch jede Pore kriecht. Apropos Entrücktheit: Auch im Opener “Henry” schlägt einem eine gleichsam gewaltige wie sanfte Welle an Melancholie entgegen, die sich durch die hallige, weite Instrumentierung nahezu unendlich anfühlt. Man denke an die Indie-Folker von Daughter, wenn diese den Post Rock noch mehr als ohnehin schon für sich entdecken würden. Etwas mehr der Welt da draußen wenden sich Silver Moth in „Mother Tongue“, einem Empowerment-Song für marginalisierte Gruppen, zu. Seinen Höhepunkt in Bezug auf die Intensität erreicht das Album im 15-minütigen Giganten “Hello Doom”, der mit seinem Titel ein wenig seines Inhalts vorwegnimmt und zwischen Noise Rock, Drone und eben Doom Metal eine verstörende, apokalyptische Stimmung herbeibeschwört.

Letztlich ist es jedoch vor allem der Closer “Sedna”, der mit schwirrenden Drone-Klängen und einem für diese Platte ungewohnt geradlinigen Schlagzeug im Gedächtnis bleibt. Gerade hier scheinen die vielen guten Ideen der am Projekt Beteiligten pointiert im Songformat zusammenzufließen. Alles in allem tönt „Black Bay“ ähnlich karg wie sein Entstehungsort und macht sich herzlich wenig Gedanken darüber, ob es irgendwann einmal entdeckt wird. Vieles schwillt stetig an, raunt durch Leib und Seele und verschwindet darauf wieder in die Dunkelheit. Das klingt im besten Fall interessant und besonders, im schlimmsten rauscht es an der Grenze zur Belanglosigkeit am inneren Kopfkino wieder vorbei. Das Band-Kollektiv wird wohl mit beidem leben können.

     

 

 

Rock and Roll.

Auf dem Radar: Tommy Lefroy

Foto: Promo / Claryn Chong

Empfehlung gefällig? Klar doch! Freunde von Tönen der Güteklasse Phoebe Bridgers, Mitski oder First Aid Kid dürfen sich das Duo Tessa Mouzourakis und Wynter Bethel – alias Tommy Lefroy – und ihre soeben erschienene zweite EP „Rivals“ gern auf ihre Ich-hör-mal-rein-Liste setzen.

„Diese EP ist um einiges selbstbewusster“, so die Band in einem Statement über den Nachfolger der 2021 veröffentlichten „Flight Risk EP„. „Die neuen Songs suchen keine Entschuldigungen. Wir haben unlängst den Scherz gemacht, dass ‚Flight Risk‘ die Flucht war und ‚Rivals‘ nun den Kampf aufnimmt, gar ein paar bösartige Gefühl in sich trägt. In vielerlei Hinsicht geht es um die Beziehung, die wir zueinander haben, wie wir uns gegenseitig herausfordern und beschützen.“

Benannt nach dem Fuckboy – wie’s die heutige Jugend wohl ausdrücken würde – des 19. Jahrhunderts – und der realen Inspiration für Mr. Darcy aus „Stolz und Vorurteil“ -, Thomas Langlois Lefroy, der Jane Austens Herz brach, fand das Newcomer-Zweiergespann trotz zeitweise stattlicher 5.000 Meilen zwischen ihnen zusammen (Mouzourakis stammt ursprünglich aus Vancouver, Bethel aus Michigan). Die beiden lernten sich 2018 in Nashville kennen und liefen sich dann öfter auf Partys über den Weg – an gemeinsame Songs dachte jedoch zunächst keine der beiden. Erst als Tessa Mouzourakis ein Konzert der aus Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus bestehenden All-Female-Supergroup boygenius im Commodore Ballroom in ihrer Heimatstadt besuchte, erwachte in ihr der Wunsch, etwas ganz Ähnliches auf die Beine stellen zu wollen. Bald darauf postete sie ein Cover des boygenius-Songs „Ketchum, ID“, woraufhin Bethel antwortete: „Können wir eine Band gründen?“ Konnten sie.

Und dass ebendas keine allzu schlechte Idee war, zeigen einmal mehr die sechs neuen Songs der „Rivals EP“. Einer von ihnen ist die bereits im Januar veröffentlichte Single „Worst Case Kid“, welche von einem dunklen Dunst aus schrillen Gitarren getragen wird und von psychischen Problemen und prämenstrueller Dysphorie (PMDD) handelt. „Dieser Song verkörpert dysphorische Gedanken als eine Art toxische Liebesgeschichte“, erklärt die Band, die unlängst im Vorprogramm bei einigen Kanada-Shows der ebenfalls aufstrebenden Indie-Pop-Newcomerin Samia in Erscheinung trat. „Es geht darum, dass Schwarzmalerei trotz besseren Wissens so ähnlich ist wie die Rückkehr zu jemandem, von dem man weiß, dass er einem nicht gut tut. Wenn man wirklich intensive Depressionsphasen durchmacht, kommt man wie nass geschwitzt aus ihnen heraus, und wenn es wieder besser wird, ist die Hexe sozusagen ‚tot‘. Wir haben beide mit Anfällen von Traurigkeit zu kämpfen, und der Song handelt davon, sie zu überwinden.“

Etwas optimistischer gibt sich da zum Bespiel der EP-Opener „Dog Eat Dog“, der als Ode an alle Heldinnen, die sich in einer immer noch oftmals von Männern dominierten (Musk)Welt behaupten, daherkommt und auf Konfrontationskurs mit männlichen Machtstrukturen und den von ihnen auferlegten engen Hierarchien geht. Mit seinem Garage-Rock-Grunge-Flair und den vielschichtigen Gesangsharmonien ist der Song außerdem ein Aufruf an alle, sich in ihrem Anderssein bestätigt zu fühlen. Das Stück schmückt all diese Gefühle durch mittelalterliche Bilder in Text und Video aus und beschwört Schilde, Rüstungen und Arenen herauf: „Looking around the arena / Thinking I’m just like you / But a girl’s gotta do what a girl’s gotta do.“

Klare Sache: Tommy Lefroy wollen’s wissen.

Rock and Roll.

Song des Tages: Hong Faux – „Trains“

Foto: Promo / Jeremy Saffer

Ihre Freiheiten erkämpften sich Hong Faux über viele Jahre gegen die Kräfte des Marktes, der zwar auf Zahlen und Massentauglichkeit achtet, jedoch selten genug auf den Ideenreichtum von Bands und Künstler*innen. Und ebendas ist manches Mal ein fataler Fehler, denn hört man dem dritten Album „Desolation Years“ genau(er) zu, eröffnet sich allen interessierten Gehörgängen ein weitreichendes und dynamisches Songwriting, dem man mit Eingrenzungen nun wirklich keinen Gefallen tut.

An ihrer speziellen Mixtur aus Alternative und Stoner Rock, unüberhörbarem Grunge-Touch und poppigem Melodiegespür hat das Quartett aus dem schwedischen Stockholm zwar auch acht Jahre nach ihrem zweiten Langspieler „A Message From Dystopia“ recht wenig verändert, klingt jedoch dennoch einmal mehr verdammt frisch und individuell. Mit elf Songs in unter 42 Minuten Spielzeit kommen die Nummern von „Desolation Years“ zum Großteil kurz und knackig auf den Punkt, wie etwa der Opener „Wake Me Up For Exit“, der Stadionrocker „Fornever“ oder das gleichsam simple wie höllisch effektive „New Vegas“ unter Beweis stellen.

Für Abwechslung sorgen das knarzig-schleppende „Trains“, das melancholische „Zero Point“, das mit seinen harten Stoner- und Heavy-Metal-Passagen vergleichsweise brachiale „Disco Necropolis“ sowie leicht vertrackte Nummern wie der Titelsong oder „Parasite“. „Whitman, Price & Hadd“ und „Starkiller“ (man beachte den feinen Beatle’esken Einschub!) schielen vielleicht etwas zu sehr in Richtung der deutlichen, in den Neunzigern und Nullerjahren verwurzelten Vorbilder wie die frühen Foo Fighters, Audioslave oder Queens Of The Stone Age, machen aber dennoch Laune und entpuppen sich – so man sie denn lässt – als waschechte Ohrwürmer. Das gilt denn auch für den einerseits verdammt poppigen, andererseits sentimental-herzergreifenden Rockballaden-Abschluss „The Flood“.

An so mancher Stelle des dritten Albums beschleichen all jene, die in der benannten Zeit selbst jung waren, sanfte Retro-Gefühle der Ungnade später Geburt, denn wären Hong Faux zwanzig Jahre früher auf den Plan getreten, würden sie heute vermutlich zu den größten Bands ihres Landes – und eventuell der internationalen Alternative-Rock-Szene – zählen. 

Dennoch: Von diesen herrlich staubtrockenen Songs mit fuzzy Gitarren (Björn Billgren), rumpelndem Bass (Johan Bergqvist) und knackigem Schlagzeugspiel (Jonathan Hummelman), die Niklas Serén mit dezent Neo-Grunge’eskem Gesang garniert, dürfen sich alle Interessierten gern die Gehörgänge durchpusten lassen… Scandinavia rocks! 🤘

Rock and Roll.

Auf dem Radar: George Hennessey

Nee, George Hennessey macht beileibe keinen Hehl daraus, großer Fan des Britpops der seligen Neunziger zu sein, damals als Cool Britannia und schiere Heerscharen toller neuer Bands aus Good Ol‘ England die (Musik)Welt regierten. Mal ist der Sound des aus London stammenden 29-jährigen Newcomers psychedelischer Natur wie bei The Verve, mal eher ebenso hymnisch wie vollmundig poprockend wie weiland bei Oasis. Inhaltsleere muss trotzdem niemand befürchten, denn seine Songs sind im Kern persönlich, handeln unter anderem von der Desillusionierung junger Menschen – das hat durchaus seine Gründe: Auch Hennessey wusste vor ein paar Jahren noch nicht so genau, was er wollte. Die Musik war damals sein Anker: „Kreativ und produktiv zu sein, hat mich glücklich gemacht, mir Hoffnung gegeben. Ich fühle mich wohler in meinem Leben, ich bin recht optimistisch.“ Das kann er auch sein, denn am 3. Februar erscheint mit „If You Can’t Find What You’re Looking For Please Ask“ nach der 2021er „Purified EP“ sowie einigen Singles endlich sein Debütalbum. Und auch selbiges dürfte so einige in die Zukunft weisende Retro-Songs bieten. Irgendwann erlebt halt alles mal wieder (s)ein Revival…

Rock and Roll.