Freunde in Amerika? Die wünschen sich wohl nicht wenige Menschen, vor allem in ärmeren Regionen dieses Planeten. Dementsprechend findet man auf dem Facebook-Account von Friends In America die ein oder andere SPAM’eske Anfrage mit einem Verweis aufs WhatsApp-Profil zur fixen Kontaktaufnahme. Jedoch hätten sich die Kontaktwilligen zunächst einmal besser informieren sollen, denn hinter Friends In America stecken keine gut betuchten US-Amerikaner, sondern Matthew Rawlings und Hamish Black, zwei Lads aus dem schottischen Glasgow. Und das Duo wird wohl weder mit großzügigen Spenden noch mit irgendwelchen Greencards dienen können…
Dafür haben Friends In America zwischen 2013 und 2016 einige EPs und Singles veröffentlicht, die allen, die ihre Öhrchen sonst mit Songs von Frightened Rabbit, The Twilight Sad, We Were Promised Jetpacks oder There Will Be Fireworks (deren Frontmann Nicholas McManus singt auch bei einem Stück mit) umspülen lassen, bestens gefallen dürften – breitester Glaswegian Akzent sowie in paar Anklänge an die Talking Heads sowie frühe R.E.M. inklusive. Ob von dem Zweiergespann in Zukunft eventuell gar ein vollwertiges Album zu erwarten ist? Das dürfte trotz der letzten Wortmeldung „Not Dead. Just Asleep.“ fraglich sein, immerhin datiert selbige vom August 2018. Trotzdem ist die Band und ihr bestens zu herbst- bis winterlichen Sonntagen passender tiefstmelancholischer Indie Rock einfach zu gut, um sie nicht gehört zu haben.
Das Cover von Mint Greens Debütalbum „All Girls Go To Heaven“ zeigt Porträts der Band, die – halb künstlerisch, halb dilettantisch – auf einen recht bunten Hintergrund gephotoshoppt wurden, und erinnert so an ein Artwork, dem man heutzutage ebenso in einer Kunstgalerie wie auf irgendeinem hipsterhippen Instagram-Account begegnen könnte. Aber klar, hier soll’s natürlich vielmehr um die Musik gehen… Und die kann sich durchaus hören lassen. Das aus Boston, Massachusetts, stammende Quartett, das seit 2016 bereits mit einigen EPs für das ein oder andere Hallo-wach-Erlebnis sorgte, hat es sich bei selbiger – der Musik – zur Aufgabe gemacht, mit jeder Menge juveniler Energie im Tank die Dinge einzufangen, die so ziemlich jede(r) fühlen, aber selten laut aussprechen mag – ob ihnen das gelingt?
Die zehn Songs des Debüt-Langspielers beginnen mit dem Opener „Against The Grain“, einer vergleichsweise sanften Akustik-Nummer, die manches Ohr an Indie-Darling Phoebe Bridgers erinnern mag. Zu offensichtlich? Dabei macht gerade dieser Querverweis durchaus Sinn, wenn man bedenkt, dass Mint Green im Jahr 2020 zwei ihrer Songs gecovert haben (und auch einen von Katy Perry). Also Indie Rock meets Indie Pop meets Indie Folk? Check, check, check. Dennoch sollte man Ronnica, Daniel Huang, Tiffany Sammy und Brandon Shaw keineswegs unterstellen, hier schnödes Fanboy/-girl-Kopistentum irgendwo zwischen der benannten Phoebe Bridgers, Tigers Jaw, Beach Bunny oder Soccer Mommy zu betreiben, denn der Boston-Vierer setzt genug eigene Duftmarken. Das beweist bereits „Body Language“, ein Stück, das den Zuhörer mit (s)einer sanften Gitarre lockt, bevor es die Kräfte bündelt und in einen ausgewachsenen Indie-Rock-Song explodiert. Ist übertrieben? Ja sicher, so richtig derb gehen Mint Green auf ihrem Erstling eher selten zu Werke (etwa gegen Ende von „Whatever Happens“), oft genug stehen sie dem Indie-Math-Pop der artverwandten Orchards näher als anderen Heavy-Rock-Kapellen, aber: schon hier klingt das Quartett, als hätte es dabei eine Menge Spaß – was definitiv keineswegs unwichtig ist, schließlich ist ein Album meist dann am besten, wenn eine Band loslässt und – eben! – Spaß hat.
Und auch das dürfte Gründe haben: Da „All Girls Go To Heaven“ von der Band selbst in Zusammenarbeit mit Collin Pastore (u.a. Lucy Dacus, Julien Baker, Animal Flag) produziert wurde, sollte klar sein, dass Mint Green – Newcomer hin, Newcomer her – durchaus einiges an Mitspracherecht hinsichtlich dessen hatten, wie sie ihren eigenen Sound gestalten wollen. Und der? Tönt in der Tat erfrischend – minzgrün eben. Und beweist obendrein, dass sich die vier mit ihrer Mischung aus Pop Punk, Indie Rock, dezent sommerlichen Dreampop-Vibes sowie Elementen aus Punk Rock, feinen Soul-Prisen (vor allem gesanglich) und einer ordentlichen Portion Emo-Katharsis, die den halluzinogenen Zustand mit ängstlichen Refrains umhüllt, nicht so leicht in eine Schublade stecken lassen möchten. All das eine recht mutige Melange für ein Debüt, das in weniger fähigen Händen durchaus ein halbgares Durcheinander aus überladenen Gitarren, Schlagzeug und Gesang hätte werden können, hier jedoch vielmehr knapp 36 Minuten akustische Kurzweil-Achterbahn zwischen Mid- und Uptempo bietet – man höre etwa „Golden“, dessen erste Hälfte düster und vergleichsweise langsam startet, bevor der Song plötzlich vor lauter Energie steil geht. Ja, das lässt sich verdammt gut hören, das Ganze. Mission accomplished, Mind Green!
Obwohl doch beileibe keine Newcomerin mehr, mag Jenny Berkel in unseren Breiten – und selbst unter eingeweihten Singer/Songwriter-Connaisseuren – noch kein „Household Name“ sein. Verwundert das? Nun, ein wenig schon.
Denn immerhin ist es bereits satte zehn Jahre her, dass die in London, Ontario beheimatete kanadische Songwriterin ihr Debütalbum „Here On A Wire“ veröffentlicht hat. Selbigem ließ sie im vergangenen Jahr „Pale Moon Kid“ folgen, dazwischen lag noch eine EP – und der Poetik hat sie sich als Dichterin ebenfalls verpflichtet. Überhaupt: das Lyrische. Die Verbindung zwischen Poesie und Musik funktioniert auch auf Berkels neustem Werk „These Are The Sounds Left From Leaving“ in durchaus überragender Form. Das mag vor allem mit den Umständen der Entstehung der zehn neuen Stücke zusammenhängen, welche ihrem Plan, eine leichte, beschwingte und unbeschwerte Platte zu machen, einen dicken Strich durch die Rechnung machten: “Ich habe das Album in einer winzigen Wohnung geschrieben, zu einer Zeit, als sich alles groß und überwältigend anfühlte”, sagt die Musikerin. Und meint weiter: “Die Songs selbst sind eine Studie über Nähe, die große Ängste in kleine Räume bringt.“
Hört man nun ihren dritten Langspieler, so besteht – bei aller Ernsthaftigkeit – durchaus Hoffnung, dass Berkel mit diesem nun endlich auch in Deutschland einem etwas größeren Publikum bekannt bekannt werden dürfte. Das lässt sich schon alleine daran festmachen, dass hier keiner der ebenso leichtfüßig wie transparent inszenierten Folk-Pop-Songs musikalisch in besonderer Weise als klares Highlight herausragt, sondern jedes einzelne der zwei Handvoll Stücke auf insgesamt recht hohem Niveau seinen eigenen Reiz zu entwickeln weiß.
Wie sicher sich die Musikerin inzwischen in ihrem Bestreben ist, ihre Songs zwischen düster und hoffnungsvoll, transparent und opulent, intim und raumgreifend, leise und bestimmt, geradlinig und vertrackt auszubalancieren, zeigt auch der Umstand, dass sie – zusammen mit Dan Edmonds und dem auch als Musiker in Erscheinung tretenden Ryan Boldt (Deep Dark Woods) – erstmals selbst produktionstechnisch Hand anlegte und sich dabei von Colin Neales schwindelfreie, luftige Streicherarrangements schreiben ließ, die viel Raum für ihre beeindruckend klare und durchsetzungsfähige Alt-Stimme bieten.
Tatsächlich erinnert das Setting an nicht wenigen Stellen an das, was weiland Joe Boyd für den großen, jedoch viel zu früh verglühten Trauer-Troubadour Nick Drake leistete. Diverse Gitarren, Piano, Mellotron, Wurlitzer-Orgel, Bass, Schlagzeug und Streicher – hier wird ein durchaus breites Instrumentarium aufgefahren, über welchem Berkels wohltuend graziöse Stimme ruht. Und auch der Vorwurf, den Kenner der Songwriterin bislang ungestraft machen durften – nämlich dass alle ihre Stücke im gleichen balladesken Gleichstrom-Setting angesiedelt seien – gilt ab diesem Album nicht mehr, denn obwohl Jenny Berkel natürlich noch immer keine derb drauflos prügelnde Rockmusik macht, gibt es mit „Kaleidoscope“, welches mit seinen wehmütigen Streichern die nachdenkliche Wirkung noch unterstreicht, mit „July“ und dem Trennungslied „Lavender City“ gleich mehrere durchaus munter pulsierende Songs im Mittelteil des Albums, die sich längst nicht mehr als „reine Balladen“ einsortieren lassen. Dem gegenüber stehen schwermütige, recht mystisch verzierte, mit viel Liebe zum feinsinnigen Detail ausgestattete Folksongs wie „Watch You Fade“ oder das walzer’eske „Under A Sky“, während sich „You Think You’re Like The Rain“ ganz der Sehnsucht hingibt oder „Here Comes The Morning“ auf bessere Zeiten hofft.
Klar, besonders erbaulich mag sich das alles nicht gerade lesen. Und: Ja, man sollte schon das richtige Gemüt für diese von tiefer Traurigkeit durchdrungene Platte haben, bei welcher sich die Einsamkeit, die Furcht vor zu großer Nähe, aber auch vor dieser Welt da draußen vor der Wohnungstür, oftmals zwischen verwunschenen Vibrafonharmonien und zarten Gitarrenakkorden verstecken. Und irgendwie haben uns zwei Jahre weltumspannende Pandemie und die zuweilen überwältigende Reizüberflutung, welche auch durch die in ständig schnellerer Abfolge auf uns einprasselnden Katastrophenmeldungen auslöst wird, ja alle mehr oder minder müde und mürbe gemacht, oder? Eben. Da kann einem manchmal für Momente durchaus die Haut dünn und vor allem und im Grunde gar nichts Angst und Bange werden. Wer allerdings vermutet, dass sich Jenny Berkel hier als musikalisches Zitterkaninchen vor der Schlange präsentiert, sieht sich auf angenehme Weise enttäuscht, denn mittels ihrer blumigen, allegorischen Poesie-Sprache findet die Songwriterin immer wieder Wege, ihr Anliegen eher ermutigend in Form von aus der Natur gezogenen Metaphern im Format fiktiver Konversationen (welche teilweise im Zwiegespräch mit sich selbst stattfinden) deutlich zu machen. Und schafft damit berückende Kammerpop-Kostbarkeiten, welche sie hoffentlich baldigst aus der Geheimtipp-Ecke hinausführen werden.
Schwarz und queer in einer überwiegend cis-männlichen, heterosexuellen Szene zu sein, ist – gelinde gesagt – auch im Jahr 2022 alles andere als einfach. Proper. (von denen bereits 2019 auf ANEWFRIEND die Schreibe war) machen trotz alledem das Beste aus den gegebenen Umständen und packen ihre Erfahrungen in kleine, große Songperlen zwischen Sturm, Drang und Sinnsuche. Setzte sich der Album-Vorgänger „I Spent The Winter Writing Songs About Getting Better“ vor knapp drei Jahren noch mit dem Ausbruch aus der Erwartungskulisse des eigenen Umfelds auseinander, will das Trio aus Brooklyn, New York nun gleich ein komplettes Buch vertonen. Jeder Song auf „The Great American Novel“, das seinen Titel einem im US-amerikanischen Literaturdiskurs häufig verwendeten Schlagwort entlehnt, welches das Ideal eines Romans bezeichnet, der exemplarisch das Wesen der USA abbilden soll, also den „besten amerikanischen Roman“, der je geschrieben wurde (oder geschrieben werden kann), versteht sich als Kapitel eines Twentysomething-Protagonisten, der in den 2010er Jahren aufwächst und sich mit der missbräulichen Beziehung seiner Herkunft und seiner Identität auseinandersetzt.
Sänger und Gitarrist Erik Garlington nennt seinen Hauptdarsteller einen queeren, schwarzen Holden Caulfield, der seine Zwanziger er- und durchlebt. Die Texte, welche er für den neusten Langspieler seiner Band verfasst hat, tun weh, sind in ihrem introvertierten Tagebuch-Charakter herzzerreißend ehrlich und gehören doch – oder gerade deshalb – allesamt mit Farbe an die Wände oder mit Edding auf Unterarme. „There’s nothing I’d love less than to work myself to death“, mosert Garlington in „Shuck & Jive“. Kennen wir alle? Kennen wir alle. Im Fokus stehen soll aber das Aufwachsen als nicht weißer, nicht heterosexueller junger Mensch im Bible Belt, dem evangelikalen Süden der Vereinigten Staaten, das Proper. hier zum Konzept auserkoren haben. „My parents wonder why I won’t have children“ – man will Garlington nicht nur hier in den Arm nehmen. Er und seine Mitmusiker Elijah ‚Eli‘ Watson (Schlagzeug) und Natasha Johnson (Bass) verstehen sich als Sprachrohr der Betroffenen und wollen mindestens in ihrer musikalischen Nische für Awareness und gegen Othering und Rassismus eintreten. Politischer und konkreter auf eine spezielle Problematik zugeschnitten war emorockig Tönendes in letzter Zeit selten. Und auch in Sachen Melodie und Dringlichkeit kämpfen sich Proper. mit den neuen Stücken an die Spitze ihrer Szene.
Der angedeutete Stream of Consciousness von „In The Van Somewhere Outside Of Birmingham“ schielt lethargisch kurz in Richtung Sorority Noise, zerbricht dann aber auch in einem angefressen-wütenden Finale. Die leeren Seiten des Schwulendaseins mit tausend Grindr-Sexdates, aber wenig echtem menschlichen Kontakt thematisiert „The Routine“, während es in „Red, White, & Blue“ darum geht, was es heißt, „Amerikaner zu sein“, wie kompliziert und verletzend diese Beziehung ist, und wieso man von dieser eigentlich nie so ganz loskommen kann. Im brillanten „Huerta“ wiederum setzt Garlington sich mit seiner Familienbiographie und deren multikulturellem Erbe auseinander: „I could have been a farmer in the grasslands“, auch wenn das Spanisch des US-Musikers mit mexikanischen Wurzeln ausbaufähig ist – Hauptsache, irgendetwas sein außer nur „another dull American“. Dazu serviert die Band einiges an Stop’n’Go sowie schroffe Einschläge und bratende Gitarrenwände neben Stakkato-Riffing. „McConnell“ mixt gar Sprechgesang, progressive Gesangslinien und eine Idee von Black Metal zu einer im Grunde ziemlich abgedrehten Melange. „How does it even feel to know that people would cheer if you go?“ – Proper. lassen absolut nichts anbrennen, vor allem nicht, sobald sägende Bläser und weibliche Gaststimme ein wunderschönes Stück wie „Milk & Honey“ veredeln. Hier sind Könner am Werk, die ihr tragisches, bitteres Meisterwerk vorlegen, welches in seinen besten Momenten Scharfkantiges, Furioses, fast schon Schäumendes neben Augenblicke der unvermittelten Ruhe stellt. Allein wie sich „Americana“ aufbäumt und von der zarten, fast schon folkigen Idee zum drastischen Manifest mit Nachdruck, mit Biss, mit ungeschönten Worten und der Hoffnung auf ein besseres Morgen, das sich letztlich doch zu verbergen weiß, erwächst, geht unter die Haut. Aber: Ja, selbst inmitten dieser Hölle gibt es eben immer noch einen Funken Hoffnung: „My body might actually belong to me, and not some palm oil monopoly.“
Braucht’s bei alledem noch Referenzen? Nun, mehr denn je drängen sich bei „The Great American Novel“ so einige Vergleiche zu den Besten des emotional aufgeladenen Indie’n’Alternative Rocks der Nuller-Jahre auf: gleich am Album-Anfang etwa zu den Brand New der seligen „Deja Entendu“-Tage, etwas später zu Tim Kashers wütend polternder Kapelle Cursive oder den wilden Stilritt-Eskapaden von Foxing, ansonsten auch zu Conor Oberst beziehungsweise den Desaparecidos im Stile des Vortrags, des Stilbruchs und der Konsequenz dahinter. Dabei sollte jedoch keinesfalls unter den tönenden Tisch fallen, dass Proper. ein eigenes, gekonnt von Stil zu Stil hüpfendes Biest sind, dass Garlington ein grandioser Geschichtenerzähler ist, dass die ganze Band hier verdammt eindrucksvoll abliefert. „The Great American Novel“ hört sich tatsächlich wie ein großes Buch. Gerne lässt man sich fallen, wachrütteln, weint sich in den Schlaf, will rebellieren, kämpft mit Resignation und hofft auf die große, majestätische Auflösung. Allein der Bandname wird ironisch gebrochen, liest man Proper. als „angemessen“ – den Erwartungshaltungen entsprechend – oder gar „angepasst“. Erik Garlington und seine Bandmates jedoch sezieren ihr Land mit dem Fleischermesser und setzen sich an die Speerspitze einer kulturellen Revolution, die nichts Gutes an alteingesessenem, gottesfürchtigem und kanonenschwingendem Amerikanersein findet. Nicht nur auf die Südstaaten begrenzt, stehen Proper. damit im Sinne, Worte zu ihren Waffen zu machen, tatsächlich in der Tradition der großen Schriftsteller, die sie sich zum Vorbild genommen haben. „I’m the God of silent rage, I bite my tongue and cut my breath“: William Faulkner, Truman Capote, John Steinbeck, J. D. Salinger – und jetzt auch Proper.
Es lässt sich ja irgendwie einfach nicht vermeiden, erst einmal mit „der anderen Band“ einzusteigen, denn eigentlich spielen Marvin Nygaard (Bass) und Vidar Landa (Gitarre) schließlich bei den norwegischen Raudaubrüdern Kvelertak. Mit ihrem Merchandiser Børild Haughom am Gesang und dem Schlagzeuger Espen Kvaløy sind sie allerdings Beachheads. Und wenn man nun denkt, man könne der Einfachheit halber ein „file under Kvelertak“ setzen, hat man sich ziemlich geschnitten, denn es ist eher ein deutliches „don’t file under Kvelertak“. Denn: Das schwere Metall bleibt auch auf dem zweiten, passenderweise einfach „Beachheads II“ betitelten Album außen vor, vielmehr zimmert das Quartett aus Oslo zehn Songs irgendwo im weiten Spannungsrund zwischen Power Pop, Garage Rock und Post Punk zurecht, die mit jeder Menge flottem Wind ebenso zeitgenössisch wie dezent retro klingen, sodass einem die Kvelertak-Verbindung nur dann bewusst wird, wenn es einem jemand unters Näschen reibt. Da ertappt man selbst harte Metalheads an mancher Stelle beim entspannten Fußwippen…
Eine reine Spaßveranstaltung also? Mitnichten! Man lausche nur den Texten. „I feel nothing / Nothing at all“, singt Børild Haughom etwa in „Nothing“. Hoppla? Hoppla! Der Kontrast zwischen diesen Zeilen, die er zum schiebenden Schlagzeug von Espen Kvaløy und dem treibenden Riff von Vidar Landa mit seiner angenehm unangestrengten Stimme singt, er könnte größer kaum sein. Vielleicht nimmt man ja diese Art von immanenter Schwermut einfach mit dem norwegischen Trinkwasser zu sich? Beachheads sind auch auf ihrem zweiten Album die potentiell traurigste Gute-Laune-Band der Welt. Oder eben die fröhlichsten Melancholiker Norwegens? Nichts Genaues darf man höchstens vermuten.
Betrauerte Haughom auf dem 2017er Vorgänger noch den Tod seines Vaters (etwa im majestätischen „Procession„), setzt er sich nun, wie eben im benannten „Nothing“, mit seinen Depressionen auseinander: „This kind of sadness tears me apart / I’ve never felt like this before in my life / I will be swinging back / It’s hard to cope with and figure out / I see a darkness, I realize.“ Es ist daher vor allem der Widerspruch zwischen musikalischer Leichtigkeit und inhaltlicher Schwermut, der „Beachheads II“ erneut so strahlen lässt. Während Haughom scheinbar nichts mehr fühlt, fühlt man selbst in den besten Momenten dieses Albums so einiges, verliebt sich Hals über Kopf mit jedem neuen Durchlauf in einen anderen Song. Mal in „Down South“, dieses sonnige Roadmovie, mal in die gedoppelten Stimmen von „Jupiter“, mal ins straighte „Break It Off“, in welchem Haughom mit der Tür ins Holzhaus fällt: „I don’t like you being here / I’ve never liked your style / You really can’t come back again / Let’s break it off this time“, um am Ende seinem verhassten Gegenüber zu gestehen, dass er leider high sei. Dann wieder überrumpelt einen das an R.E.M. erinnernde „Change“, in dem Beachheads ebenso wie in der im besten Sinne Smiths-würdigen Single „Death Of A Nation“ Stellung beziehen. Oder das zupackend-zackige „10.000 Hurts“, welches mit einem der eingängigsten Refrains einer Platte aufwartet, auf der nahezu jeder Song das Zeug zum Hit hat.
Dass Beachheads sich teilweise nicht einmal die Mühe gemacht haben, ihre Demos für das Album neu einzuspielen, zeigt wieviel Selbstvertrauen die Norweger in petto haben (oder eben einfach einen mittleren Scheiß auf perfekten Studiohochglanz geben). Und wo sie es doch tun, vertrauen sie darauf, gemeinsam und live mehr Herzblut einzufangen, als es mit zig Overdubs je möglich wäre. Womit wir bei dem wären, was Beachheads bislang schuldig bleiben: Wann kann – ja: darf – man diese Band endlich live erleben? Am besten auf der nächsten Tour von Kvelertak, da hätte man schon drei Viertel der Band zusammen, schließlich reicht einem dort die Beachheads’sche Stimme Platten und Shirts mit derben Metal-Designs, während 50 Prozent der Band zeitgleich mit ihrer Haupt-Kombo auf der Bühne für Krawall sorgen. Zudem ist es kaum vorstellbar, dass ihnen nicht auch die Fans von Kvelertak ruckzuck aus der Hand fressen würden – spätestens beim – ja, ja – dezent balladesken „Live And Let Live“, wenn sich Haughom mit seiner eigenen Angst vor dem Tod auseinandersetzt. Zum Heulen schön tönt er, dieser Band gewordene Widerspruch – und auch dank dieser halben Stunde Musik weiterhin viel zu gut, um weiter nur als schnödes Kvelertak-Seitenprojekt betrachtet zu werden.
Bedroom Eyes nennt sich das Projekt von Jonas Jonsson aus der kleinen schwedischen Stadt Föllinge. Einst als Solo-Outlet von Jonsson (Gesang, Songwriting) gestartet, hat sich die schwedische Kombo mittlerweile zum Quintett gemausert, zu welchem noch Markus Eriksson (Gitarren, Keyboards), Kim Fastesson (Gitarren), Mattias Andersson (Bass) und Emil Fritzson-Lindquist (Schlagzeug) gehören. Newcomer im klassischen Sinne sind Bedroom Eyes jedoch keineswegs, denn schon mit dem 2010er Debüt „The Long Wait Champion“ und seiner Mischung aus viel Humor, Romantik und fein abgestufter Instrumentierung konnte man Ibrahimović’esk den ein oder anderen Punktgewinn einfahren. Auch das zweite Album „Greetings From Northern Sweden“ lässt sich, wenn auch nicht als Millionenseller, durchaus als Erfolg verbuchen – und das, obwohl die 2017 veröffentlichte Platte, welche manches Hörer*innen-Ohr an die Decemberists denken ließ, von den eher trostlosesten Orten Nordschwedens inspiriert wurde. Verwunderlich? Nope. In der Einöde liegt ja oft auch eine gewisse Romantik, die sehr inspirierend sein kann. Und ohne noch ein weiteres Klischee bedienen zu wollen: Schwedische Melodien haben im besten Fall ohnehin eine ganz besondere Note, parken den geräumigen Volvo stets gekonnt irgendwo zwischen Sentimentalität und Fröhlichkeit – man denke nur an Bands wie Tiger Lou, die Shout Out Louds oder eben ABBA.
Apropos „Einöde“: In selbiger – genauer: in einem recht rustikalen Studio in den Wäldern von Rissna, Jämtland – entstand auch der dieser Tage erschienene dritte Langspieler „Sisyphus Rock“ – und deutet bereits im Titel an, dass dieses Mal der Indie Pop – zumindest in Teilen – dem Indie Rock weichen durfte…
Mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Achtziger-Komödien, klassischer Literatur und düsterem Neunziger-Punk gehen die acht neuen, vornehmlich live eingespielten Songs in eine lautere und rauere Richtung als seine Vorgänger, welche vom „Spiegel“ noch als recht fluffige „Begegnung von Belle and Sebastian und Jens Lekman“ beschrieben wurden (während das „Vice Magazine“ hingegen Jonas Jonsson schlicht als „a beautiful artist“ bezeichnete). Dennoch will sich Jonsson auch hier nie so ganz festlegen, lässt innere Krisen auf kulturelle Referenzen treffen, stellt emotionale Selbstoffenbarungen neben Seinfeld’eske Popkultur-Zitate. Wer da nicht den Überblick verliert, der könnte schnell meinen, Teil seiner inneren Welt zu sein.
Überhaupt: die Texte. Jene geraten nicht selten ähnlich eigenbrötlerisch wie die von Paul Westerberg, einem von Jonssons erklärten Idolen, dem er auf „Sisyphus Rock“ zudem – wenn auch nur als Wortspiel – einen Songtitel widmet. Wer jedoch nun auch einen klanglichen Verweis vermutet, der wird schnell enttäuscht sein, denn obwohl die neue Platte durchaus gitarrenzentriert ausfällt, hat sie eher wenig mit der meist rauen Unmittelbarkeit des Sounds der Replacements zu tun. Und so dunkel Jonsson seine Angstzustände etwa in „The Dark Between The Stars“ auch ausmalt, verfügen seine Songs durch die seichte Distortion der Indie Rock-Riffs und Jangle Pop-Einlagen doch über eine dazu konträre Leichtigkeit, zu welcher auch Jonas Jonssons leicht zuckrig tönende Stimme beiträgt, die an nicht wenigen Stellen der von Ben Gibbard (Death Cab For Cutie, The Postal Service) ähnelt. Easy Listening also? Könnte man so sehen – und bei so viel Wohlklang vorschnell überhören, wie Jonsson inhaltlich mit Camus und Beckett über die Natur des Menschen philosophiert: „Make the best of what you’ve got / We are here until we’re not“, wie er es im zweiten Song „Sisyfuzz“ recht pragmatisch zusammenfasst. Dass es in den Strophen mitunter treibend indierockig, mitunter gar dezent post-punkig zugeht, steht bei diesem einerseits bunten, andererseits auch irgendwie sphärisch-poppigen, geradlinigen Treiben keineswegs im Widerspruch.
In manchen Momenten tönen die fünf Schweden sogar etwas märchenhaft: “The Dark Between The Stars” reichern sie plötzlich ganz anders an, drehen den Song nahezu komplett, um ihn am Ende wieder konventionell einzuordnen. Starr ist hier nichts, die Dynamik von “Sisyphus Rock” ist auf internationalem IKEA-Parkett entworfen, obwohl Jonsson und Co. ganz behutsam komponieren. Mit dem bereits erwähnten “Paul Westerberg” verschenken Bedroom Eyes dann keine Sekunde, stehen unangemeldet mit einem poppigen Song im Türrahmen und werfen mit Ohrwurmpassagen um sich, die im gut sortieren Radio sofort zünden würden, ohne irgendwie unangenehm aufzufallen. Anderswo, in „Kim“, ist die Rhythmusfraktion um Schlagzeuger Emil Fritzson-Lindquist und Bassist Mattias Andersson eindeutig als treibende Kraft spürbar, aber trotz allem stets angenehm den Rest stützend und nicht aufdringlich. Etwas aus dem Rahmen fällt “Store blå” (großes Blau): der Song wurde in Jämska gesungen, einem nur selten gesprochenen Dialekt in Nordschweden, der dem Norwegischen recht nahe steht. Und im finalen “Here Comes Godot” wird’s noch einmal philosophisch, während Jonsson den inneren Motivationstrainer anwirft, schließlich bezieht sich der Song auf das aussichtslose Warten und den damit verbundenen Stillstand. Also lieber nicht warten, selbst machen!
Der neue Bedroom Eyes’sche Wurf “Sisyphus Rock” drängt sich zwar keineswegs auf, empfiehlt sich dafür jedoch umso mehr für kommende Roadtrips, für laue Sommernächte – und, anders als die Vorgänger, weniger fürs unproduktive Fläzen im Bett. Trotz der etwas eindimensionalen Produktion ist dem Schweden-Fünfer ein schönes, angenehm zeitlos indierockendes Powerpop-Album gelungen, das eher mit einem positiven Grundrauschen arbeitet und wenig auf Knalleffekte oder Hit-Momente setzt. Da wundert es kaum, dass die Band auch außerhalb ihrer Heimat bereits prominente Fans hat – den auch selbst ab und an musizierenden Comedian Fred Armisen („Portlandia“, „Saturday Night Live“) etwa, der das Album als einer der ersten außerhalb des inneren Kreises hören durfte und mit den Worten „Großartiger Sound, großartige Energie und wunderbare Songs“ beschrieb. Där lyssna!
ANEWFRIEND 